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26 February 2018
By Peter Margasak in Bandcamp daily (USA), February 26, 2018

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Corbeil-Perron crafts a dynamic series of events and elements — tiny squiggles, quasi-orchestral swells that conjure deep space, and violent sound flashes — to create an almost filmic journey.”

Montréal composer and sound artist Maxime Corbeil-Perron — who also works extensively with moving images — delivers two instinctive works on this richly nuanced album, one fully composed, the other improvised (but with a rigor that might suggest he’d written everything). Cubic is an acousmatic piece— a purely electronic work that can only be presented through loudspeakers, rather than actively performed — and it draws upon samples from old vinyl records as raw sound objects, although he lassoed surface noise rather than actual music, and while it embraces techno roots, this work eschews any easy stylistic tag. Corbeil-Perron crafts a dynamic series of events and elements — tiny squiggles, quasi-orchestral swells that conjure deep space, and violent sound flashes — to create an almost filmic journey. The seven movements of Polychrome were improvised during a residency at Signal Culture in Oswego, New York, and it’s tough to determine the provenance of the fast-moving vignettes with a more austere design than the opening piece, but they’re no less exciting and physical.

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24 February 2018
in Avant Scena, February 24, 2018

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“This wide range of acoustic and electronics, different playing techniques, manners, sounds and moods, masterful and creative improvising and playing, bright, organic, effective and innovative musical language bring original and interesting sound of this album.”

The compositions by this ensemble are the free improvisations — free structures, wide range of playing expressions, scales, patterns, harmonies and instrumentation decisions, are masterfully used and combined in one place. each musician has original playing style — creative improvising, free and spontaneous solos, sudden stylistic twists and turns, wide range of different expressions and moods — all these elements form the main basic of each musicians improvising. the improvisations of each musician are full of masterful styles combinations, virtuosic solos, emotional and expressive free improvisations, harsh, sharp and specific electronic music sounds and other elements. musicians masterfully combine together their own and unique sound and get all the different melodies together in one place.

This album music is based on free improvisation. Various acoustic instruments and electronics are gently combined together in one place. The sound of this album is dynamic and variable — free and spontaneous collective improvisations are based on many different music styles and expressions, have rich and bright musical language. The synthesis between acoustic and electronic and electro-acoustic instruments form the big contrast between different episodes. Soft, warm and expressive clarinet, saxophones, bass clarinet and flute solos, emotional and passionate strings (viola, double bass), dynamic harp melodies, memorable and energetic percussion sounds — all these elements form the rich, independent and solid basic ogf acoustic instruments. The wide range of different playing techniques are used here — from traditional and very well-known playing techniques to experimental and innovative ways of playing — musicians are able to connect and fuse together all these elements. Different timbres, strange noises, weird sounds and other illustrative and effective elements of the melodic background effect all the melodic pattern. The electronic music section is absolutely different from the acoustics. It’s full of strange, dark, harsh and depressive timbres, original and inventive musical decisions, unknown and extraordinary sounds, abstract and short melodic elements, special effects and various modern and innovative playing techniques. The sound of these two absolutely different types of music is combined in one place in this album. Soft, warm and expressive reeds solos, subtle, passionate and virtuosic flutes, dramatic strings, dynamic and effective double bass, colorful and energetic percussion section is based on free jazz elements and collective improvisations. It’s impossible to predict, what’s gona be next — this music is full of sudden turns and twists, is formed and based on spontaneous solos and innovative musical experiments. Live, energetic, warm and memorable sound of acoustic instruments is combined together with electronics, which also bring to the compositions academic music elements. Electronic and electro-acoustic music, academic avant-garde jazz and other various styles of contemporary academical music are heard in these compositions. Ekectronic music episodes are also based on free structure and various electronic music playing techniques — field recordings, tape records, computer and electronic devices sounds, sonic system experiments, sonoristic music and many other playing techniques are combined together with experimental and new ways of playing. This wide range of acoustic and electronics, different playing techniques, manners, sounds and moods, masterful and creative improvising and playing, bright, organic, effective and innovative musical language bring original and interesting sound of this album.

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21 February 2018
By Philippe Desjardins in Le canal auditif (Québec), February 21, 2018

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“… Les Porteuses d’Ô garde les oreilles captivées à travers les trois pièces, renouvelant l’anticipation un son à la fois.”

L’Ensemble SuperMusique est une formation active depuis une vingtaine d’années dans le milieu des musiques actuelle et improvisée. Une des particularités de cette formation est qu’elle est dirigée par les compositeurs/instrumentistes directement, selon les œuvres au programme. Dans ce contexte, leur nouvel album, Les Porteuses d’Ô (2017), ne fait pas vraiment suite à Jeux de Pistes (2016), et propose plutôt trois nouvelles compositions de Danielle Palardy Roger, Joane Hétu et Lisa Cay Miller; dont le thème met en scène des femmes (porteuses d’eau) qui alimentent le courant musical. L’album propose donc trois compositions jouées à partir de partitions graphiques (comparativement à des partitions écrites) qui mélangent savamment l’interprétation et l’improvisation pour créer trois grandes scènes sonores uniques en leur genre.

En arrivant par le nuage de Oort (Roger, 2014-15), commence sur un crépitement étouffé et quelques coups discrets de cymbales. Les souffles imitent une sorte de fournaise et participe à une trame atmosphérique épaissie par des bruits de combustion. Le passage arythmique mène à un pont plus calme formé de frottements de cordes joués en itérations, comme des moteurs d’embarcations auxquels les cuivres ajoutent des klaxons de différentes grandeurs. La partie rythmique revient à l’avant comme une pluie d’impacts dans la salle des machines, et laisse ensuite l’espace à un dernier passage dissonant, voire strident, qui siffle comme des bouilloires jusqu’à une fin abrupte.

Le roulement de tambour de Préoccupant, c’est préoccupant (Hétu, 2015-17) ouvre sur un ton circassien, les cordes simulant des acrobaties dans les hautes pendant que les percussions et «canard-qui-fait-squeak» mènent à la partie théâtrale, durant laquelle une voix clame comme prise sur une embarcation au milieu de la mer. La scène évolue davantage avec des segments plus denses et percussifs et une performance vocale dont le niveau de folie fait penser à une aile psychiatrique. Les acrobaties musicales sont surprenantes et leur virtuosité rappelle une forme de «mickey-mousing» avec tous les événements sonores virevoltant dans la pièce.

Les cordes miment des portes en bois qui grincent sur Water Carrier (Miller, 2017), la guitare et la basse établissent en parallèle une discussion entrecoupée de coups de pic et de pizzicatos. Tout s’arrête pour laisser le segment suivant prendre place, d’une façon un peu décousue d’abord, mais ça se clarifie à partir des interactions entre les instruments. Une autre pause brève mène ensuite à un segment jazz très bien rythmé, approfondi dans les basses avec les cordes et accentué par moment aux cuivres. Le mouvement suivant est bien plus ramolli avec une atmosphère dramatique, presque souffrante et fiévreuse. Le rythme reprend progressivement pour finir sur un dernier segment de musique de chambre.

Il y a une dimension théâtrale à ce nouvel album qui donne l’impression que les instrumentistes sont des comédiens et qu’une partie de la mise en scène leur appartient. On reconnaît des inspirations provenant de la musique bruitiste et des dessins animés en noir et blanc, deux éléments qui se combinent parfaitement avec l’improvisation. En ce sens, Les Porteuses d’Ô garde les oreilles captivées à travers les trois pièces, renouvelant l’anticipation un son à la fois.

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13 February 2018
By Philippe Desjardins in Le canal auditif (Québec), February 13, 2018

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Résistances de Jean Derome confirme que tout est possible avec un niveau de créativité comme le sien.”

Jean Derome est un artiste montréalais actif dans le milieu des musiques actuelles depuis plus de quarante-cinq ans. Compositeur, interprète et improvisateur, il est également cofondateur de l’étiquette Ambiances Magnétiques sur laquelle sont publiés ses albums et autres créations expérimentales et avant-gardistes. Vous avez peut-être vu son nom passer durant l’Année Jean Derome (avril 2015 à juin 2016), qui proposait plusieurs événements rendant hommage à sa carrière et sa contribution à la création musicale québécoise, dont la sortie de l’album Musiques de chambres (2015) et du documentaire Derome ou les turbulences musicales (2015), réalisé par Richard Jutras. Derome est de retour avec Résistances (2017), un album basé sur le thème de l’électricité, performé de façon improvisée par l’Ensemble SuperMusique, qui était accordé pour l’occasion sur la fréquence de 60Hz (celle du courant électrique).

Le piano ouvre Tout part du soleil sur un bouillonnement de percussions étouffées et de souffles imitant la combustion à la surface de l’astre et les éruptions solaires. Les cordes apportent une touche humoristique en ajoutant une sorte de guirlande de bienvenue à l’œuvre. Buzz porte bien son nom avec un montage de bruits de tension électrique qui ponctuent des glissandos aux cordes, faisant la transition vers Étagement des fréquences et son tintamarre percussif soutenu par un roulement de tambour. Les cuivres créent une masse dense et scintillante en parallèle aux harmoniques analogiques, et continuent en crescendo pour terminer sur des aigus stridents. L’ensemble s’estompe et se dégonfle en même temps que les cordes se détendent pendant Aurores boréales, seconde pièce transitoire qui semble dégoûter comme une fin de pluie.

Tableau suit avec une boîte à musique et un piano dissonant, la montée en intensité ressemble justement à une séance d’accordement, jusqu’à ce qu’une ponctuation cuivrée vienne entrecouper la partie improvisée. Le violon un peu nerveux ajoute de la tension et mène à un passage monté en vagues de différentes densités, concluant en filaments de cuivres entrecoupés de chutes percussives. Vamp change complètement l’ambiance en proposant un groove jazz irrésistible et une performance vocale située quelque part entre la virtuosité et l’hilarité, ou un rituel tribal et une soirée cabaret. Le contraste fonctionne merveilleusement bien, comme un interlude entre deux mouvements exploratoires. Le plancher des vaches brise la ligne rythmique et se dégonfle lentement, douloureusement même, pour mener à un passage cacophonique, un peu comme si l’ensemble déboulait la colline au ralenti. La suite donne l’impression que chaque instrument fait sa petite affaire, sans égard à la ligne mélodique. Fréquences-métronomes ouvre sur une série de cliquetis approfondie par un déploiement rythmique créant une espèce de grosse machine à bruits dont les voyants rouges s’allument et s’éteignent frénétiquement pour accompagner l’alarme de feu.

Le piano dissonant prend toute la place sur Tableau-combat, laissant chaque note s’évanouir dans la pièce jusqu’à ce que les cordes commencent à mimer le grésillement électrique et les cuivres à jouer un (dés-) accord comme un orchestre de klaxons. Piétinements enchaîne naturellement sous forme de trame bourdonnante s’intensifiant à partir d’un passage plus rythmique, qui semble imiter la marche d’une tribu se rendant au combat. Les cordes glissent en différents trémolos sur Trois orchestres, texturés par des itérations électroniques et un tintamarre de plus en plus frénétique à la batterie et aux percussions. Le rythme s’ordonne à mi-chemin pour permettre à tous les instruments d’enchaîner à un passage jazz. Moteur deux temps, moteur trois temps fait débouler une suite d’événements sonores en jouant sur la vitesse de réaction et le niveau d’intensité de chaque impact; très comique.

Turbine, virgule passe comme un torrent emportant tous les silences sur son passage, coupant abruptement pour reprendre sa respiration et replongeant dans un tourbillon sonore. Les cris et complaintes vocales rappellent l’incantation tribale pendant que les instruments génèrent un rythme rapide et dense. Mélodie 2 nous ramène à la soirée cabaret et au groove jazz, la guitare rythmique accentue les contretemps pendant que les cuivres étirent les temps pour les rendre élastiques. Danse finale garde le rythme comme un big band sur lequel les solos de violon, trompette et guitare électrique sautillent simultanément sur leurs arpèges respectifs. Orage grésille avec bruits de cordes et ronflement vocal, le frottement assourdissant tombe dans un sommeil à la respiration qui cille.

Résistances de Jean Derome confirme que tout est possible avec un niveau de créativité comme le sien. La richesse de la palette sonore est captivante, intrigante; on se demande quel instrument a bien pu jouer tel bruit. En ce sens, ça sonne moins jazz que sur son album précédent, et plus expérimental avec ses éléments inspirés de la musique bruitiste et du «mickey mousing». L’œuvre est très amusante, et on dira ce que l’on voudra de la musique actuelle, cette fois-ci, elle est aussi accessible qu’un dessin animé pour enfant.

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12 February 2018
By Stuart Broomer in Musicworks (Canada), February 12, 2018

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“These pieces are genuine experiences — penetrating, insistent, necessary works that fully occupy the time of their realization and hearing. Repeated listening changes them: they literally sound different, richer, more complex, with new elements and relationships emerging, transitions becoming more (and sometimes less) dramatic.”

Political Ritual, the eponymous release by the Québécois electronic music duo of Maxime Corbeil-Perron and Félix-Antoine Morin, presents itself as a mystery, white print on a grey cover, a series of lighter, vertical oscilloscope intrusions appearing almost possibly accidental. The roles of the two performer / composers — here improvisers — are not distinguished. Each side of the LP presents a piece about twenty minutes in length. Each is almost monolithic, made up of electronic and electronically altered layers.

Specific textures emerge intermittently, through fields of static and waves of droning sound that sometimes move with the inevitability of lava, that flux of molten stone, metal, and ash, or perhaps an oil spill or an approaching tsunami. While the LP itself is free of annotation, there are brief hints in the press release, including a description of the group’s music and the titles of the two sides. Field recordings and instruments come upon by chance enter the fold.

The first side, Cérémonie, is strongly rhythmic, whether the beats are heard as patterns of static or feedback. There are two marked shifts in the work. The first is an extended keyboard improvisation beginning around the seven-minute mark, perhaps “a wedding harmonium bought from an old, hungry man in an Indian village improvises modal lines,” mentioned in the online text. The second is a sudden break and bass-ward glissando at the eighteen-minute mark that suddenly shifts the whole forward movement of the music. That doesn’t sound like much, but it’s a major event in this context, a wholly new plane.

The second side, Projection_cathodique, begins with chant amidst the static and drones. Its developing rhythms are oscillations, pulses rather than beats. The piece repeatedly cycles towards a crescendo, its materials echoing, the texture thickening; when the patterns change, there’s a sudden turn from tension to repose.

These pieces are genuine experiences — penetrating, insistent, necessary works that fully occupy the time of their realization and hearing. Repeated listening changes them: they literally sound different, richer, more complex, with new elements and relationships emerging, transitions becoming more (and sometimes less) dramatic. Searching this music for answers to what politics and ritual share, only the commonalities of mystery, form, and duration emerge — politics and ritual indistinguishable from one another and from consciousness itself.

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