Dix ans apres l’étonnant Vous seriez un ange, l’écrivaine-performeuse-chanteuse Geneviève Letarte effectue un retour bienvenue sur disque et brasse à nouveau le cocotier de la chanson. Si elle privilégie encore un style parlé-chanté, en dix ans de performances, la voix de Letarte a cependant pns une assurance évidente, qui lui permet même d’effectuer sans gêne quelques scats. Musicalement, on nage entre blues dénudé et folk actuel, avec quelques pointes plus rythmées. Encore une fois, Letarte s’est entourée d’habitués de l’écurie Ambiances magnétiques, parmi lesquels le guitariste Claude Fradette occupe un rôle de premier plan. Les musiques, aériennes mais soutenues, servent d’écrin idéal à un langage poétique tantôt trés terre-à-terre tantôt mystique et envoûtant. 3.5/5
blogue@press-1338
press@1338
Geneviève Letarte est traversée par les mots. Toujours. Des mots qui sont mis au monde dans des romans, des performances, mais aussi des chansons. Justement. Elle lance un second album, Chansons d’un jour. Le premier, Vous seriez un ange, publié il y a 10 ans, avait titillé l’oreille par son travail musical complexe et richement tissé, et signait l’avènement d’une chanteuse hors normes et talentueuse. Madame Letarte pond son œuf quand il est prêt, sans vouloir aller plus vite que la musique. Chansons d’un jour se veut résolument un album de chansons, longuement mijotées avec Claude Fradette, guitariste et arrangeur. Une poésie limpide, doucement empreinte de nostalgie. Une nostalgie heureuse, émanant d’une fille sans regrets et forte de sa vie irradiante. Petites valses, danses légères, mots anodins qui s’épanouissent au jeu des notes déliées par Claude Frodette, à lo guitare, Normond Guilbeoult à la contrebasse, Pierre Tanguay à lo batterie et Serge Boisvert à la trompette.
blogue@press-1339
press@1339
Pour qui souhaite élargir ses frontières et briser des murs idéologiques, voici un disque idéal pour immiscer une oreille dans le monde de l’un des meilleurs représentants de la musique actuelle. Tanguay arrive à créer une foule de mondes sonores aussi diversifiés qu’originaux avec des instruments et, surtout, des objets assez hétéroclites. Imaginez ce qu’un esprit irrévérencieux comme Tanguay peut faire avec, par exemple, un balafon, des verres à vin, un derbouka, des bâtons de pluie, une «boîte à café avec un spring», une «tôle en cuivre», des grognements, un accordéon, et j’en passe! Ce qui fait le charme des compositions de Pierre Tanguay. c’est son humour. Ses œuvres possèdent toutes les marques de l’expérimentation, mais ne sont jamais prétentieuses ou ne font jamais preuve d’un intellectualisme clinique. Un immense plaisir du début à la fin.
blogue@press-1276
press@1276
Attachant, sympathique, voire émouvant, en tout cas rafraîchissant. On pourrait citer d’autres qualificatifs équivalant pour évoquer cet enregistrement. Loin d’être un album démonstratif d’un batteur percussionniste, La musique de mon disque est plutôt une sorte de parcours personnalisé d’un imaginaire plein de trouvailles, nourri d’influences diverses, où les sons environnementaux librement créés (quelquefois à partir d’objets de la vie quotidienne) se mêlent à de délicates sonorités issues d’une pratique presque nonchalante sinon discrète d’instruments variés (percussions orientales ou africaines, clochettes, bâtons de pluie, flûtes diverses, harpe brésilienne… ). Cette délicatesse dans le travail de reconstruction d’un environnement sonore témoigne surtout chez Pierre Tanguay d’une parfaite sérénité. Partagez-la!
blogue@press-1312
press@1312
Les deux premiers enregistrements ont un point commun: ils émanent de batteurs. Le premier est dû à l’ltalien Mirko Sabatini, lié au collectif organisateur du festival Angelica. Le second a été enregistré et produit par le batteur d’origine américaine, résident suisse et partenaire de Toshimaru Nakamura au sein de Repeat.
Mirko Sabatini ne limite pas en fait son propos à la simple percussion; il use aussi de divers objets, genre moteurs ou ressorts, pour mieux explorer les sonorités interactives entre sa batterie et, précisément, ces objets. En d’autres termes, son instrument ici, tient de la notion de "batterie préparée". Quelquefois déroutante par certains grincements par exemple, I’architecture de la (presque) vingtaine de pièces de ce recueil offre des images varié.blogue@press-1335
press@1335
This is a remarkable account of three improvising musicians recorded over four days in November 1997, but a much longer period of musical exchange has shaped the interaction of violinist Goldstein, percussionist Heward, and prepared guitarist Wiens. The six trio pieces and two duets by Goldstein and Wiens are improvisation in its purest form, reminiscent at times of some of the quieter editions of John Stevens’ Spontaneous Music Ensemble. Heward mentions in the notes that when "I think of and make improvised music I have images of water somewhere in and out of mind," and that will serve as ideal point of entry to this music making. It is, above all, fluid, making its own course, absorbing other materials, progressing at the rate that the terrain allows. But it is also its own terrain, with figure and ground never absolutely defined. Also elemental, it is so insistently engaged in time that it becomes effectively timeless. Like all good improvisation, it is utterly distinct, each piece and each voice necessarily itself, but it is so in such a way that all our individual descriptions must be some how similar. It’s quiet music that invites a moving point of view. Heward sounds Like he’s restricting himself to small instruments, while Wiens’ prepared guitar focuses on the minutiae of sound, so that one is often at a loss to identi fy who is making what sound, and how, at a particular moment. Part of the process of listening is to surrender that need, to wander into the music’s movement. Each player enjoys elliding tonalities, slides and glissandi and glassy rattlings that will recall the sonic world of Harry Partch. In this flux, one sometimes hears a passage in which a sound is so close and so necessary to Goldstein’s line that it is best identified not as drum or guitar, but as not-violin, the sympathy so strong that Goldstein might be playing one of his partners instruments. That blurring is especially strong around grating sounds, a metallic rubbing that often acts to rub parts together. At other times, a player will enter the discourse in such a marked way as to make you wonder how he had been previously absent. The two duets are, I think less successful than the trios, Heward too large a component for this music to surrender. The results seem suddenly, and only, binary, Goldstein becoming too markedly linear Wiens more fixed. Otherwise, this has the lulling gentleness of water, that gentleness that will erode mountains.
blogue@press-1336
press@1336