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Radio ›› Martin Tétreault
En orbite
Duo 11, 4m43s [excerpt]
Track 3 from En orbite
LP Vinyl: Oral (2014) ORAL 61

Artists ›› Martin Tétreault

  • Articles about Martin Tétreault

    Record reviews are found in the pages for each disc (via the discography tab).

    17 May 2015
    By Byron Coley in Exclaim! (Canada), May 17, 2015

    Text

    “It was riveting stuff, in the most abstract way.”

    Trends in avant-turntabling have come a long way since Christian Marclay began using vinyl as an element with Bachelors, even back in 1980. Where the technique once relied on large gestures and the sonic qualities of vinyl itself as cornerstones, the current approach is far more subtle and nuanced. This quartet featured two of the form’s best practitioners — Montreal polymath Martin Tétreault and Vienna’s Dieb 13, along with Austrian trumpeter Franz Hautzinger and France’s Isabelle Duthoit on clarinet and vocals.

    As with much current Austrian music, the volume for most of the performance was very low: small events of voice and breath-through-trumpet, matched with minimally treated electronics using turntables as their sound source. Several passages were much more aggressive and loud, especially after Duthoit started playing clarinet, but the feel was very much in line with chamber music of futuristic design. The group played one long piece, “where is the sun,” with machine clicks providing whatever rhythm existed, and the highly tamped melodies were only occasionally pierced by instrumental or vocal shrieks.

    It was riveting stuff, in the most abstract way.

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    16 March 2010
    By Laure Henri-Garand in Le Délit français (Québec), March 16, 2010

    Text

    “… l’expérience est enrichissante: elle impose une écoute nouvelle, et place l’auditeur hors du confort du système tonal et harmonique traditionnel.”

    Le 10 mars dernier, le Goethe-Institut accueillait les Productions SuperMusiques, en collaboration avec la Saison Le Vivier et la maison de Disques DAME, pour un double lancement d’album de musique actuelle.

    D’emblée, le concert s’annonçait intime: les quelques soixantedix sièges de la salle McLaren du Goethe-Institut, coin Sherbrooke et Saint-Denis, étaient occupés aux trois quarts quelques minutes seulement avant le début du concert. Un public d’initiés, à en juger par les conversations autour de moi -voilà ce qui arrive lorsqu’on se rend seule à un concert de musique actuelle- qui donnaient l’impression que tous se connaissaient. Intime aussi, la courte présentation de Danielle Palardy Roger, directrice musicale et artistique des Productions SuperMusiques, qui semblait s’adresser à des amis plutôt qu’à un public d’étrangers. Exit les grands discours, c’est la musique qui est à l’honneur ici, une musique qui défie toutes conventions et qui s’inscrit bien au-delà de l’expérience d’écoute traditionnelle. Car voilà le mandat de cet organisme à but non lucratif, fondé en 1979 par trois musiciennes (D. Palardy Roger, J. Hétu, D. Labrosse) aux parcours éclectiques: «promouvoir des musiques créées sans souci du commerce, des modes en vigueur ou des conventions académiques».

    Divisé en deux parties, le concert faisait figure de lancement pour les deux ensembles invités, Nous perçons les oreilles, une formation composée de Jean Derome et Joane Hétu (aussi codirectrice des Productions SuperMusiques), ainsi que le duo formé par Ignaz Schick et Martin Tétreault.

    Sans cérémonie, Derome et Hétu se sont installés sur la petite scène qui sert normalement de salle de cinéma pour interpréter l’intégrale de leur troisième album, Shaman, une pièce en douze sections d’une trentaine de minutes. Les deux musiciens, qui ont chacun un parcours musical impressionnant, utilisent en plus de leurs instruments respectifs (saxophones, flûte et voix) tout un éventail d’objets-instruments, permettant ainsi une combinaison de textures sonores que viennent mettre en valeur une écoute et une virtuosité évidente. Résultat: une ambiance étrange, faite de couinements et de clapotis presque surréalistes, dans laquelle les concepts musicaux traditionnels -harmonies, gammes, formes, etc.- sont complètements transformés, voire évacués.

    Pour la deuxième partie, Ignaz Schick et Martin Tétreault avaient installé leurs tables tournantes (sans disques), ordinateurs portables et autres objets disparates sur deux longues tables au fond de la scène. Plus sobre, le duo a interprété quelques extraits de son dernier album, Live • 33 • 45 • 78, dans lequel il combine des matériaux bruts (bois, métal, plastique, papier…) à l’utilisation novatrice de la table tournante. Schick, qui vit à Berlin, et Tétreault, un montréalais, sont deux habitués de la scène électronique et ont chacun à leur actif un nombre impressionnant de contributions à divers groupes et festivals. Leur musique, pratiquement indescriptible, oscille entre le bruitisme et la musique d’ambiance, tantôt chaotique, tantôt syncopée, mais cherchant toujours visiblement à s’éloigner de tout terrain connu.

    Malgré une expérience tout à fait intéressante, ce serait mentir que d’affirmer que ce type de musique est accessible à tous. En l’absence des repères traditionnellement associés à la musique (mélodie, rythme) l’auditeur non-initié se retrouve perdu. Et pourtant, l’expérience est enrichissante: elle impose une écoute nouvelle, et place l’auditeur hors du confort du système tonal et harmonique traditionnel. C’est, on en convient, le propre de la musique expérimentale.

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    13 March 2010
    By Patrick Gauthier in Rue Frontenac (Québec), March 13, 2010

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    “Bienvenue dans le monde d’un véritable iconoclaste, d’un créateur unique.”

    À la belle époque des disques de vinyle et des tourne-disques, il fallait prendre un soin fou de ces galettes de plastique noir et de cette minuscule pointe de diamant qui transmettait les vibrations des sillons. Depuis 25 ans, Martin Tétreault prend un malin plaisir à trafiquer les premières et à torturer la seconde. Bienvenue dans le monde d’un véritable iconoclaste, d’un créateur unique.

    Il y a un joyeux bric-à-brac dans l’appartement que Martin Tétreault occupe dans le quartier Centre-Sud de Montréal depuis une quinzaine d’années.

    Des piles de disques, des mètres de fils de toutes sortes, plusieurs platines et différents appareils électroniques remplissent la pièce à l’arrière qui lui sert de studio «sonore».

    Au bout du couloir, une tempête semble avoir traversé la pièce qui sert de studio «visuel» à Martin Tétreault. Le sol est jonché de pochettes de disques et de petits tableaux peints par des amateurs, matériau de base d’une exposition complètement déjantée sur laquelle l’artiste planche.

    Si ces deux pièces sont séparées d’une dizaine de mètres, leurs contenus cohabitent en parfaite symbiose dans la tête de l’artiste. Pour lui, le son et la lumière ne sont que deux variations du même langage. Et ces variations illustrent également une seule et unique fascination pour le disque.

    Cercle noir

    Si, depuis un quart de siècle, Martin Tétreault voue un véritable culte au disque, sa fascination fut d’abord pour l’objet plutôt que pour son contenu. La forme annonçait le fond.

    «Pour moi, un disque, c’était un cercle noir, dit l’artiste, sur la table duquel traîne le Points et lignes sur plan de Kandinsky. Un disque que j’ai coupé en deux, puis recollé en inversant les côtés. En remettant le disque sur une table-tournante, le discours narratif de l’objet (pour l’anecdote, ce premier disque trafiqué par Martin Tétreault fut Travelling Guitars, par Larry and Lenore…) est réapparu.»

    C’est donc un peu par curiosité, presque par accident, si cet étudiant en arts s’est intéressé au «son» d’un disque trafiqué. Déjà fou de musique expérimentale — adolescent, il faisait régulièrement l’aller-retour Saint-Jean—Montréal pour aller entendre Jean Derome —, il a voulu jouer avec la signature visuelle de l’objet-disque avant d’en triturer le contenu.

    Mais la richesse sonore du disque trafiqué s’est bien vite imposée, et les possibilités de ce nouveau langage se sont avérées illimitées. Aujourd’hui, sa fascination «visuelle» pour l’objet-disque s’est déplacée vers la pochette. L’objet-disque est maintenant une source d’expériences sonores inédites.

    «Ça me permet de créer des groupes qui n’existent pas», explique-t-il, se souvenant de son excitation lorsqu’il a créé l’un de ces premiers groupes en collant trois disques: «Un de Ravi Shankar, un disque du Chœur de l’Armée rouge et finalement un disque de piano honky tonk! J’entendais ce groupe improbable et je voyais ce que ça donnerait sur scène.»

    Heureux accidents

    Mais les collages sonores ne donnent pas toujours les résultats escomptés. «L’accident est important», concède Tétreault.

    Depuis ces premières expérimentations, au début des années 1980, il multiplie donc les tentatives, cherchant à créer ces «heureux accidents».

    Pendant l’entrevue, il nous fait d’ailleurs une petite démonstration en spinnant un disque constitué de quatre parties distinctes, quatre morceaux d’autant de disques de musique classique qui, une fois scotchés, deviennent une œuvre unique, inédite.

    «J’aime le risque», admet-il quand on lui fait remarquer que ses collages ne doivent pas toujours donner des résultats probants.

    «Et je trouve que la musique manque de risque», poursuit ce fan de Prince qui cite, au cours de l’entrevue, Cage et Zorn, bien sûr, mais aussi Radiohead et… Barbra Streisand. «J’aime ça me casser la gueule, surtout en solo. J’aime quand le public sent que je m’enferme dans un coin et ne sait pas comment je vais m’en sortir…»

    Plasticien sonore

    Le bric-à-brac qui occupe au moins deux des pièces de son appartement illustre bien le penchant de Martin Tétreault pour la récupération. Car à son désir de réinventer l’objet-disque s’ajoute une véritable préoccupation ethno-écologique.

    Le principal intéressé admet sans gêne son côté «patenteux», mais il lui donne une valeur artistique, voire philosophique: «Je redonne du sens à des objets culturels qui n’ont plus de signification.»

    Il pousse aujourd’hui ses recherches encore plus loin, délaissant le collage de disques pour expérimenter avec des textures. Il couche donc sur ses platines des disques de bois, de carton, de papier gaufré, de mack tack… Comme si l’artiste visuel, intéressé par la texture des matériaux, nourrissait le DJ.

    DJ, créateur, recycleur, patenteux, bruitiste, platiniste, joueur de tables tournantes, compositeur… Quand, après une bonne heure d’interview, on demande à Martin Tétreault quelle appellation il préfère, qu’on le voit hésiter et qu’on lui suggère «plasticien sonore», son œil s’allume et un grand sourire espiègle fait son apparition.

    «Tiens, tiens, j’avais jamais pensé à celle-là!» On a bien l’impression que l’appellation va rester…

    Au plus près du gouffre

    Concentré sur son mixeur, accentuant les graves ici, mettant un effet là, Martin Tétreault est complètement habité par le son.

    Lorsque l’aiguille quitte la surface noire pour gratter le carton au centre du disque, provoquant un son irritant, l’expérience continue pour ce défricheur. Mais elle achève: «On ne peut pas aller plus loin, dit soudainement Tétreault. Plus loin, on tombe dans le trou!»

    L’art selon Martin Tétreault, c’est ça: s’approcher au plus près du gouffre. Faire le funambule sur une corniche qui surplombe le vide. Flirter avec le désastre. Avoir le goût du risque.

    Martin Tétreault vient de faire paraître un disque en duo avec le platiniste berlinois Ignaz SchickLive 33 45 78 — et multipliera les apparitions, seul ou avec ses partenaires, ce printemps.

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    1 September 2008
    By Mike Chamberlain in Signal to Noise #51 (USA), September 1, 2008

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    While the 2008 edition marked the 25th anniversary of the Festival international de musique actuelle de Victoriaville, and while the festival grid looked, in some respects, like a tribute to certain mainstays of the festival that’s not quite the way that Victo’s director, Michel Levasseur, set out to put the milestone program together. The 25th anniversary nonetheless has a resonance for many people, Levasseur found. “You can’t hide the reality of this history,” he said in an interview before the festival. “Some people have 25 years of marriage. Some people think of where they were 25 years ago. Some of our audience weren’t even born then. […]”

    And there was, in fact, a certain symmetry to the lineup, with Jean Derome et les Dangereux Zhoms + 7 and John Zorn’s project The Dreamers opening the festival at 8 and 10 pm respectively. Both Derome and an expanded lineup of Les Dangereux Zhoms and Zorn’s Dreamers delivered performances that demonstrated that their leaders were still making interesting, relevant music. Les Dangereux Zhoms did two pieces. The first, Traquen’Art, was first performed late last year in homage to the Montréal production company of the same name, while the second, Plateforme, was a premiere, written in tribute Levasseur’s creation and life work. With the lineup expanded to include the voice of Joane Hétu, the reeds of Lori Freedman, and the turntable of Martin Tétreault, among others, the two compositions encompassed a wide palette that drew together almost everything Derome has done over the past thirty years. Ranging from delicate interplay between voice, violin and viola to full-on collective improvisation with screeching guitar and muted trombone pyrotechnics, the music exploded generic considerations in the best Victo tradition. […]

    A lot of festival-goers skip the midnight shows, but this year’s edition featured two of the best I have seen in a decade of attending the festival, the Friendly Rich Show on Thursday and Michel F Côté’s post-rock soul sextet (juste) Claudette on Sunday. […] While the collective intrigue of the three Thursday concerts were hard to match, there was much to savor over the weekend. Among these […] the premiere performance by the trio of René Lussier, Martin Tétreault and Otomo Yoshihide, whose nakedly human endeavors to improvise as a trio had to overcome their long histories of playing with one another in duos, the results demonstrating both the promise and the pitfalls of improvised music.

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    3 July 2008
    By David Ryshpan in Panpot (Québec), July 3, 2008

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    “The blend of Tétreault’s turntables, Myhr’s guitar effects and Martel’s viola da gamba was impressive.”

    … The evening started off with Philippe Lauzier and Pierre-Yves Martel of Quartetski, turntablist Martin Tétreault and Norwegian guitarist Kim Myhr in three quiet and textural improvisations. The set started with Lauzier playing his alto saxophone with a plunger mute affixed on his bell, creating a muffled and distant sound. The blend of Tétreault’s turntables, Myhr’s guitar effects and Martel’s viola da gamba was impressive. It was difficult to determine where the sounds were coming from. Martel, unamplified, would bow furiously, unleashing streams of harmonics, and even thump his bow against the body of the instrument. Myhr and Lauzier used their instruments more as resonators for external objects and vocalizations. Myhr many times moved a spinning toy across the body of his classical guitar, which he alternately played lying flat on his lap or in normal playing position. Lauzier also played bass clarinet, emphasizing the overtones of the instrument, and pulled out a plastic tube through which he circular breathed. At that moment, with Lauzier playing the tube, the whole group combined to sound like a massive vacuum cleaner, or that noisy radiator from down the hall — a sound full of airy noise, feedback and harmonics…

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    1 July 2008
    By Kurt Gottschalk in All About Jazz New York #75 (USA), July 1, 2008

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    Guitars reigned supreme at this year’s Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville. The saxophones were there to be sure; Jean Derome, Joe McPhee and Roscoe Mitchell are not ones to sneeze at. But the 25th edition of FIMAV centered on the six-string, with Raymond Boni, Tim Brady, Nick Didkovsky, Fred Frith, René Lussier, Joe Morris, Marc Ribot and Elliott Sharp all on the bill. (…)

    Sets by the members of the Ambiances Magnétiques collective from Montréal (100 miles southwest of Victoriaville) are always a much anticipated part of the week and this year made for three strong sets: Jean Derome’s Les Dangereux Zhoms revived as a sextet; Michel F Côté’s excellent organ lounge (juste) Claudette and a trio of René Lussier, Martin Tétrault and Otomo Yoshihide. The latter was an especially exciting outburst of two turntables and two guitars ( Yoshihide manning one of each), running from energy to abstraction. Yoshihide was originally set to play just turntables, but arrived with guitar in hand. Perhaps he sensed something about the frenzy of FIMAV 2008.

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    1 June 2008
    By Jérôme Noetinger in Revue & Corrigée #76 (France), June 1, 2008

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    24 May 2008
    By Serge Truffaut in Le Devoir (Québec), May 24, 2008

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    Enfin! Bravo! Merci aux organisateurs de L’OFF Festival de Jazz de Montréal d’avoir accompli un retournement temporel. La neuvième édition de cet événement ne se tiendra pas simultanément à l’autre, le «gros», si l’on peut se permettre. Après s’être rendu compte que l’offre musicale se confondait avec hyperinflation au début de l’été, les responsables de l’Off ont décidé de devancer les dates. Bref, il se déroulera du 13 au 21 juin.

    La deuxième modification apportée est géographique. Adieu le Patro Vys, bonjour le Dièse Onze, qui a ceci de bien qu’il est un club de jazz à l’année. Jazz et resto situé au 4115 A du boulevard Saint-Denis, pour être précis. Les autres points de chute sont les mêmes que ceux de l’édition antérieure: le Lion d’or et le Pub Saint-Ciboire. Auxquels s’ajoutent cette année…

    … La Sala Rossa. Et là, si l’on peut dire, c’est l’autre bonne nouvelle de cette année. Voici de quoi il s’agit: les organisateurs de l’Off se sont associés à ceux du festival Suoni per il popolo, qui se tiendra du 1er au 30 juin. Cette alliance, selon les confidences de Jean-Jules Pilote, cheville ouvrière de l’Off, devrait s’étoffer au cours des prochaines années.

    C’est à espérer. Car au cours des prochaines semaines, ce duo d’organisateurs va proposer deux spectacles à La Sala Rossa: le Sun Ra Arkestra, dont on a parlé la semaine dernière, le 14 juin, et le Barnyard Drama, le quartet Lauzier, Myhr, Martel, Tétreault ainsi que Gordon Allen le 15 juin. Prix du billet de Sun Ra: 25$, alors que celui du lendemain se détaille entre 14 et 16$.

    Puisqu’on décline les histoires d’espèces sonnantes, il faut insister sur un fait économique fondamental. C’est sérieux, très sérieux même. Le rapport qualité/prix inhérent aux shows de l’Off est REMARQUABLE! Le coût d’entrée des spectacles à l’affiche du Dièse Onze est de 8$. Ceux du Pub Saint-Ciboire sont gratuits. Ceux du Lion d’or: 20$ en prévente ou 25$ à la porte pour deux shows ou 15$ pour celui débutant à 21h30. Pour les détails, on peut se renseigner au lofffestivaldejazz.com

    Bon. Après lecture du programme, six des shows au Lion d’or sont à retenir: la Fanfare Pourpour, qui aura l’accordéoniste et chanteur suédois Lars Hollmer pour invité. Cette fanfare à la veine humoristique indéniable est toujours dirigée par l’immense Jean Derome. Quoi d’autre? Il suffit d’écouter leur album paru sur étiquette Ambiances Magnétiques pour s’apercevoir que les membres de cette grande formation excellent dans l’alchimie des folklores du monde.

    Le 18 juin, le saxophoniste et clarinettiste Chet Doxas va proposer un spectacle propre à aiguiser toutes les curiosités: Le Mur de Jean-Paul Sartre. Doxas a composé une série de thèmes inspirés, donc, de ce chef-d’œuvre littéraire qu’il interprétera en compagnie de Stéphane Allard et Zoé Dumais aux violons, de Jean René à l’alto, de Sheila Hannigan au violoncelle, de Zack Lober à la contrebasse, de son frère Jim à la batterie, tous sous la direction de Jon Sapoway.

    Le même soir, mais après Doxas, les musiciens phares des labels DAME et Ambiances Magnétiques vont occuper la scène pour improviser à tout va. Autour de Derome, on retrouvera Joanne Hétu au saxo, Charity Chan au piano, Diane Labrosse à l’échantillonnage, Lori Freedman à la clarinette basse, Guido Del Fabbro au violon, Rainer Wiens à la guitare et l’incontournable Pierre Tanguay à la batterie.

    Le 20 juin, le très courageux, le musicien essentiel, le contrebassiste battant Normand Guilbeault va décliner ses compositions retraçant la vie de Louis Riel. Il sera flanqué de quatorze musiciens, narrateurs et projectionnistes. C’est au Lion d’or le 20 juin à 20h. La veille, au même endroit, on aura droit à l’accouplement jazz et poésie avec José Acquelin, Renée Gagnon, Hélène Monette, Carole David et Jean-Marc Desgent.

    Enfin, le 21 juin, l’affiche est alléchante parce que… parce que… le saxophoniste Janis Steprans a réuni trois autres saxos autour de lui pour clôturer cette 9e édition. André Leroux sera au soprano, David Bellemare au ténor, Jean Fréchette au baryton et Steprans, bien entendu, à l’alto. Simon Lévesque à la contrebasse et Dave Laing à la batterie vont rythmer le tout.

    Les billets sont en vente à L’Oblique, à L’Échange, à L’Articulée ainsi qu’à la Casa Del Popolo et à Cheap Thrills pour les shows du 14 et du 15 juin.

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    15 May 2008
    By Mathieu Bélanger in Panpot (Québec), May 15, 2008

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    “One of the nicest moments of Plates-formes occurred when he directed the ensemble to alternate between duos of Walsh’s trombone or Hétu’s vocals with Tanguay’s drumming and blasts of white noise by the other nine musicians.”

    Very few musicians and musical events share a history as intimately related as that of Jean Derome and the Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville. In this regard, the Montréal-based saxophonist, flutist, composer and core member of the Ambiances Magnétiques collective seemed like a natural choice to open the 25th edition of the FIMAV.

    For the occasion, Derome presented a project called Jean Derome et les Dangereux Zhomes + 7, that is the long-running then-sextet-now-quintet of Derome, trombonist Tom Walsh, pianist Guillaume Dostaler, electric bassist Pierre Cartier and drummer Pierre Tanguay augmented with seven musicians. More specifically, the original Zhoms were joined on stage by Joane Hétu on vocals, Lori Freedman on clarinets, Gordon Allen on trumpet, Bernard Falaise on electric guitar, Martin Tétreault on turntables and electronics, Jean René on viola as Nadia Francavilla, the latter probably unknown to most “musique actuelle”/jazz/improvised music listeners, but better-know for her work with the Quatuor Bozzini.

    It was meant, not without a pun, to describe this project as Derome’s special commemoration project. Indeed, it was first put together in December 2007 to celebrate the 25th anniversary of Traquen’art, a Montréal-based improvised music and world music production organization. The second ever concert happened as part of the FIMAV whose 2008 edition was, as mentioned above, its 25th. As a matter of fact, Derome himself seems to have marked the pun with the titles of the compositions performed. The first was premiered at their debut concert and is called Traquenards. The title of the second is Plates-formes, for the organization behind the festival is called Productions Plateformes.

    At around 30 to 35 minutes each, both Traquenards and Plates-formes were actually suites more than pieces, meaning they consisted of multiple sections lasting from 5 to 10 minutes. They reflected the eclecticism of Jean Derome’s musical universe for they suggested through references of jazz, rock, contemporary music, electronic music or even noise, but also integrated some of these styles’ formal characteristics. It is also worth mentioning that the ideas of trap (English for the French word “traquenard”) and platform (the English translation of the French word “plate-forme” as one will have already guessed) acted as inspiration for the writing of the two suites, although this was not always obvious judging from the music, but it probably was not always meant to be, either.

    Derome’s use of the 12-musician ensemble as a whole was diversified. One of the nicest moments of Plates-formes occurred when he directed the ensemble to alternate between duos of Walsh’s trombone or Hétu’s vocals with Tanguay’s drumming and blasts of white noise by the other nine musicians. At other times, the 12 musicians played Derome’s themes at unison.

    However, there still remained room for each musician to demonstrate his/her craft. In this respect, one section of Traquenards consisted of Dostaler starting something on the piano until Falaise, Hétu or Tétreault made a noise, at which point he had to start something else. Needless to say they had a little fun with the concept, either forcing Dostaler to change very quickly or leaving him to develop some material for longer than he would normally have.

    Oh, and before anyone asks, the balance and volume level was great in the Cinéma Laurier so the music could be appreciated in all of its details.

    In conclusion, if anyone has a 25th anniversary coming up, he definitely should consider asking Jean Derome et les Dangereux Zhoms + 7 to play. You’re likely to hear some pleasant music, just like the spectators did on that evening of May 15th.

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    1 September 2006
    By Karel Kouba in Unijazz (Czech Republic), September 1, 2006

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    1 April 2004
    By Dan Warburton in The Wire #241 (UK), April 1, 2004

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    On 14 December 2000 in Montréal, turntablist Martin Tétreault and percussionist Pierre Tanguay recorded an offbeat but affectionate homage to the history of jazz in the form of ten three-minute pieces, one for each decade of Uhe 20th century. Three days later Tétreault mailed a DAT of the session to French improvising clarinettist Xavier Charles, who added his own contributions on 29 December before mixing down and pressing the result in a ridiculously limited CD-R edition two days later. The trio can indeed claim to have made the last jazz record of the 20th century.

    In today’s Improv, whose practitioners scowl joylessly at laptops and inputless mixing boards, it’s a pleasant surprise to come across the same sense of humour that once characterised Lol Coxhill’s and Steve Beresford’s work on the Nato label. Recorded in mono, the first four tracks are followed by a Pythonesque "and now - stereo!" flourish. Though conceptually rigorous, this is no mere exercise in cheap pastiche. Charles’s quotations of Sidney Bechet are as affectionate as they are accomplished, but he makes no attempt to ape the beboppers. Instead he sticks to sustained grainy multiphonics swinging between the left and right channels, leaving Tétreault’s mangled Hammond organ samples and Tanguay’s manic drumming to reference 50s hard bop.

    Similarly, "1960-1970 Free Jazz Tony Williams Lifetime" finds the clarinettist emitting distinctly 21st century spits and rustles. The deliciously cheesy closing track, "1990-2000 Acid Jazz Electronique", leaves the listener in little doubt as to what the musicians think of the genre, especially Charles who spends the entire track noodling, Feldman-like, on three adjacent semitones. The inner sleeve of this vinyl reissue Iovingly reproduces Delphine Touzet’s delightful original artwork - «Sauvons le Jazz!» indeed. It has rarely taken such a hammering as this.

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    1 March 2004
    By Philippe Robert in Octopus #27 (France), March 1, 2004

    Text

    “… le résultat sonore est saisissant…”

    Depuis 20 ans, le platiniste Martin Tétreault creuse son sillon autour des disques. Plasticien de formation, Martin Tétreault s’est très tôt intéressé aux disques afin de produire une musique tournant autour de la citation et du piratage. Depuis quelques années, les disques traditionnels ont déserté les platines du Québécois au profit d’une exploration débridée et sans frontières de la lutherie phonographique. Creusant le sillon ouvert par John Cage en matière de pratiques étendues, le Québécois Martin Tétreault, depuis une vingtaine d’années (ses premières expériences en solo remontent à 1984), n’a eu de cesse de tester tout ce qui a trait aux disques en tant que supports et aux platines, abandonnant progressivement les premiers au profit des secondes. Sous l’influence de sa formation de plasticien, il lui a rapidement semblé logique de s’attaquer d’abord au vinyle comme matériau, d’autant plus que le tourne-disque était un objet qui le fascinait depuis l’enfance. A l’instar de nombre de ses confrères, Martin Tétreault commence donc par s’intéresser à la citation et à l’idée de piratage avant d’élargir cet horizon: «Un jour, j’ai pris un disque, l’ai coupé au milieu, en ai fixé les deux moitiés inversées que j’ai mises sur le pick-up pour écouter. De ce jour, la platine était devenue pour moi active.» Vers le milieu des années 80, il rencontre les musiciens du label Ambiances Magnétiques, dont il devient un des piliers. Notamment le guitariste René Lussier, avec lequel il enregistre Dur noyau dur, et qui l’initie à l’art du pionnier Christian Marclay, qu’il rencontre en 1989 à New York dans le cadre de la fameuse exposition Broken Music. Tandis que Marclay continuait de s’impliquer dans les arts visuels parallèlement à la musique, le Canadien prend un chemin inverse, multipliant les collaborations avec Jean Derome et la formation Bruire de Michel F Côté. En 1998, un disque vient marquer le point culminant de sa pratique d’alors - qui par la suite évoluera considérablement. Il s’agit d’un duo avec le clarinettiste Robert Marcel Lepage en hommage à Maria Callas, thème d’ailleurs déjà abordé par Marclay sur More Encores. Lyrique, malicieux, jubilatoire: cet album use de la citation parasitée par les scratches dans le cadre d’improvisations tour à tour enjouées ou mélancoliques, qui constamment mettent en œuvre des réminiscences, une certaine forme de nostalgie. Tétreault joue encore des disques, de leur contenu comme de leurs craquements, variant la vitesse de lecture et sautant de l’un à l’autre pour générer des apparitions lexicales saugrenues.

    Grosso modo, c’est à partir de son trio avec l’échantillonneuse Diane Labrosse et la percussionniste électronique Ikue Mori sur Île bizarre que Tétreault commence à se passionner plus avant pour les moyens de reproduction en eux-mêmes, c’est-à-dire la platine et ce qui va avec, comme en témoigneront plus tard ses nombreuses collaborations avec Otomo Yoshihide (21 Situations) ou Sachiko M (Four Focuses). Depuis, plutôt qu’en lecteur, aussi sophistiqué soit-il, c’est en tant que véritable générateur de sons qu’il a transformé la platine, laissant de côté tout ce qui avait trait au détournement pour ne plus se consacrer qu’à elle. En la modifiant et en l’explorant, ainsi que ses périphériques. «La platine en elle-même peut produire du son car son aiguille et la cellule peuvent agir comme un microphone. L’aiguille posée directement sur le plateau crée des vibrations dont on peut amplifier le volume.» Singulier et bruitiste, son art est désormais centré sur la musique des objets: celle des deux à quatre platines dont il joue, chacune équipée de plusieurs bras, avec des aiguilles préparées reliées à des ressorts ou des ballons, l’ensemble passant au travers d’un mélangeur. «Avec les deux bras, confie-t-il, ravi, je peux obtenir des effets de delay.» En effet, le résultat sonore est saisissant, dont on peut se faire une idée précise à l’écoute de son coffret de trois mini-CD en compagnie d’Otomo Yoshihide. Comme lui, ce dernier, influencé par Sachiko M, a délaissé le zapping virtuose (il avait longuement théorisé le «virus sampling») pour ne plus se consacrer qu’au son, au sein d’I.S.O. et Filament. Mû par des préoccupations voisines de celles de son confrère canadien, le processus d’échantillonnage ne l’interpelle plus guère car il trouve plus intéressant d’expérimenter en produisant du feedback, des bruits parasites et de les monter ensemble. On pourrait même parler là d’archi-textures corrosives. Des textures d’ailleurs au diapason de la gestuelle toujours plus minimale et étonnante de Tétreault, que l’on peut écouter en live depuis peu avec les Kristof K. Roll, Xavier Charles et Diane Labrosse au Festival de Victoriaville.

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    25 November 2003
    By François Couture in actuellecd.com (Québec), November 25, 2003

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    The Holidays are closing in. Are you wondering what gifts to buy this year? You’re looking for the original gift, the one that will surprise and please? Why not expand the musical horizons of a loved one, a colleague at work, or a cousin you haven’t seen since last Christmas? Here’s my highly personal selection of gift ideas to introduce someone (or yourself, you’re allowed to indulge from time to time!) to the wonderful world of "musique actuelle."

    That good ol’ song

    It may seem a bit easy, but everyone likes a good song. That said, we don’t all have the same definition of what a good song is. And the artists in DAME’s catalog take some liberties with this format — that’s what makes things exciting. But Geneviève Letarte’s Chansons d’un jour will please anyone looking for songs with intelligent, accessible melodies and poetic lyrics. The soft melancholy of Chants des adieux, chants de la solitude will profoundly move dreamers in search of a different voice (Lou Babin’s, irresistible).

    You don’t understand French? The lyrics of Jerry Snell’s album Life in the Suicide Riots will make you think hard about the world we live in. And the chugging guitar riffs of André Duchesne ’s Locomotive will catch the attention of any rock fan, even one deaf to French. Speaking of rock, the deconstructed rock of the all-female group Justine can keep you busy for a while, lyrics or no lyrics. Their first album (Suite) is a powerful mixture of progressist rock, while their second Langages fantastiques leans more toward improvised songs. If you want a taste of what songwriting avant-garde artists can come up with, try the compilation album Chante! 1985-2000, a wide and wild selection of unusual songs.

    Party time

    A time for celebrating, letting off steam, and disobedience, the party when applied to music can give way to a distortion of admitted rules. L’Orkestre des pas perdusinjects a new form of circus life into fanfare music, an infectious R ’n’ B (rhythm ’n’ brass, of course) that will refresh any parade. Its cousin Les Projectionnistes (both bands are led by Claude St-Jean) trades circus for rock and the brass section transforms from funny fanfare to frenetic funk. Taking a different approach, the Fanfare Pourpour leaves the official parade attire behind to favor the spontaneity of a street fanfare. It’s music for "everyone" (Tout le monde, the title of their first album) without dropping to the lowest common denominator.

    In a similar spirit, but adding an East-European flavor and an incredible dose of energy is the group Interférence Sardines, which features two members of the neo-trad group Les Batinses. Jean Derome et les Dangereux Zhoms walks a jazzier road, but its frivolous side easily becomes delightfully exuberant. The group’s three albums are all highly recommended, but Carnets de voyage remains an excellent place to start. And I find the same spirit of excessiveness and raw emotion in La boulezaille (Pierre Langevin and Pierre Tanguay) and Plinc! Plonc! (Jean Derome and Pierre Tanguay), two albums where world music, jazz and free improvisation collide.

    And to boldly go where few have gone before

    Maybe you would like to go further and hook someone on a kind of "musique actuelle" that is more daring and abstract. Here are a few key albums from DAME’s catalogue in improvised and electronic music.

    Martin Tétreault is one of the most fascinating experimental artists right now. His technique at the turntable spins 45 questions per minute. His recent album with Diane Labrosse, Parasites, puts disquieting quiet sounds under the microscope. And Studio — Analogique — Numérique, his fresh collaboration with the Japanese mastermind Yoshihide Otomo, proposes cutting-edge sonic research in very original packaging: a box set of three 3" CDs.

    A pillar of the avant-garde music scene since the early ‘70s, Fred Frith remains the favorite of many connoisseurs. The two albums by the Fred Frith Guitar Quartet (with René Lussier, Nick Didkovsky and Mark Stewart) are essential listens. DAME also distributes the titles released by Frith’s own Fred Records.

    One of the first groups from the DAME stables to have explored electroacoustic improvisation, the Klaxon Gueule trio revels in noisy textures and demanding pleasures. Their last two albums Muets and Grain met critical acclaim. And I also want to mention the Ohmix compilation album, a daring electronic project where select artists (including Martin Tétreault, David Kristian, John Oswald, Terre Thaemlitz, and Ralf Wehowsky) remix the albums of the label Avatar.

    Finally, instead of sending out the usual Christmas cards, consider the sound post cards produced by the label Ouïe-Dire. These are regular post cards accompanied by 3" CDs from French experimental artists. And happy Holidays!

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    31 October 2003
    By Geeta in The Original Soundtrack (USA), October 31, 2003

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    “… the flinching they provoked in me when they smashed an expensive tone arm into a virgin piece of vinyl was perhaps part of the point.”

    […] I swung by Tonic and saw Otomo Yoshihide play a turntable-noize set with Martin Tétreault. They sat on stage making a furious din with their mangled Technics decks, while the assembled crowd sat in chairs, watching them quietly and utterly RESPECTFULLY, sometimes speaking to each other in awed hushed tones between sets. That is what unnerves me, I think, about improvised music in that sort of venue, and is why I prefer to get my noise fix from going to Lightning Bolt shows. You’d think with that kind of extremely ugly and powerful music — and I really like a lot of Otomo Yoshihide’s work — you’d be pushed by it into the physical realm, to dance or at least move, but not just sit there. I couldn’t bear sitting down so I stood up, drinking beer and fidgeting while watching them spin warped records, scraping tone arms into grooves under extreme amplification. After the set I went up and looked at their setup; the tone arms had been cut and gouged and taped up with springs hanging out, the 45s used for the performance had titles like ’Lesson #29’. When I looked at the wrecked decks I couldn’t help but feel like it was a waste to ’adjust’ a table like that, even for a noise project; I’d been so conditioned by a lifetime of loving record players and fixing broken garage-sale ones to treat them with care and calibrate them precisely, so to see expensive Technics 1200s with their guts hanging out seemed, well, so decadent, and shocked me in a way that seeing a wrecked guitar wouldn’t. (I remember reading an interview with Kraftwerk from the late 70s where they bemoaned people who smashed guitars, talking about how long it had taken them to save for Hohner amps and how they couldn’t comprehend smashing up their own gear.) I think another reason why I feel this way about tables is that in DJing, you’re often interested in smoothness, perfection, a continuous mix, getting things beatmatched exactly. (in other words, a lot of work in an attempt to make everything look effortless!) Even in scratching, perfection is key; there’s good scratching and bad scratching, and in hip-hop you still have to stay within the bounds of rhythm. But seeing the brutalized Technics being forced to vomit up horrible noise made me realize that they’d made the record players their own, that they were, after all, just machines to be used by people, not people to be used by machines, and that the flinching they provoked in me when they smashed an expensive tone arm into a virgin piece of vinyl was perhaps part of the point.

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    23 October 2003
    By Mike Chamberlain in Hour (Québec), October 23, 2003

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    Tétreault’s approach has been influential…”

    Martin Tétreault liked elementary school. A lot. Which might be one reason why he has a fondness for using the Calliphone turntables used in schools in the ’60s and ’70s.

    The story of how Tétreault went from visual arts to turntablism is more or less well known, how he took a vinyl album, cut it in half, and glued the pieces back together backward, thus producing an instant “symphony.” This was the mid-’80s, and he knew nothing of the turntable experimentalism of people like Christian Marclay. But he was soon brought up to speed when guitarist André Duchesne, a neighbour, heard what Tétreault was up to and drew him to the attention of the Ambiances Magnétiques collective.

    Today, he answers a compliment on his considerable improvising skills rather modestly, saying, “I was lucky because I was able to develop my improvising by working with the best people in Montréal right away, people like Jean Derome, René Lussier, Diane Labrosse, Michel F Côté and Robert Marcel Lepage.”

    Tétreault’s method involves a deconstruction of the turntable and the vinyl recording, though these days he no longer uses vinyl for the music on them. “For one thing, I don’t have to worry about copyright issues anymore,” Tetreault says, half-jokingly.

    Tétreault’s approach has been influential, not least on Otomo Yoshihide, arguably Japan’s best improvising musician. When Yoshihide saw the duo of Tétreault and Labrosse at the Angelica Fest in Italy in 1997, his music took a turn in a minimalist direction. He disbanded Ground Zero, which had been at the core of his musical activity, to pursue smaller-sized projects.

    Yoshihide and Tétreault have so far recorded three albums together - two duos, Studio-Analogique-Numérique (Ambiances Magnétiques, 2003) and 21 Situations (Ambiances Magnétiques, 1999), and a trio with Philip Jeck, last year’s Invisible Architecture #1 (Audiosphere).

    In April of this year, the duo toured Europe, and Tétreault hopes that an album will come out of the recordings of the concerts.

    Yoshihide plays with two modified Technics turntables and a guitar amplifier that he uses for feedback. Tétreault uses a three-tone arm turntable with three pedal volume controls. No reverb, no delay.

    “It’s visual. When we do a move, what you see is what you hear.” But what you hear might not sound like what you expect, Tétreault explains. “It’s not electronic, it’s completely analog, but it may sound electronic.”

    “It’s a very good energy between us,” Tétreault states. “Our concerts are completely improvised. We never, during the tour, talk about music. We never discuss pacing or things like that.”

    The duo’s appearances in Quebec City (October 28, 2003) and Montréal (October 29, 2003) are the Canadian leg of a four-city tour that will go to New York and Boston the next two evenings. Because of certain travel restrictions, Tétreault will be using turntable motors, tone arms and prepared vinyl in New York and Boston. They will be his first performances in those cities. It will also be the first time that he will perform with those devices.

    A bit of a risk, no? “These days, I like to take more risks. If I find I can make a new sound, I don’t explore it, I just try it out in a concert.”

    For Tétreault, his deconstructive experimentalism takes him back to his school days. “The turntable is usually only treated as a passive object, but there are a lot of hidden sounds it makes as an object. The sounds in the turntables were always there in the classroom.”

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    1 September 2003
    By Phil Zampino in The Squid’s Ear (USA), September 1, 2003

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    “The sheer feedback, interbeats and thunderous sounds threatened to change the listener’s body chemistry, a satisfying and jarring experience.”

    The state of turntablism has undergone rapid transformation over the last decade or so. No longer content with manipulating vinyl in unexpected ways, some artists have now turned on the tables themselves, utilizing every inch of the case, platter, motor, tone arm and stylus of the venerable record player.

    Martin Tétreault, part of Montréal’s Ambiances Magnétiques collective, is one such artist. He began this evening with a solo turntable set. Looking something like an impish scientist he sat pensively behind his mixer and two turntables, if turntables you can call them. In fact, one was simply a spinning platter raised high on the table, a piece of rotating metal with a disembodied stylus and tone arm that he used to probe various items at hand. His other turntable was a standard Technics, although Tétreault often eschewed vinyl in preference to metal plates, and he often used open RCA cables in deference to the stylus to generate rumbly, sparking and oddly explosive sounds. He ended one piece by throwing a 7" record onto a pile of objects he had built up on his stylus, eliciting audience laughter, though his more frequent slamming of the tone arm would cause a serious vinyl addict to cringe in horror. At times his approach seemed chaotic or even spastic, while at other times he built revolving grooves that were glitchy and intense. It’s difficult to call Tétreault a DJ in this context, but as a turntablist he sees many unexpected possibilities.

    It was clear from the two Technics decks on Yoshihide’s table that he would focus on the turntables, so it came as a bit of surprise that Yoshihide played much of his solo set on guitar, playing through a blond Marshall amp. His playing was drenched in feedback, starting with a buzzy intro that crescendoed into a ringing harmonic pallette, growling and angry. His playing was urgent, piercing, and vicious, a dirty blues with strong tremolo. Out of this slowly emerged the strains of Ornette Coleman’s ”Lonely Woman,” drifting in the feedback, a languorous rendering of the song. This slowly receded as Yoshihide began applying clips and various tools to his strings to effect, generating blocks of feedback and rich tones that rung and dropped under his thoughtful control. Yoshihide then turned to the tables to complete his solo set. He began by slamming on a disc, generating strong feedback, shaking the decks and probing at his discs to create long looping harmonic grooves punctuated with sudden collisions, unlikely beats and internote interference. The set ended with something sounding like an alien death ray, a fitting end to a charged set.

    After an intermission the players returned as a duo, with both players at their turntables. The similarities in style were as striking as the contrasts: both used their styli as a probe, striking at objects that occasionally included vinyl records, but also included metal plates, cymbals, and seemingly anything loose and nearby. Yoshihide had springs mounted on his styli to force them into repetetive grooves. Tétreault picked up a vinyl record and scratched at it with a free stylus as though it were a guitar. Both developed long grooves over which they busily worked, but generally Yoshihide tended towards more patient development of sounds relying often on delays, including an extended interaction with the package from a battery against his tone arm, making a wailing melodic cry. Meanwhile Tétreault jumped between sound sources in percussive and disruptive ways. As the set developed both settled into grooves, and the point of applying their approaches to turntables as opposed to any other solid object became apparent, as the rhythmic, cycling nature of their sound became more obvious. Dueling airplanes, industrial washing machines, droning noise with the beating of construction nightmares married and exploded, the factory gone haywire under the hands of these two noise pilots. The sheer feedback, interbeats and thunderous sounds threatened to change the listener’s body chemistry, a satisfying and jarring experience.

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    1 August 2003
    By Schepper in Grooves #11 (USA), August 1, 2003

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    “Electroacoustic sets were offered by the nuanced Coin Gutter and sampling artist Diane Labrosse and Aimé Dontigny, whose collaboration resulted in a tactile, improvisatory dialogue.”

    As in previous years, the range of artists and genres represented at MUTEK 2003 was considerable. With over 70 artists from around the world appearing, one had the opportunity to see ‘marquee’ acts like Pole, Coil, and Richie Hawtin, as well as uncompromising artists like Pita, Kevin Drumm, and T. Raumschmiere. Unlike past MUTEKs, DJ sets were almost entirely absent at this year’s festival (although, for the record, past DJ sets had often been used to bridge the gaps between non-DJ performances). And, in comparison to last year’s ambitious potpourri of concerts, panel discussions, films, and design displays, the 2003 incarnation limited itself to concerts and panel discussions, with seven of the latter. In short, this year felt like a satisfying consolidation of past festivals’ strengths instead of grandiose risk-taking.

    There were label showcases by Mego, No Type, and Minus/Plus 8, and sets of dubby microhouse from EGG (Julien Roy and Guillaume Coutu-Dumont), smooth minimal techhouse from Robin Judge and Jeff Milligan (aka Algorithm and Revolver label head), hard-hitting minimal techno by Ototo (Dimitri and Filip), Jeremy Caulfield, and Matthew Dear (aka False), the latter’s music evoking classic Chain Reaction stylings in its treble and bass detailing. Drone and ambient musics were presented, the most notable instance being the appearance by Thomas Köner and Asmus Tietchens (performing as Kontakt Der Jünglinge) who sculpted a slowly unfurling glacial soundscape. Other artists in this genre included Gary Joynes (aka Clinker), who built a singular drone-like piece of slowly metamorphosing waves, and [sic] (Jen Morris), who created ghostly dronescapes against a diptych backdrop of enigmatic photographs. Electroacoustic sets were offered by the nuanced Coin Gutter (Graeme Scott and Michael Hendrix) and sampling artist Diane Labrosse and Aimé Dontigny, whose collaboration resulted in a tactile, improvisatory dialogue. Set Fire to Flames’ member Christof Migone generated a 45-minute stream of body-generated scraping and whirring sounds accompanied by a video triptych that showed a gaping mouth at left, what appeared in the middle to be a tomato encased within a block of ice lodged within a salivating mouth, and, at right, the nighttime silhouette of a cityscape and bridge. There were infectious jazz-inflected funkhouse from Cobblestone Jazz and celebratory Latin techhouse by Mambotur. Chicago-based Telefon Tel Aviv (Joshua Eustis and Charles Cooper) presented a heavy microdub funk of chiming synths and massive bass drum and snare patterns. But, overall, the most memorable performances were turned in by veterans like Pole, Coil, Richie Hawtin, Monolake, and Señor Coconut.

    In a Saturday afternoon performance that paid tribute to turntable pioneer Raymond Gervais, four turntable titans — Philip Jeck, Marina Rosenfeld, Martin Tétreault, and Martin Ng — provided an hypnotic set that included extended group collaboration as well as individual spotlights. Ostensibly, the proceedings were directed by Tétreault but his was certainly a benign dictatorship; if anything, the pieces often evolved with the others responding to Jeck’s looping grounds. They began by constructing a beautifully measured collage of scraping and scratching sounds amidst ghostly strains of melody. Immediately following this auspicious beginning, they created an equally effective second piece of whistling tones and bell-like percussion effects. While the concert predominantly featured the four playing together, there were brief duos, trios, and solos. Naturally, as is to be expected in an improvisatory setting, some tentative moments emerged when it seemed as if each of the four was waiting for someone to take the lead, but these registered as not unwelcome moments of brief stillness. Each took solo turns: Jeck, using two turntables, one for 12 inch lps and the other for 45s, drowned the sitar from Stoked in showers of surface noise; Rosenfeld’s solo offered a turntable adagio of sorts filled with treble glissandoes, looped crackling patterns, and phantom melodies; Tétreault’s initial musical quotation was gradually buried under huge slabs of static and hiss, his turn ending with furious scratching and a physical attack on his lps; finally, Ng’s solo impressed less as an exercise in musicality and more as one of physical athleticism. To close, the four collaborated upon a carefully sculpted elegiac piece. In sum, this session was engrossing and nuanced—a demonstration of sensitive listening and collaboration by its participants.

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    1 July 2002
    By Anne Hilde Neset in The Wire #221 (UK), July 1, 2002

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    “Curated and conducted by Québécois sound/installation artist Tétreault, Turntable Hell assembled eight musicians into a turntable orchestra”

    “We are the Cartridge Family!” exclaimed an enthusiastic Martin Tétreault to a hall filled to the rafters with vinyl devotees. In the wake of Christian Marclay and Invisibl Skratch Piklz, it has become commoaly accepted that turntables are instruments for generating music as well as the hi-fi connoisseur’s playback machine of choice. Yet tonight’s concert, organised by the Contemporary Music Network, was the first experimental turntable meeting to hit London on a large scale. Curated and conducted by Québécois sound/installation artist Tétreault, Turntable Hell assembled eight musicians into a turntable orchestra: vinyl wrecker Paul Hood, Improv drummer and LMC stalwart Steve Noble, muiti-instrumentalist and general non-conformist Lepke B, composer, installation artist and Sheer Frost Orchestra ringleader Marina Rosenfeld, triphonic turntable inventor Janek Schaefer, Sydney based electronic artist Martin Ng, and, last but not least, Otomo Yoshihide, noise maestro and turntable thrasher par excellence.

    Expecting to see a series of solo sets with the possibility of a jam at the end, it was surprising to be confronted with a stage full of turntable tinkerers hunched over their tools. The first half was taken up with a single, loosely held together abstract piece. Starting as a drone of vinylderived whirrs and hums, it eventually peaked into a scratch frenzy before relapsing into near silence. The second half featured a series of shorter pieces, each directed by a single performer who would cue in the other musicians according to the piece’s requirements, thus enforcing more of a group dynamic. Tetréault’s Pass The Loop was like a game of Chinese whispers: as the loops passed through different performer’s hands, they developed into a cacophonous murmur of spinning vinyl. Rosenfeld’s bouncy and frenetic Evil Twin was the soundtrack for Tom & Jerry in hell. Traces of original music from the source vinyl occasionally bubbled to the surface, like repressed children out to create mayhem before the sound controller’s strict regiment brought them back down to a melancholy purr.

    In contrast to laptops or electronic boxes, where the source of their multylayered output is difflcult to identify, the simple, unadorned turntable renders the sound source transparent for the audience, especially when cameras are positioned above each turntable as they were tonight. Multimedia artist Ben Drew controlled these real-time visuals, fading between close-ups of performers’ actions and more abstract imagery. The constant broadcast of the musicians’ hand movements made for a literal experience, shifting the emphasis from the poetic to the mechanics of the performance. An orchestra consisting only of one (relatively unusual) type of instrument tends to underline its novelty value rather than the music it produces. Much like the Pure release The End Of Vinyl (Mego), which consists of runout grooves of various vinyl records, the production method and sound source threaten to become more important than the music itself.

    By the end of the show, the stage looked like a radio theatre studio filled with engineers rustling around feverishly for the appropriate noise: bneathing into microphones, cartndges drumming on the turning plate, bowing vinyl. Even so, the music stayed on the polite side. After an evening of scratching, it was left to Otomo to ease the audience’s itch with a surge of raw noise. Breaking ranks with the politely seated performers and audience, he plunged the night into chaos. Holding the turntable against his waist like a guitar, he shook the turntable arm like a whammy bar in a desperate hunt for crushing feedback, before smashing down his instrument and slapping his handshell suitcase or top of it as he left the stage. It was a refreshing gesture at the end of a night dominated by too much well tempered turntable, with too little roon for the individual, energetic, Tourette-like outbursts that make improv such a spontaneous and exhilarating music.

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    15 June 2002
    By François Couture in All-Music Guide (USA), June 15, 2002

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    “… what he lost in sense of humor, he gained in harsh intensity.”

    In the late ’80s and early ’90s, Martin Tétreault was the quietest member of Ambiances Magnétiques, Montréal’s influential new music collective. He was providing strange turntable collages to the projects of his colleagues and released a couple of mind-boggling solo albums. When minimal techno and experimental electronica hit the museums at the turn of the millennium, he became the label’s biggest international name, multiplying collaborations with the likes of Otomo Yoshihide, Kevin Drumm, Xavier Charles, and Janek Schaefer. This career boom was accompanied by a stylistic shift from vinyl quotation to an approach of the turntable as a “pure” sonic device. In the process, what he lost in sense of humor, he gained in harsh intensity.

    Tétreault has a background in fine arts. Much like the Czech radical artist Milan Knizak, he began to work with vinyl because paper led him to a dead-end. In 1984, for the first time he took an LP, cut it in half, flipped one piece over, pasted it back together, and played the result on a turntable. Tétreault continued to experiment at home, developing cutting and skipping techniques and collecting hundreds of cheap records he found at fleamarkets. Three or four years later, his next-door neighbor overheard his shenanigans. It was Ambiances Magnétiques guitarist André Duchesne, who quickly introduced Tétreault to his group of musician friends. Michel F Côté enrolled him in his ensemble Bruire. The turntablist’s first appearance on record can be found on the 1989 LP Le Bbarman a tort de sourire. He remained with the group throughout the 1990s and beyond. He also played with René Lussier, Jean Derome, and Diane Labrosse.

    His first large-scale album, Des pas et des mois, came out in 1990. Then, besides the occasional Bruire album, Tétreault kept a rather low profile. Things changed in 1997-1998 when he began to let go of quotation and cut-ups to develop a more textural style that eventually saw him throw away the record to play the turntable itself, sticking the tone-arm in the motor, placing the needle directly on the platter, etc. These new developments were at the heart of his duo with René Lussier, introduced by the highly abstract and noisy Dur noyau dur in 1998. A participation to the Japanese project Four Focuses opened doors; so did a subsequent duo session with Yoshihide (21 Situations, 1999) and a solo CD for the Belgian label Audiophile (La nuit où j’ai dit non, 1998). By then, the turntable had become a trendy instrument of avant-garde expression and Tétreault embarked on a busy touring and recording schedule. In 2002, he curated the “Turntable Hell” tour (in England) financed by the Contemporary Music Network.

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    1 June 2002
    By François Couture in All-Music Guide (USA), June 1, 2002

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    “This cassette must be Martin Tétreault’s rarest album! Let’s just say this cassette presents Tétreault at his most irreverant.”

    This cassette must be Martin Tétreault’s rarest album. It came out in 1992, in Ambiances Magnétiques’ short-lived series “Archives Magnétiques,” in a limited edition of 250 copies. At the time the turntable wizard was still widely unknown outside the province of Quebec and had only one album to his credit (Des pas et des mois, 1990). In two continuous suites of 20 minutes each, Tétreault rummages through his record collection to find the weirdest pieces of pressed petroleum. Citations, strange confrontations, and medium destruction come together for pure enjoyment of the ears. In 1992, Tétreault had not yet pushed his art below the record to work in the turntable’s insides, but he was cutting up records to paste unrelated pieces together and using creative skipping techniques. In Snipettes, the cast of the original TV series Star Trek (Spock: “I have never heard anything quite like it”), a Time-Life collection on the space race, a muzak rendition of “South of the Border” and various records of classical and electronic music (including the infamous Perrey & Kingsley trilogy) form a twisted narrative. In “Morceaux Choisis” excerpts from self-help records (psychology, relaxation and such) provide a loose structure for noise-based improvisations and a feature for glued LPs. The narrative contents of this piece will be lost on English-speaking listeners, but the English samples and the type of humor found in Snipettes can appeal to a wider audience (even the non-experimental type). Let’s just say this cassette presents Tétreault at his most irreverant.

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    25 April 2002
    By Réjean Beaucage in Voir (Québec), April 25, 2002

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    “… une densité impressionnante.”

    Drôle d’objet que celui-là. Un boîtier démesuré («super jewel box») qui ne contient qu’un disque compact et aucun livret d’information. Sur le disque, une seule pièce, de 27 minutes, mais d’une densité impressionnante. On a affaire ici à trois platinistes bien différents: Philip Jeck se sert de citations en boucle ou avec variations de vitesse; Martin Tétreault n’utilise pas de disques, mais toute les ressources du pick-up sont mises à contribution; et Otomo Yoshihide recourt à différents appareillages électroniques aux bruitages variés. Il est surprenant de penser qu’il s’agit d’une improvisation tant la construction et les échanges sont clairs.

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    1 April 2002
    By Jerome Maunsell in The Wire (UK), April 1, 2002

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    “… three turntablist masters join forces on this extraordinarily assured and coherent 27 minute live improvisation…”

    Converging on Brussels from the UK, Japan and Canada, three turntablist masters join forces on this extraordinarily assured and coherent 27 minute live improvisation, recorded in July 2000. The most immediately strange thing about it is how rarely you hear the sound of vinyl and needles. Indeed, much of it is closer in spirit to contemporary electronica and laptop improvisation. Some harsh reminders of where these noises are sourced do crop up in the form of intermittent scratching and varispeed textures, but these few are so rigorously controlled that they come as quite a jolt. The array of loops and sounds on offer here makes you want to chuck out your computer and invest in a battered old Dansette - or, as Philip Jeck once famously did, 180 of them.

    Judging from their differing approaches to deck manipulation, presumably Jeck supplies the many queasy loops that form the bedrock to Invisible Architecture: a whole series of shifting textures and grainy landscapes.The signature moves of Martin Tétreault and Otomo Yoshihide, meanwhile, are ever-evolving. In recent years, they have both gone beyond using turntables as a hands-on, primitive form of sampler for jagged musical quotation, and have fashioned a purer approach. Delving into the guts of their instruments, using everything from prepared records to the whir and hum of the belt drive, they have unearthed a whole heap of fresh sonic material. While virtuoso HipHop DJs take sonic collage, jumpcuts and dexterity to new heights, Jeck, Yoshihide and Tétreault are forming a divergent, original aesthetic.

    Filmic, speckled Ambient washes open the piece, redolent of hazy childhood afternoons and cinefilms a la Boards Of Canada. Analogue oscillations pierce through, along with something like the squeaking of boats rubbing against a quay. With an organic, swelling pace, we then charge through percussive thumps and match fizes, insectile swarms, roughly chugging trains, delayed vocal snippets, bouts of machine noise, rusty guitar licks, squealing drones, pastoral flutes, belching feedback and the occasional spasm of sped-up vinyl. Gregorian chants over a whole blast of varispeed noise form a climax, before things end on an uneasy note with interrupted orchestral stabs punctuating an increasingly disturbing silence.

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    1 November 2001
    By Serge Roy in Convergence #2:3 (Québec), November 1, 2001

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    “… où que tu sois, tu es entourée de bruits, il y a toujours quelque chose qui te ramène là, tes toujours dedans.”

    Martin Tétreault et i8u se sont croisés il y a quelques mois lors d’une soirée organisée par Francisco López au Silophone. Poursuivant leur carrière respective, les deux bruiteurs-musiciens-compositeurs comptent bien unir leur talent sur scène et sur disque. Nous les avons rencontré à Mutek 2001. C’était leur première vraie prestation en duo.

    D’abord formé en arts plastiques, Martin Tétreault s’est découvert une passion pour les tourne-disques en 1984 en s’amusant à casser des disques vinyles en deux, à les rescotcher l’envers et les faire jouer sur son pick-up. Bruiteur, manipulateur de tourne-disques et compositeur, Martin Tétreault est associé au courant de musique improvisée, de musique actuelle montréalaise et plus particulièrement au collectif Ambiances Magnétiques. Il a accompagné, en spectacle et sur disques, plusieurs autres artistes de ce collectif: Michel F Côté, Joane Hétu, Diane Labrosse… Ces dernières années, il a entrepris une carrière solo, qui l’a amenée dans plusieurs festivals de part et d’autre de l’Atlantique.

    i8u a suivi un parcours plus traditionnel. Ayant d’abord reçu une formation en musique classique, elle s’est ensuite tournée vers la musique blues, voie qu’elle aurait sans doute poursuivie si le hasard n’eut pas mis David Kristian sur son chemin. Curieuse de nature, elle s’est lancée dans la musique électronique sur l’invitation de David Kristian, comme ça, juste pour voir… «J’ai réalisé que c’était une musique qui était très naturelle pour moi. Ce changement très drastique pour moi a marqué une sorte de coupure radicale. Il a fallu que j’entreprenne tout un cheminement, que je désapprenne ce que j’avais acquis en musique traditionnelle (structure musicale, mélodie, rythmes…) pour approcher cette nouvelle musique sans idées préconçues.»

    Les deux artistes ont un point en commun: ils créent de la musique électronique à partir de diverses sources analogiques et numériques qu’ils échantillonnent, tripatouillent, remodèlent. Martin ne sort jamais sans son tourne-disques, mais ne trimbale presque jamais de disques. «Ces temps-ci, racontent-il, j’utilise beaucoup ce vieux tourne disques auquel j’ai rajouté deux bras de lecture pour que ça soit plus dynamique et qu’il y ait encore plus de possibilités sonores. Tous les sons sont générés par le moteur. Les bruits viennent du moteur, de l’intérieur de l’appareil. C’est un travail au niveau de l’électricité comme tel, des buzz électriques. Les sources issues de ce matériel sont branchées à un vieux synthétiseur Rolland, ce qui me permet de moduler les différentes entrées audio. Avec des pédales de volume, de distorsion et de délai, je contrôle le tout sans nécessairement devoir passer par la console.» La musique de Martin est donc plus «électrique», qu’«électronique», du fait qu’il utilise des sources analogiques, qu’il gonfle les fréquences, amplifie le ground, les mauvaises prises à la terre. Il produit et traite les bruits parasitaires que les musiciens traditionnels s’évertuent à éliminer.

    Elle, en concert, trimballe notamment un synthetiseur Emu Morpheus, un synthétiseur Korg ES-1, et un lecteur de mini-disques sur lequel elle a préenregistré des sons qu’elle traite ensuite en direct. Elle fabrique et échantillonne des sons provenant de diverses sources, obtenus directement de l’ordinateur. «Je fais une espèce de jam avec l’ordinateur, j’enregistre ça et selon ce que Martin me fait jouer durant notre set, j’introduis mon matériel. Je passe le plus clair de mon temps à programmer des sons, à trouver de nouvelles manières de les fignoler.»

    Sur scène, le duo laisse une grande place à l’improvisation. «En répétition et à force de jouer ensemble, on a délimité la palette de sons de chacun et fixé la gamme à partir de laquelle on veut travailler, explique Martin. Après, ça devient trés mécanique; on réarrange différemment ces sons-là, qui évoluent, selon l’esthétique sonore qu’on a choisi.» L’ambiance du moment influence bien évidemment la prestation. «L’envoûtement que le public peut avoir lors de la performance, c’est important pour nous, explique i8u. Il faut impliquer l’audience dans le processus et non pas se contenter d’être l’artiste qui présente devant les gens qui écoutent. On recherche cette interaction, ça nous alimente.» À Mutek, incidemment, les artistes semblaient très préoccupés par la configuration de la salle. Contrairement à la plupart des autres concerts du festival, ils étaient installés derrière la salle, devant les techniciens de son.

    «La musique qu’on fait, commente Martin, découle la plupart du temps du mouvement de la musique improvisée, mais elle n’est pas créée avec les mêmes outils, à savoir un ordinateur portatif et des logiciels. Le résultat sonore peut donc sembler différent de ce qu’on entend à Mutek (et lors d’autres festivals de musique dite électronique). Dans le fond, le projet qu’on fait ensemble pourrait aussi bien avoir lieu au Festival de musique actuelle de Victo. Le fait qu’il se soit retrouvé dans la programmation de Mutek prouve que finalement il y a des ponts entre ces différents créneaux.»

    Tant mieux pour les deux artistes si les occasions et lieux de diffusion de leur musique se multiplient. Car au demeurant, le quotidien n’est pas toujours facile pour ces deux-là qui préfèrent l’expérimental au commercial. «On ne fait pas du pop, on est loin de la musique commerciale, de Britrey Spears et compagnie, dit i8u. Créer de la musique, c’est une mentalité, ça devient un mode de vie. Tu deviens tellement obsédé par ton travail; où que tu sois, tu es entourée de bruits, il y a toujours quelque chose qui te ramène là, tes toujours dedans. Ça m’est peut-être personnel, mais je suis connectée 24 heures sur 24.»

    Martin, lui, a la chance d’avoir un grand réseau de collaborateurs et de jouer plus souvent. Il travaille régulièrement comme musicien invité, ici et en Europe, «Pour l’instant, je fais souvent des allers-retours en Europe pour jouer dans différents festivals, en solo ou en duo avec d’autres musiciens de partout dans le monde; des Français, des Japonais, des Belges… Si je n’avais pas de tournée en Europe, et si on ne faisait pas appel à moi ici pour de la musique de film, de théâtre ou de danse, je ne pourrais pas vivre de mon métier.»

    i8u et Martin Tétreault n’ont pas officiellement formé un duo, mais le plaisir qu’ils ont à jouer ensemble les amènera surement vers d’autres collaborations. D’ici là et en attendant leur prochaine sortie, les amateurs du genre peuvent commander les albums solos des deux artistes sur le site d’i8u et d’Amblances Magnétiques. Pour découvrir la résonance des deux univers, il faut se procurer une pièce rare: un album artisanal enregistré par les deux artistes lors d’un atelier de travail les 11 et 12 janvier.

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    1 April 2001
    By Jérôme Langlais in Fear Drop #7 (France), April 1, 2001

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    “on jurerait parfois d’un travail électroacoustique d’exception.”

    Improvisateurs québécois astucieux, Lussier et Tétreault — respectivement guitariste et platiniste — n’en sont pas à leur première collaboration et officient depuis de longues années au sein du collectif Ambiances magnétiques. Issues de sessions prises live en 97, ces pièces dures évoquent une rencontre totalement libre et saccadée des cordes et de (souvent courtes) séquences sonores issues des platines et radios de Tétreault. Lussier utilise tous les détails de ses instruments, du grattage ludique au récurage nerveux tandis que Tétreault pique son interlocuteur d’assauts fourbes (la fausse politesse dans Enrayure) et racleurs qui provoquent des demangeaisons dans le conduit auditif. Les accalmies arrivent à point nomme pour souffer un peu (le gris et bien nomme Sépulture) avant les nouveaux craquements, les nouvelles nodosités et un final dissonant. Si l’on n’avait conscience du tout joue sans fioritures de ces 21 morsures, on jurerait parfois (surtout sur la partie Prise de terre) d’un travail électroacoustique d’exception. Tous les mots choisis dans le livret définissent parfaitement ce disque en Ure. Lire l’excellente interview de Tétreault dans Revue & Corrigée n40

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    1 October 2000
    By Luc Bouquet in Écouter voir #106 (France), October 1, 2000

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    Labrosse, Diane, Tétreault, Martin: Le Mystère magnétique

    Experte en échantillonnage de sons bruts et pénétrants, Diane Labrosse aime à détourner la masse sonore pour en extraire l’inattendu (Face cachée des choses / AM 036). Compositrice instantanée, improvisatrice de l’instant, elle n’a de cesse d’explorer toutes les techniques électroacoustiques existantes dans une ode à la bizarrerie avouce (Île Bizarre / AM 055). Aimant à explorer la face cachée des choses, cette accordéoniste, chanteuses et adepte de l’échantillonnage libre signe de nombreuses musiques de films (Montréal vu par, L’entrevue, Les décrocheurs d’étoiles), travaille pour le théâtre (38 contes shakespeuriens), collabore avec la chorégraphe Catherine Tardif et et obtient en 1997 une bourse du Conseil des arts du Canada en vue de l’écriture d’une pièce pour treize instruments commandée par les Espaces Sonores Illimités. Martin Tétreault aime à utiliser des disques coupés ou recollés sur ses platines tourne-disques. Comme Otomo Yoshihide, autre grand incontournable du vinyle détourné, le sociétaire d’Ambiances Magnétiques agence les sons et fait œuvre d’archivage en épinglant la voix de Maria Callas (La diva et le vinyle / AM 059) ou en faisant se rencontrer science fiction et cartoons (21 situations / AM 69).

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    17 February 2000
    By Alain Brunet in La Presse (Québec), February 17, 2000

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    En première partie de Joane Hétu, d’autres musiques d’hiver. On patine sur les platines: le DJ attitré de notre «musique actuelle», coloriste, bruitiste et abstrait, tentera de nouvelles hybridations en joignant ses aiguilles à celles de DJ Pocket, d’allégeance hip-hop, ainsi qu’à celles de DJ Mutante (un garçon, soit dit en passant) qui fait dans la techno hardcore.

    «J’étais un peu tanné du travail abstrait auquel je suis confiné dans le monde de la musique actuelle, confie Tétreault. J’avais envie d’ouvrir sur d’autres mondes, ce que j’ai fait avec ces DJ il y a quelques mois. On a eu tellement de fun qu’on a voulu répéter l’expérience. Il faut quand même dire que Mutante et Pocket sont des déviants dans leurs genres respectifs.» Le contraire nous eut surpris…

    «Chacun s’adapte au jeu de l’autre sans pour autant négliger son propre langage, explique en outre le DJ. On doit suivre les consignes d’un canevas d’intervention mais on peut provoquer des chose. On sait comment ça commence et comment ça se termine… Entre les deux, il y a toute une matière à développer. Il se peut qu’on glisse, qu’on tombe sur le cul… et qu’on se relève.»

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    9 February 2000
    By NM in Montréal Campus #10:11 (Québec), February 9, 2000

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    Trois DJs et six tables tournantes se préparent à donner un concert de sifflements, de craquements, de tempêtes et autres bruits d’hiver au milieu du Parc Lafontaine. Les 17 et 18 février, au Centre culturel Calixa-Lavallée, DJ Pocket, DJ Mutante et Martin Tétreault livreront leur «platinage de fantaisie» dans la salle d’une centaine de places. En première partie du spectacle gratuit Musiques d’hiver, leur segment alliera «des univers musicaux totalement différents», mentionne Martin Tétreault. Le «corrosif» DJ Mutante, le plus jeune des trois, est issu du milieu techno hardcore. Le «frénétique» DJ Pocket, un ancien professeur de break-dancing et adepte du beatbox humain, œuvre surtout sur la scène hip hop. «Moi, je suis le déviant, confie Martin Tétreault, actif en musique actuelle depuis une quinzaine d’années. Depuis deux ans, je fais surtout un travail de bruitiste, à partir du caractère abstrait du tourne-disque.» Il travaille, par exemple, sur les sons générés par les moteurs des tables tournantes.» Leur prestation de 30 minutes, intitulée Platinistes ou patinistes, sera une mosaïque de références à la saison froide, «une série de tableaux. semi-improvisés qu’ils répètent présentement en atelier. «Notre registre est très large, explique Martin Tétreault. Ça peut aller des sonorités de vent jusqu’aux références au hockey… de l’abstraction à la peinture à numéros.»

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    8 May 1999
    By Richard Moule in Exclaim! (Canada), May 8, 1999

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    For Montréal improviser Martin Tétreault. a turntable is a machine for literal deconstruction, rich with infinite ionic possibilities as its own source of sound. “For Île bizarre, I don’t use a lot of records.” asserts Tétreault. “Most of the sounds come from the turntahles themselves — the sound of motors, prepared needles, prepared records. It’s more ‘musique d’objet.’ More texture research than, for instance, [1998’s] Dur noyau dur with René Lussier, which was a mix of using records and using the turntable and with Japanese turntablist Otomo Yoshihide, on 21 situation, it’s mostly turntable with a little bit of sampling. Every project has its own direction.”

    He continues: “All the sound are well-kept secrets in the [turntable] because when this object is manufactured, it’s not made for this purpose. You put of using turntable for the secret sounds inside. Cartridges and needles are microphones, so it is possible to catch a lot of sound inside the object itself. And with prepared records I prepare the circular surface - put stickers on it, sound it with some sandpaper — so there are more rhythmic possibilities to make it more noisy, more lyrical. [The turntable] is more of a musical instrument because I develop its language. I can control it. It is not just to listen to a record on it.”

    Tétrtault, who adds springs to his cartridges and balloons to the tone arms will occasionally plug a guitar distortion pedal in the turntable. But no samplers. Instead he concentrates on coaxing sounds from his 20 decks - including old fashioned elementary school Califone record players — and is his collection of 3000 records. And while many of the turntables are heavily customised. Tétreault has taken to improvising in their construction and building them from scratch. His most recent creation is a turntable with two tone arms. He attributes his unorthodox approach to his background in fine arts. In fact, he insists it was purely by accident that he switched to music in 1984.

    “One day I was cutting paper in fine arts class. I was doing very minimalist stuff. One day I decide to cut on something else other than paper. I cut a record (in half). I reversed one side and put side B with side A and put a needle on it and wow, it works. So that you take a record of a sitar and record of big band and take a different side of each and glue it together and create your own orchestra only on one record. Most of the time when I go into my studio to work I think I am doing more fine art than music. For me, it is like working on a canvas.”

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    1 February 1999
    By Art Lange in The Wire #180 (UK), February 1, 1999

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    “My vote for best improv disc of the year.”

    New Music is where you find it, but for heavy electroacoustics and crosscultural blends of free improvisation and song. Montréal is presently the place to be. Turntablist Martin Tétreault works at the centre of the city’s beehive of musical activity, alongslide a bevy of inquisitive, explorative artists, such as guitarist René Lussier, saxophonist Jean Derome, vocalist/multi-intrumentalist Joane Hétu, keyboardist Diane Labrosse and percussionist Michel F Côté. A mix of studied intuition and wild experimentation, Tétreault’s hands-on approach to turntables is doubtless unlike any other you’ve heard. He collaborated tow of last year’s most engaging CDs Dur noyau dur with René Lussier (my vote for the best free Improv disc of the year) and Callas:La diva et le vinyle, a tongue-in-cheek deconstructivist homage to opera legend Maria Callas, recorded with clarinettist Robert Marcel Lepage. Tétreault didn’t come up throught the usual musical channels, wich might account for why he’s so different. As he relates in his fluent French-accented English, "I began in 1984, switching from fine art to music. To make it short, I was doing things in visual art, very minimalist stuff, cutting paper and things like that, and one day I decided to cut a record. At first it was not for music, it was only to cut something other than paper. But I put it on a turntable and thought, ’Wow, it works’ It was not something I planned, to become a musician, but just this very simple action completely changed my artistic direction. "Though he hadn’t heard any of HipHop’s pathbreaking turntablists, he immediatly jumped into the fray. A predilection for skewered stylistic juxtapositions and intensely textural, rather than rhythmical, effects asserted itself. "I was completely into New Music when I began," he says. "More recently I’ve listened to new DJ stuff like DJ Spooky, DJ Shadow— a little more commercial, but I think it’s interesting, very important for pop music. People want to introduce me to DJs that are more HipHop here in Montréal, but I know more about the work of Otomo Yoshihide, Christian Marclay, David Shea, that generation Christian Marclay and I played together in Montréal in 89, for a Broken Music exhibition. I met Otomo in that same period, I think it was 1991. He sent me tapes and asked me if I wanted to work with him. But he’s a very busy person. So last year I was in Japan to play with him and then he came to Canada and we did a tour. "

    Working with so many different musicians and in so many varied settings, at home and on the road, challenges Tétreault to invent new sounds for each context. Yet he rarely includes random radio play among his sound effects, and eschews samplers or other electronic devices. He still concentrates on vinyl LPs and the turntable machinery itself as sound sources. " I consider the turntable to be a music instrument," he asserts. "Take the electric guitar, for instance. There’s no two guitars that sound the same, and it’s the same with turntables. I have some customised turntables with modified motors and speeds and so on, and more than 3000 records in my collection. Each record is classified by musical instrument—percussion, strings, electronics. spoken words, things like that When I work with panticular records, I go and make a kind of composition—let’s try this percussion sound with these strings if it’s for an improvising concert, I will work in that way, but other times it must be more precise. For example, Jean Derome’s Hommage à Georges Perec /Je me souviens) is a composition for big band, 13 musicians playing a kind of intentionally cliched 1950s music, and every part was written out except for mine. I was the only person who was free. So I created my part at home, and put stickers on the records for visual cueing, so that it’s very controlled, and I can repeat it at exactly the same way, the same speed, every time. On another project with René Lussier and Diane Labrosse, I played with prepared records and prepared needles—no musical quotations, only surface noise from the LP and things stuck on the record to make rhythmic effects. But that’s different from what I normally do, it’s more "musique d’objet". And I just completed a new solo CD done with only parasite noise from turntables—no scratching, only the sound of motors and things like that. Every project is different, because there are a lot of possibilities, and every time I say to myself I will try to do something different than before.

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    10 December 1998
    By Nicolas Tittley in Voir (Québec), December 10, 1998

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    Quatre parutions en un an, ça méritait d’être souligné. Surtout pour un artiste aussi étrange et avant-gardiste que Martin Tétreault, ce manipulateur de tables tournantes qui utilisait la friture de vinyle comme base rythmique bien avant que le trip-hop n’en fasse une mode. Tétreault n’est pas un DJ au sens conventionnel du terme, bien que son approche s’apparente à celle de ceux qu’on appelle les «turntablists». À quelques rares exceptions (son travail sur Callas avec Lepage) près, Tétreault n’est pas un adepte de la citation musicale: ses pick-ups antiques grincent, mordent et pincent comment autant d’instruments bruitistes. Les machines et les disques sont soumis à des manipulations extremes où l’aléatoire semble tenir une place de choix, mais Tétreault est visiblement le seul maitre à bord. Sur son disque en solo, paru sur l’étiquette belge Lowlands, Tétreault a su montrer toute l’étendue de sa sensibilité et de sa vision artistique dans ce paysage sonore digne d’un film de science fiction soviétique, Tétreauit emprunte aussi bien à Pierre Henry qu’aux rythmes africains et tisse une toile musicale carrément hypnotique.

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    20 June 1998
    By Lise Bissonnette in Le Devoir (Québec), June 20, 1998

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    Les viniers et les plats de croustilles étaient vides, les chandelles s’épuisaient aussi, il fallait se résigner. La soirée Callas que la Cinémathèque de Montréal avait programmée le 9 juin serait reportée (au 26 juin que je vous conseille) pour cause de panne d’électricité dans le quartier. Le climat vaguement surréaliste des lieux se prêtait bien, toutefois, au lancement par la Phonothèque québécoise du disque Callas, la Diva et le Vinyle, tissage sonore indescriptible du clarinettiste Robert Marcel Lepage et de son compère Martin Tétreault qui se définit comme «disc jockey et instrumentiste de la platine». Pas besoin d’Hydro-Québec, ce soir-là, pour qu’il tire d’un vieil enregistrement en microsillon de Lucia di Lammermoor, en y baladant à la main l’aiguille du gramophone, une sorte de «voix d’outre-vinyle» de la Callas qui «passe à travers tout».

    Tout en demeurant fort accessibles au commun des mortels, les soirées de ce genre relèvent certes de la culture plus «pointue». Les films que la Cinémathèque vous offrira à nouveau cette semaine et que j’ai eu le privilège de visionner à la maison sont des documents de grand intérêt, mais on peut aimer l’opéra, la Callas et la musique en général sans aller aussi loin. L’un, intitulé Diva Maria, Entretien avec Werner Schroeter, consigne le témoignage du cinéaste allemand qui, au milieu d’une adolescence troublée, découvre la voix de la Callas et s’y attache au point où elle déclenche sa vocation de réalisateur et de metteur en scène d’opéras scéniques. La puissance de la rencontre a été telle, dit Werner Schroeter, qu’elle lui a «sauvé la vie». L’autre film, Écouter Callas, réunit sur un plateau sept experts qui devisent de la discothèque idéale de Callas, échangent leurs connaissances mais aussi leurs jugements sur l’évolution de sa voix, sur les moments divins et les moments ratés, qu’il lui arrivait certes de connaître aussi.

    Les deux films ont été tournés en une seule soirée dans un studio de télévision à Paris, et programmés sur la chaîne franco-allemande Arte en septembre 1997, pour le vingtième anniversaire de la mort de Maria Callas.

    Le montage, typiquement français, est plus cérébral que la conversation, souvent passionnante et où s’accumulent mille enseignements. La caméra ne connaît que deux ou trois mouvements, le cadrage est tout croche, certains invités disparaissent derrière une sorte d’écran transparent qui se veut artistique mais ne réussit qu’à être encombrant. Le pari est toutefois tenu, celui de nous amener à «écouter» Callas sans jamais la voir, à partir de disques et non de films, et en nous aidant de conversations qui portent pour l’essentiel sur sa voix plutôt que sur son troublant et fascinant personnage.

    Et de là, on peut entreprendre d’autres voyages. Sur le plateau, par exemple, on retrouve Réal La Rochelle, le président de la Phonothèque québécoise dont je vous entretenais la semaine dernière, sans doute l’expert entre tous de la discographie de Callas. Étudiant en cinéma à Paris au début des années 60, M. LaRochelle avait eu le culot de lui écrire, tout bonnement aux soins du Covent Garden de Londres, pour requérir le privilège d’assister à un de ses enregistrements en studio, d’autant qu’il lui était impossible de se procurer les billets pour ses prestations publiques. Et il s’était retrouvé quelques mois plus tard salle Wagram, à Paris, à observer son travail en Tosca, ce qui déclencha chez lui un peu comme chez Werner Schroeter une vocation Callas qui l’a mené entre autres à son doctorat et à des publications importantes dont Callas, la Diva et le Vinyle, la POPularisation de l’opéra dans l’industrie du disque, paru en 1988 chez Triptyque, titre repris en partie par le disque de Tétreault et Lepage dont il signe d’ailleurs la présentation. Et plus récemment, mouture revue et augmentée de ce premier ouvrage, les éditions Christian Bourgois ont publié de lui, à Paris, Callas, l’opéra du disque, une merveille de travail savant rédigé de façon très personnelle. Vous y découvrirez, à travers la cantatrice, l’histoire de l’industrie du disque classique durant la deuxième moitié du siècle, un monde que les ventes de la Callas continuent de dominer vingt ans après sa mort. À la différence de tant de gens de culture, Réal LaRochelle ne regarde pas de haut «l’industrie culturelle», ses calculs et ses stratégies; il nous la fait découvrir indispensable, et peuplée de passionnés de leur matière.

    Si vous habitiez en France, ce mélange d’enseignement et de divertissement de haut niveau vous aurait été accessible en direct de votre fauteuil, par les bons offices de la chaîne Arte qui, le 17 septembre dernier, mettait en ondes pas moins de quatre heures d’émissions regroupées sous le titre Thema Callas, dont certains films présentés récemment dans le cadre de notre vaillant Festival international de films sur l’art (FIFA). La «chaîne culturelle européenne», ainsi qu’elle se définit, présente actuellement à la Cinémathèque, jusqu’à la fin de juin, un échantillon de sa programmation qui ne fait pas rêver mais plutôt désespérer les affamés d’ici. Arte, on le sait, ne s’encombre pas et ne s’encombrera jamais de réclame commerciale, et ses bailleurs publics de fonds, en France et en Allemagne, ne lui font pas grief de sa minuscule part de marché. Conçue un peu comme un volet «recherche et développement» de la culture audiovisuelle, la chaîne n’a pas d’obligation de rentabilité mais en a une de qualité. Elle ne craint pas le «pointu» et a mission d’en offrir le choix au téléspectateur dont le menu habituel, derrière une apparente diversité, est surtout d’une effarante uniformité. Ainsi démontre-t-elle, depuis maintenant six ans, que la démocratisation de la culture est le contraire de sa bêtification, qu’elle signifie rendre le meilleur disponible à tous, et que petit écran peut aller loin.

    Vous aurez lu quelque part que notre Société Radio-Canada, celle qui s’enorgueillit de préférer le gouret aux livres, celle qui a mis au point le style Snyder et n’a pas connu de plus grand chagrin que son émigration à Télé-Métropole, celle qui entre en indicible jouissance devant les cotes de sa «p’tite vie», celle qui se veut la fille publique de la télévision publique, songe à se dédouaner auprès des désespérés qui l’engueulent dans tous les lieux de culture en requérant du CRTC la permission de créer en parallèle une «chaîne culturelle» analogue à Arte. Bonne nouvelle? Peut-être pas. Dans son récent ouvrage sur la décadence de la télévision publique française, Remontrance à la ménagère de moins de 50 ans (Plon, 1998), l’animateur Bernard Pivot met en garde contre cette relégation des émissions de qualité dans un ghetto dont l’existence donne bonne conscience aux chaînes généralistes, les dégage de toute exigence culturelle et laisse ainsi libre cours à leur appétit de sottises payantes. La culture, se disent-elles désormais, il y a une chaîne pour ça.

    Mais les regrets de M. Pivot, si nous pouvions un jour les éprouver, seraient un luxe. Car les dirigeants d’Arte, distinction majeure, ne sont pas les mêmes qui ont dégradé la télévision française. Ce qui nous menace, si la SRC obtient le mandat de créer un Arte canadien, c’est d’hériter d’un travesti, où la cote d’écoute continuera à tenir lieu de cerveau, car sa dictature est acceptée chez nous avec enthousiasme, conviction et fierté. L’idée derrière Arte est plutôt celle d’une rébellion continue contre les idées audio-visuelles reçues et d’une foi en l’intelligence et la curiosité des spectateurs. Il faudrait plutôt la confier, de façon autonome, à des gens capables de comprendre que quatre heures d’émissions sur Callas n’épuisent pas le sujet ni l’être humain qui les regarde, et désireux eux-mêmes d’en savoir plus. Ça se trouve, entres autres à la Cinémathèque.

    blogue@press-1763 press@1763
    1 July 1990
    By François Couture in All-Music Guide (USA), July 1, 1990

    Text

    “… Des pas et des mois remains one of Ambiances Magnétiques’ strangest, funniest and finest moments.”

    Des pas et des mois was Montréal turntablist Martin Tétreault’s first record, and still remains his most enjoyable project. This CD contains two suites, “Des Pas” (“Footsteps”) and “Des Mois” (“Months”). The first one is written and performed with guitarist René Lussier. It follows a young couple learning to dance the tango and the cha-cha-cha from records in order to participate in local competitions. The material used for these fifteen short movements mostly come from such dance instructional and self-improvement records, all in french. Tétreault applies his techniques of cut-up records and mixed storylines from different sources. Lussier brings in a handful of melodies that could have been found on his Le trésor de la langue or Le corps de l’ouvrage. Between the suites are two short pieces illustrating two of Tétreault’s key techniques: the three-in-one (three slices from different records pasted together) and the skid.

    Then comes “Des Mois,” written with drummer Michel F Côté, and also featuring Lussier and clarinetist Robert Marcel Lepage. This suite relies less heavily on humor: Côté’s complex textural arrangements bring another dimension to the music, but Tétreault’s incredibly cheesy record collection delivers a few more surprises (especially on Juin). The first suite is similar in style (with the addition of Lussier’s touch) to Tétreault’s cassette Snipettes (released after Des pas et des mois), while the second one drifts closer to the first Bruire (Michel F Côté’s project) album Le barman a tort de sourire. In any case, Des pas et des mois remains one of Ambiances Magnétiques’ strangest, funniest and finest moments.

    blogue@press-2075 press@2075

    Other texts in

    • Musicworks #104 (Canada), July 15, 2009
    • Downtown Music Gallery (USA), June 20, 2008
      “This was a most magical set that will hopefully be released in the future.”
    • The Wire #207 (UK), May 1, 2001
      “… perhaps the most distinguished figure in Montréal’s thriving Musique Actuelle scene.”