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Recent Reviews

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Oursins chroniques

by Laurent Catala in Octopus (France), July 2, 2009 » 3859

Out of Nowhere
“Un parfum de plénitude flotte dans l’air, à la fois doux et envoûtant (...)”

On a bien trop souvent l’impression, en matière de musiques improvisées, qu’il y a une certaine distance installée entre l’artiste et son public, entre le maître et l’élève en quelque sorte, surlignée par la dextérité instrumentale affichée et l’expressivité qui en découle. Musicienne autant que militante de son art musical, la contrebassiste Joëlle Léandre s’est toujours élevée contre cette condescendance formelle, en ouvrant son concert musical au discours et à l’humour, mais surtout en multipliant les collaborations, avec des artistes parfois bien moins réputés qu’elle. Fidèle à son goût pour les duos, c’est donc avec son ancien élève du Mills College, le tout jeune pianiste Quentin Sirjacq qu’elle s’ingénie sur cet Out of Nowhere à trouver les pistes d’un dialogue fructueux. Souvent contenu, voire replié sur des éléments bruts propre au jeu de chacun des deux musiciens, les grincements boisés du frottement de violoncelle répondant par exemple aux notes éparses de piano sur Ruin, cet échange se fait immédiatement chaleureux et intime, laissant percer une connaissance réciproque qui fixe les ambiances dans des déclinaisons introspectives. Un parfum de plénitude flotte dans l’air, à la fois doux et envoûtant, et étrangement, alors qu’on attend continuellement la truculence habituelle de Joëlle Léandre, on est surpris du caractère atmosphérique qui se dégage de cette rencontre. Une surprise d’autant plus grande que cette approche plus dépouillée se révèle étonnamment pénétrante et enveloppante, pérenne jusque dans ses nuances. Certes, quelques emballements affleurent régulièrement, histoire de contraster les débats (Fragments 1 & 2, la transition Moon journey / Awakening), apportant un complément bienvenu à ce balisage discret des sens, mais ce n’est que pour mieux appuyer la complicité naturelle de deux solistes qui n’ont pas besoin de faire la course à la surenchère pour déployer leur talent.


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Accordion/Bandoneon Threefer: Emilio Solla, Adrian Iaies & Damian Nisenson

by Marcia Hillman in All About Jazz (USA), June 28, 2009 » 3857

En concert

The bandoneon and accordion have begun to show up lately in more jazz-oriented company. Even though they have a reedy sound, they are both basically keyboard instruments and can blend easily with a piano or readily substitute for one. (...)

Damian Nisenson’s Damian Nisenson Trio +3 en concert dispenses with the piano in its configuration and uses both bandoneon and accordion instead. Nisenson is heard on soprano, alto and tenor sax and is the featured player. Recorded in concert in Quebec, this session has all original material, sounding more like Klezmer than jazz. The accordion and bandoneon ably provide the ‘bottom’ for the sound of the group. The emphasis is on the rhythm and invites one to get up and dance; the final track Hora is appropriately titled. Despite instruments from different traditions, the musicians work well together to deliver a cohesive presentation. (...)


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Critique

by Réjean Beaucage in Voir (Québec), June 25, 2009 » 3851

Ugly Beauties
“L’ensemble est un recueil de pièces brèves où se mêlent post-bop, improvisations bruitistes et dérives contemporaines.”

Voici un trio particulier, dans lequel le violoncelle de Matt Brubeck (le fils de Dave) prend la place que tient souvent le saxophone du trio jazz traditionnel, mais même si le violoncelle sonne à l’occasion tout à fait comme un sax, ce trio n’a rien de traditionnel. Nick Fraser est un batteur très recherché qui a joué avec à peu près tout le monde, et son jeu très coloré montre bien pourquoi; quant à la pianiste d’origine montréalaise Marilyn Lerner, elle est aussi à l’aise, et inspirée, lorsqu’elle joue sur le clavier que directement dans les cordes. L’ensemble est un recueil de pièces brèves où se mêlent post-bop, improvisations bruitistes et dérives contemporaines.


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Rayonnante Marianne Trudel

by Stanley Péan in Radio-Canada: Blogue (Québec), June 22, 2009 » 3849

Marianne Trudel
“… Marianne Trudel a su s’imposer sur la scène du jazz d’ici au point d’en devenir une authentique incontournable.”

Il faut applaudir la manière toute simple par laquelle Marianne Trudel a su s’imposer sur la scène du jazz d’ici au point d’en devenir une authentique incontournable. Ne serait-ce que pour cette raison, un entretien avec cette pianiste, compositrice et improvisatrice de tout premier plan, par surcroît membre de la direction de L’OFF Festival de jazz de Montréal, allait de soi.

Ces dernières années, les distinctions se sont multipliées pour Marianne Trudel. Lauréate en 2007 du Prix Étoiles Galaxie de Radio-Canada récompensant la meilleure composition présentée au Festival international de jazz de Montréal, Trudel a suivi un itinéraire éclectique qui témoigne de l’ouverture et de la curiosité d’une artiste qui a notamment partagé la scène avec Charles Aznavour, Chucho Valdès et Juan Carlos Caceres. Outre sa formation classique et son changement d’orientation soudain, elle aborde avec moi la nécessité de son engagement dans le milieu.

Pour Marianne Trudel, cette dixième édition de L’Off-festival de jazz sera l’occasion de lancer un tout nouvel album, son troisième, enregistré en duo avec l’harmoniciste Lévy Bourbonnais.

Et tiens, en guise d’avant-goût de ce dialogue musical marqué au sceau de la complicité présenté au Cabaret Le Lion d’Or ce mardi 23 juin, je vous propose un extrait de la prestation du duo au Palais Montcalm l’automne dernier, lors du Festival de jazz de Québec.

Notons en terminant que le sextette de Marianne Trudel participera au Festival de jazz d’Ottawa le 4 juillet prochain et que le Duo Trudel-Bourbonnais se retrouvera au Domaine Forget le 30 août prochain.


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L’OFF Festival de jazz se transforme en phénomène

by Serge Truffaut in Le Devoir (Québec), June 22, 2009 » 3844

Pierre Labbé
Tremblement de fer a été applaudi deux fois plutôt qu’une. Il a été très apprécié. Il a surtout captivé; il y avait de quoi.”

Depuis son amorce, la dixième édition de l’OFF Festival de jazz de Montréal s’est singularisée par une somme de moments parfois intenses, parfois amples, d’autres fois aussi austères qu’un film suisse ou suédois, mais tout de même intéressants. Quoi d’autre? On a été témoin d’un fait combinant culture et social si étonnant ou plutôt inattendu qu’il mérite mille et un arrêts sur image.

Voilà, pour le spectacle d’ouverture, les organisateurs de l’événement avaient décidé que le Tremblement de fer de Pierre Labbé se tiendrait au hangar n° 16 situé à l’extrémité est du Vieux-Port. Autrement dit, en un endroit qui nous est géographiquement beaucoup moins familier que le Club Soda, l’Upstair’s, le Lion d’Or, le Monument-National et autres. Deuxio, ce soir-là l’humeur, climatique s’entend, se confondait avec maussade à la puissance dix. Il pleuvait des trombes d’eau.

Malgré ces adversités physiques et météorologiques, le hangar s’est rempli. On tient à le répéter: ce hangar où l’humidité s’est installée, si l’on peut dire évidemment, à demeure était plein. Plus de 400 personnes ont assisté à ce spectacle. Quand on sait, et non suppute, que des amateurs ne sont pas venus parce qu’ils ont cru que le Tremblement de fer se déroulerait à l’extérieur, ce fait, ce nombre, est remarquable. Les plus surpris ont été les responsables de la programmation qui n’avaient jamais imaginé dans leurs rêves les plus fous que tant de gens seraient au rendez-vous.

Chose certaine, cette histoire de nombre comporte ou présente un enseignement: les amateurs de la note bleue sont beaucoup plus enclins à l’aventure et plus curieux que ne le sont les responsables des diverses salles sans parler de ceux des ondes radio qui devraient méditer ce phénomène plutôt que de le... moquer!

D’autant que Tremblement de fer a été applaudi deux fois plutôt qu’une. Il a été très apprécié. Il a surtout captivé; il y avait de quoi. L’œuvre, car il s’agit bel et bien d’une œuvre, de Pierre Labbé se démarque par ce savant ou plutôt très subtil dosage entre la pesanteur, dans le sens le plus noble du terme, et le rythme, entre l’équilibre des solos et d’un ensemble rassemblant une cinquantaine d’instrumentistes. Moitié cordes, moitié cuivres, le tout poussé par une double formation rythmique.

Quand on sait le travail de moine, tendance bénédictin, que Labbé a dû accomplir pendant des mois pour composer son Tremblement, quand on sait que tenter l’accouplement des violons avec les saxos, c’est prendre le risque de se casser la gueule deux fois sur trois et quand on s’arrête au résultat, on ne peut espérer qu’une chose: un enregistrement. Il serait aussi regrettable que triste que Tremblement de fer soit né et décédé le 18 juin 2009.


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Les vertus de l’Off

by Serge Truffaut in Le Devoir (Québec), June 20, 2009 » 3858

Joane Hétu

(...) Comme bien de ses «cousins» européens, on pense à Banlieues Blues ou au Festival de Millau, l’Off Festival est devenu une plate-forme essentielle comme incontournable pour ces artistes et amateurs qui ont le grand large comme horizon sonore. Dit autrement, qui récusent le ronron conservateur. À cet égard, une étiquette montréalaise portée à bout de bras par Joane Hétu et deux ou trois autres personnes mérite d’autant plus des milliers de coups de chapeau qu’elle résume à elle seule ce renouveau musical. Il s’agit évidemment d’Ambiances Magnétiques / DAME, qui distribue aussi les productions de Damian Nisenson, Bomata, etc. (...)


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L’Off et la demande

by Alain Brunet in La Presse (Québec), June 19, 2009 » 3843

Pierre Labbé
“C’était aussi très sympa de voir autant de compétence et d’enthousiasme réunis sur scène”

De la pêche à la zizique en début de semaine. Je suis rapidement passé de l’Off pour les mouches noires à l’Off Festival de jazz, dont c’est la dixème édition. L’ouverture a eu lieu jeudi soir au Hangar 16 des Quais du Vieux-Port. Pierre Labbé, saxophoniste, compositeur, arrangeur, instigateur de ce Tremblement de fer, a certes vécu des moments inoubliables lorsqu’il s’est adjoint une cinquantaine de musiciens, professionnels et étudiants de niveau universitaire — une interview à ce sujet explique le concept. C’était beau et touchant de voir ce rassemblement de jazzophiles (350 entrées payantes) ayant répondu à “l’appel d’Off”. C’était aussi très sympa de voir autant de compétence et d’enthousiasme réunis sur scène. Derome, Leroux, Falaise, en veux-tu en v’la. Ainsi, l’Off et la demande étaient en parfaite collusion pour un tel lancement de programmation. Tous les ingrédient y étaient… sauf la sonorisation. Le Hangar 16 est un lieu complexe à sonoriser, force est de constater. Y faire sentir la puissance des cordes. Trouver l’équilibre entre les sections et en témoigner des jeux de structures. Fournir une toile orchestrale audacieuse et propice aux improvisations collectives ou individuelles. Faire en sorte que les solistes puissent vraiment émerger de l’orchestre lorsque nécessaire. Faire en sorte que la direction d’orchestre puisse maximiser les effets acoustiques lorsqu’elle distribue les consignes ici et maintenant. On en passe. Ces exigences n’ont pas toujours été satisfaites. À plusieurs moments, le son était trop flou, trop mince, il fallait s’approcher de la scène pour ressentir un vrai buzz orchestral et encore… Cette carence acoustique produisait parfois une impression exagérée de linéarité dans l’écriture de ce Tremblement de fer. J’aimerais bien écouter un enregistrement bien calibré de cette soirée, j’ose croire que ce serait clairement supérieur à ce que j’ai entendu. Enfin… ce fut quand même une soirée agréable, qui laisse présager un 10e Off assez relevé merci. L’Off Festival de jazz de Montréal, d’ailleurs, atteint sa vitesse de croisière dès vendredi. Ça se poursuit ce week-end, la semaine prochaine, le week-end qui suit.


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Audace et constance: L’Off Festival de jazz de Montréal a 10 ans

by Stanley Péan in Voir (Québec), June 18, 2009 » 3836

Marianne Trudel
“… la crème de la crème de notre jazz d’ici, […] [dont] l’excellente pianiste Marianne Trudel en conciliabule avec l’harmoniciste Lévy Bourbonnais.”

Né de la volonté d’une poignée de jazzmen montréalais de se doter d’une meilleure plateforme pour la création musicale d’ici, L’Off Festival de jazz de Montréal célèbre son 10e anniversaire.

«Je suis très fier et d’autant plus fébrile de présenter ce 10e festival, déclarait le contrebassiste Christophe Papadimitriou, président du conseil d’administration de L’Off en conférence de presse. C’est un tournant, mais nous continuons le travail amorcé il y a 10 ans.» Papadimitriou entendait par là l’initiative de ces musiciens montréalais qui avaient décidé de lancer, en marge du Festival international de jazz de Montréal, un événement plus axé sur le jazz d’ici. «C’était notre déclaration d’indépendance!» clame l’iconoclaste claviériste Pierre St-Jak, l’un de ces pionniers. «C’était carrément un statement politique!» surenchérit le contrebassiste Normand Guilbeault, qui s’était toujours affiché comme le plus virulent critique de l’»autre» festival, à qui ses confrères et lui reprochaient de ne pas soutenir suffisamment et adéquatement les créateurs locaux. Beaucoup d’eau a coulé sous les ponts depuis et l’on conviendra volontiers que les deux manifestations, présentées désormais successivement plutôt que simultanément, sont devenues moins antagonistes que complémentaires.

Pour bien marquer ce 10e anniversaire, les programmateurs ont d’abord choisi de lever leur chapeau à quatre de ces pionniers. «Il me semble que ça allait de soi!» de s’esclaffer le vibraphoniste Jean Vanasse, dans un accès de fausse modestie, quand même flatté par cette attention. En effet, outre St-Jak, Guilbeault et Vanasse, on aura le plaisir de retrouver dans un contexte jazz le trompettiste Ivanhoe Jolicœur qui a pas mal tourné avec les Cowboys Fringants ces dernières années. Dans le cadre de la série Hommage aux fondateurs, leurs formations respectives se produiront sur l’une ou l’autre des scènes de L’Off (Le Lion d’Or, Le Cheval Blanc, Le Dièse Onze). Ne manque évidemment à cette série que feu le claviériste François Marcaurelle, emporté par le cancer en mars 2006. «C’est vrai que François nous manque», de déplorer Jean Vanasse, sur une note plus grave. «C’était un artiste, un être humain extraordinaire et généreux, qui avait vraiment à cœur le sort du jazz d’ici.» Cela dit, l’esprit de Marcaurelle plane encore sur la manifestation qu’il a contribué à mettre sur pied puisque le prix décerné annuellement à un artiste ou un groupe s’étant particulièrement distingué porte son nom.

Outre ces fondateurs, les jazzophiles auront le plaisir de (re)découvrir la crème de la crème de notre jazz d’ici, du combo du guitariste Stephen Johnston à celui du saxophoniste Frank Lozano, en passant par le groupe rock-prog Miriodor et l’excellente pianiste Marianne Trudel en conciliabule avec l’harmoniciste Lévy Bourbonnais. Malgré la volonté manifeste de mettre en valeur les talents d’ici, L’Off Festival a toujours été ouvert au dialogue avec des artistes venus d’ailleurs, ainsi qu’en témoigne la présence au programme d’invités de marque parmi lesquels Vincent Courtois, Marie-Fatima Rudolf, Rainer Wiens et la formation vocale Webe3.

«On y prend des risques», affirme fièrement Christophe Papadimitriou à propos de L’Off. Et cette programmation, marquée au double sceau de l’audace et de la constance, l’illustre assez éloquemment.


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Le Off festival de jazz: faire trembler le fer

by Alain Brunet in La Presse (Québec), June 13, 2009 » 3842

Pierre Labbé
“«Ma musique est un mélange. Jazz contemporain, harmonisations modernes, mesures composées, musique classique de souche européenne, musiques de film d’aujourd’hui, musique contemporaine... lorsque celle-ci n’est pas engloutie sous une démarche intellectuelle. Tremblement de fer, en ce sens, exprime bien mon esthétique. J’y ai mis tout ce qui me ressemble.»”

Pas moins de 50 musiciens issus de tous les horizons sonores se retrouveront sur la même scène, jeudi prochain, histoire d’ouvrir le 10e Off Festival de jazz de Montréal. Tremblement de fer, qui évoque le métal de la ville et la structure du hangar, est une initiative du saxophoniste, compositeur et improvisateur Pierre Labbé. Voilà un musicien très occupé qui se présente au journaliste. Ce dernier conclut vite au profil idéal du créateur autonome qui a eu tôt fait de se prendre en main. Hormis sa participation aux formations Les Projectionnistes et l’Orkestre des Pas Perdus, outre la composition de musique de théâtre, la direction d’une compagnie de spectacles destinés au jeune public, la création deux albums de jazz contemporain (Risque et pendule, lancé en 2003, Manivelle, prévu pour l’automne sur Ambiances Magnétiques), en plus de diriger un quartette de jazz contemporain avec pour complices le guitariste Bernard Falaise, le batteur Isaiah Ceccarelli et le contrebassiste Clinton Ryder, Pierre Labbé nous propose cette pièce montée: 25 professionnels et 25 étudiants seront au service de son Tremblement de fer. «L’image que j’avais au départ, c’était une grosse gang de musiciens montréalais de tous les genres et qui jouent une mélodie à l’unisson. C’était ça, mon fantasme. D’ailleurs, une des sept pièces au programme sera une simple mélodie jouée à l’unisson par 50 musiciens. J’ai proposé l’idée à la direction de l’Off Festival de jazz de Montréal; Christophe Papadimitriou et ses collègues ont accepté d’emblée.

«J’ai alors contacté les musiciens que je connais, tout le monde a dit oui, go! Pour les étudiants, je suis passé par les facultés de musique - Conservatoire, Université de Montréal, McGill, etc. J’ai contacté les profs, André Moisan pour les clarinettes, par exemple. Je cherchais de jeunes musiciens techniquement solides, mais aussi capables d’improviser. J’ai déclenché une tempête de courriels!» Une configuration singulière Sept pièces seront créées au Vieux-Port. Pierre Labbé promet un encadrement maximum et une configuration des plus singulières. «D’un côté, j’ai un orchestre de chambre dont l’instrumentation pourrait être comparable à celle du Nouvel Ensemble Moderne: seize cordes, sept bois, quatre cuivres. De l’autre côté, ce sont les vents d’un big band: six saxophones, trois trompettes, trois trombones, un tuba. «Derrière ces deux groupes, deux sections rythmiques identiques se font face, de manière à créer un effet miroir: deux batteries, deux contrebasses, deux pianos, deux claviers électroniques et un intrus: le guitariste Bernard Falaise. Pendant que les sections rythmiques se répondent, Bernard intervient. Chaque pièce comporte au moins un solo, et je peux compter sur des solistes d’enfer!» On donnera raison au chef: feront trembler le fer du Hangar 16, dans le Vieux-Port, les saxophonistes André Leroux, Jean Derome, Frank Lozano et Roberto Murray, le batteur Pierre Tanguay, l’altiste Jean René, le violoniste Josh Zubot, le guitariste Bernard Falaise, le tromboniste Jean-Nicolas Trottier, la clarinettiste (basse) Lori Freedman, le trompettiste Aaron Doyle. La musique de ce Tremblement de fer est écrite, elle comporte aussi des consignes d’improvisation que déclenchera son concepteur en temps réel. «Ma direction comprend aussi une part d’improvisation», souligne-t-il fièrement. Formé à l’Université de Montréal, Pierre Labbé se résume: «Je suis un hybride.» Études de flûte, études de composition, musique classique, jazz, choix définitif du saxophone ténor comme véhicule de son expression. À 47 ans, notre homme était certes dû pour que son oeuvre émerge du souterrain. «Ma musique est un mélange. Jazz contemporain, harmonisations modernes, mesures composées, musique classique de souche européenne, musiques de film d’aujourd’hui, musique contemporaine... lorsque celle-ci n’est pas engloutie sous une démarche intellectuelle. Tremblement de fer, en ce sens, exprime bien mon esthétique. J’y ai mis tout ce qui me ressemble.» Tremblement de fer est présenté le jeudi 18 juin, 20h30, au Hangar 16 des Quais du Vieux-Port.


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Critique

by Christophe Rodriguez in Le Journal de Montréal (Québec), June 13, 2009 » 3835


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Review

by Bruce Lee Gallanter in Downtown Music Gallery (USA), June 12, 2009 » 3840

Somewhere the Sea and Salt
“This is refined gem that should be savored for a calm, rainy day.”

This is Charity Chan’s second disc for the Ambiances Magnétiques (AM) label and I have had the good fortune to hear her play live with AM All-Stars at The Stone last year. This is a solo piano effort and it sounds as if Charity has been working hard at developing her own sonic-world. The sounds she evokes from the piano are carefully chosen, occasionally dark and often most haunting. It sounds as if Ms. Chan is playing a harpsichord at times, from the way the strings are plucked. There are moments when it is difficult to tell what exactly she is playing since some of the sounds are somewhat alien and not very piano-like. Each piece seems to cast a spell and often evokes ghosts or floating spirits. The production work on this disc is especially fine, richly dynamic, capturing the piano in all of its glory. This is refined gem that should be savored for a calm, rainy day.


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Review

by Bruce Lee Gallanter in Downtown Music Gallery (USA), June 12, 2009 » 3839

Élektrik toboggan
“This was a most magical set...”

The fifth and final day of Victo 2008 began with a mighty fine trio that hadn’t played together previously: Otomo Yoshihide on turntable & guitar, René Lussier on guitars and Martin Tétreault on turntables. It is true that Otomo and Martin have recorded previously as have René & Martin, but this was their first meeting as a trio. It seemed obvious to me that these musicians have played together before since they worked so well together here. Starting quietly with soft turntable sounds, somber guitar fragments and eerie electronic sounds, building into a restrained yet quietly exciting sound. The next piece began with René and Otomo playing a thick double feedback guitar storm, howling notes erupting together just right, eventually calming down to hushed drones, humming noises and static. A perfect combination of odd sounds. Both guitars erupted once more into an intense rave-up with Martin’s turntable noise as a great accompaniment. Both Martin and Otomo played soft, haunting sounds on the turntables together at times sounding like some radiators hissing. One of the best things about this set is the way René alters the sound of his guitar on each piece to evoke a wide variety of guitar-led sounds and episodes. Otomo is also most selective musician whether playing turntables & manipulating their sounds or playing the guitar that rests in his lap. Martin Tétreault also plays turntables differently than anyone else, rarely using records and often just manipulating the turntable itself. This was a most magical set...


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Incredible 10. The musician-organized OFF Festival de Jazz celebrates a decade of success without excess

by Mike Chamberlain in Hour (Québec), June 11, 2009 » 3834

Normand Guilbeault
“This year’s edition of the OFF is, incredibly, its 10th, its longevity a testament to the dedication of the musicians who organize the festival.”

“When we started the OFF Festival in 2000,” bassist Normand Guilbeault says, “we ran concurrently with the Montreal Jazz Festival. It was a statement that we local musicians are here, and this is what we do. But now, we don’t need to do that. The festival has found its place. Each year, many more musicians apply to play in the festival than can be accepted.” Indeed, the OFF has found its place. This year’s edition of the OFF is, incredibly, its 10th, its longevity a testament to the dedication of the musicians who organize the festival. They do it because they feel, rightly so, that it is vital to showcase both emerging and established local (and sometimes not-so-local) jazz musicians in contexts that are more amenable to an intimate music like jazz than a stage beside Ste-Catherine St. The focus is on the music, not on the amount of beer and hot dogs sold to tourists (not that they’re against selling beer and hot dogs to tourists, mind you). The OFF will run from June 18 to 27, presenting more than 30 performances, beginning with a piece for 50 musicians composed by Pierre Labbé in honour of the founders of the festival. It is a special event to be presented at Hangar 16 of the Quais du Vieux Port at 8:30 p.m. on June 18.

The next 10 days will see performances at the Cheval Blanc, Lion d’Or, Chapelle Historique du Bon- Pasteur and Dièse Onze by artists including Miriodor, the John Roney Trio, Marianne Trudel, Pierre St-Jak and Frank Lozano. The festival will close with a special two-set performance by Guilbeault’s large ensemble doing rarely performed works by Charles Mingus such as Black Saint and the Sinner Lady at the Lion d’Or on June 27.

This seems fitting, given the mercurial Mingus’s predilection for lecturing audiences who weren’t paying sufficient attention to the music. These musicians are making music that deserves attention, and they’ll do their best to make sure that you can experience it under the best possible conditions.


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Le CD de la semaine

by Jean-Claude Gevrey in Octopus (France), June 10, 2009 » 3833

Arbor Vitæ
“Que l’on parle ici des compositions rassemblées ou du groupe chargé de leur interprétation, une chose est sûre : l’ensemble est prodigieux!”

Immense compositeur de la seconde moitié du vingtième siècle, James Tenney fut l’un des derniers géants de la musique contemporaine. Disparu en 2006, son œuvre demeure incompréhensiblement sous-documentée sur le plan discographique. Le bien avisé Quatuor Bozzini entend bien changer la donne en nous livrant rien moins que l’intégrale des pièces pour quatuor à cordes et quintet, la plupart inédites en CD. Que l’on parle ici des compositions rassemblées ou du groupe chargé de leur interprétation, une chose est sûre : l’ensemble est prodigieux!

C’est un événement que la parution de ce double CD dans la Collection QB, dont les initiales (Quatuor Bozzini) nous rappellent que la formation montréalaise est aux commandes de la direction artistique. Possédant une affinité évidente pour l’œuvre de Tenney, Nadia Francavilla, Clemens Merkel (violons), Stéphanie Bozzini (alto) et Isabelle Bozzini (violoncelle) font preuve ici d’une précision et d’une limpidité qui requièrent, à l’évidence, la maîtrise absolue de leurs instruments mais, surtout, l’appropriation de la pensée intime du compositeur. Manifestation de cette alchimie : la pièce qui ouvre le recueil et lui donne son titre, Arbor Vitae (2006), commande du quatuor et œuvre ultime de Tenney qui n’a vu le jour que de manière posthume. Une apogée sereine où de longues et perçantes intonations forment une trame harmonique qui se déploie tel un rhizome laissant entrevoir, à chacun de ses embranchements, un microcosme sonore. A l’autre extrémité du spectre, le String Quartet in One Movement (1955) est d’avantage sous l’influence de Webern ou de Bartók et offre rétrospectivement un très beau portrait de l’artiste en jeune homme. Le sombre et bourdonnant Saxony se construit lentement par le flux et le reflux de vagues microtonales dont l’accumulation décalée forme une structure hypnotique. Un principe similaire est utilisé pour Koan for String Quartet qui réconcilie tout autant sérialisme et minimalisme en sillonnant les discrètes variations d’un mouvement perpétuel. Le second CD voit le quatuor augmenté par l’addition d’un percussionniste (Rick Sacks) sur Cognate Canons, d’une pianiste (Eve Egoyan) sur Diaphonic Studies ou d’une contrebassiste (Miriam Shalinsky) sur Quintext I-V. Les préoccupations restent les mêmes : exploration obsessionnelle des dissonances, réévaluation permanente des systèmes de composition et fascination infinie pour la prégnance du timbre. La dernière pièce, une suite de cinq études, fait écho à autant d’inspirateurs : Ruggles, Varèse, Partch, Xenakis et Feldman, reliant ces créateurs de génie par une ligne plus droite qu’il n’y parait et y en inscrivant son créateur par la même occasion. Plus bel hommage à James Tenney n’avait peut être jamais été rendu.


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Listening Diary

by François Couture in Monsieur Délire (Québec), June 5, 2009 » 3827

Ice Machine
“Very well done.”

Finally, the collaboration between D Kimm and Alexis O’Hara has found its way on record. I saw this duo at FIMAV back in… 2007? 2006? Kimm and O’Hara are two multitalented poets/performer artists/sound artists. O’Hara tends toward derision and psycho-sexual sarcasm over a noise background; Kimm’s work is more nuanced, combining humour and tenderness, depth and pulsion. Together, they brew quite a sonic stew! Intriguing poems, coldish (hence the title) and occasionally trashy sound textures. Very well done.


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