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Radio ›› Joane Hétu
Un idéal
L’arcade (2016), 3m11s [extrait]
Piste 8 de Un idéal
CD: Ambiances Magnétiques (2016) AM 231

Artistes ›› Joane Hétu

  • Articles sur Joane Hétu

    Les critiques de disques se retrouvent dans les pages de chaque disque (via l’onglet discographie).

    7 février 2017
    Par Mathilde Recly in atuvu.ca (Canada), 7 février 2017

    Texte

    «Cette soirée sera donc l’occasion de célébrer la vitalité, la richesse et l’enthousiasme des musiques nouvelles…»

    Le 16 février prochain, Le Vivier présentera une Grande soirée anniversaire pour les 25 ans de la maison de disques DAME, qui représente le courant de musique actuelle au Québec. Rendez-vous a été pris avec sa fondatrice Joane Hétu, pour parler avec elle du rôle joué par DAME depuis sa création à aujourd’hui, tout comme des prochains enjeux et de cette fameuse soirée anniversaire sous forme d’un grand concert produit par Productions SuperMusique.

    D’où vous est venue l’envie de créer DAME? Y a-t-il eu un événement déclencheur?

    J’ai commencé à faire de la musique au début des années 1980, alors qu’à la même époque était créée l’étiquette indépendante Ambiances Magnétiques dont je suis devenue membre en 1985 par le biais de Wondeur Brass. À cette époque, on produisait des vinyles et il n’y avait pas beaucoup d’étiquettes indépendantes, «non commerciales» ou peut-être devrait-on dire «de création». Les musiciens d’Ambiances Magnétiques peinaient à avoir du soutien pour produire leurs albums et l’étiquette se structurait sans aucun appui tant du gouvernement du Québec que du Canada. En 1991, après avoir consulté certains intervenants gouvernementaux et à la lumière de leurs propositions, j’ai fondé DAME, acronyme de Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera, qui a le mandat de produire et de distribuer les disques de l’étiquette Ambiances Magnétiques tout en ouvrant son catalogue à d’autres étiquettes.

    Quels genres de musique ou d’artistes regroupez-vous sous l’étiquette «musiques en marge de l’industrie commerciale et représentant principalement le courant de musique actuelle au Québec»? Comment avez-vous choisi vos artistes, par exemple?

    En tout premier lieu, j’ai toujours travaillé en collaboration avec les artistes. J’ai établi un lien de confiance avec eux et nous avons produit les albums en additionnant leurs moyens et ceux de DAME. Nous avons grandi ensemble et la relation de partenariat s’est solidifiée. Je ne travaille pas dans l’idée que je cherche un talent, non, je travaille avec des artistes que je rencontre, à travers les affinités qui s’opèrent dans la communauté. C’est 25 ans d’histoire, c’est plus d’une centaine de musiciens qui ont produit chez DAME. Ce ne sont pas des musiciens nécessairement très connus, mais ils sont tellement intéressants, pour en nommer quelques-uns: Jean Derome, Pierre-Yves Martel, Tim Brady, Danielle Palardy Roger, Martin Tétreault, Pierre Tanguay, Diane Labrosse, Lori Freedman. C’est une grande famille dans un monde parallèle. DAME documente ce patrimoine musical précieux et fait en sorte que ces musiques soient représentées, soutenues, disponibles et que cette histoire artistique soit accessible d’une certaine façon. Au final, ce sont les affiliations, l’intelligence de la musique et des relations humaines qui ont guidé DAME.

    Quelles sont les principales missions de votre maison de disque?

    Eh bien, c’est un long parcours 25 ans, alors j’ai eu à m’adapter à plusieurs situations. Quand j’ai fondé la compagnie, on produisait des vinyles, puis on est passé aux CDs, et maintenant c’est le format numérique en plus du vinyle qui revient, tout cela est assez incroyable. L’idée principale, c’est de diffuser cette musique. En ce moment, l’industrie est complètement chamboulée. C’est assez compliqué de s’y retrouver, mais je garde toujours en tête que c’est important d’enregistrer ces musiques, et de les rendre disponibles via le plus de plateformes possibles. On ne peut prédire ce que l’Histoire retiendra, mais je crois à cette musique, je l’aime, je la respecte et je lui accorde une tribune. J’ai un magasin virtuel sur www.actuellecd.com où on peut encore acheter des disques physiques. Ces musiques sont aussi distribuées sur des plateformes numériques comme iTunes et bandcamp. Et puis, si quelqu’un s’intéresse à l’un de ces musiciens et qu’il tape son nom par exemple sur Google, il va forcément arriver sur le site d’actuellecd.com, qui est référentiel. Le site propose des portraits de musiciens incluant la discographie de ceux-ci, des photos, des notices biographiques, des critiques et ainsi on retrouve un historique musical de l’artiste. C’est une mine d’or, il me semble!

    Et justement, en parlant de l’industrie musicale qui a beaucoup évolué, est-ce que vous avez eu l’impression que le rôle que vous aviez à jouer avec DAME depuis les 25 ans qu’elle existe a aussi changé?

    Oui, c’est sûr. Le monde est devenu plus individualiste, dans tout. Je travaille avec l’idée du collectif, parce que si l’on se met tous ensemble, on va être plus forts et l’on va avoir plus d’impact. Mais en règle générale, les artistes pensent maintenant qu’ils peuvent s’en sortir tout seuls. Avant, dans les années 1980, on ne pouvait pas, on était obligés d’être avec une major sinon on n’arrivait à rien. Ensuite, il y a eu une prolifération de compagnies et d’étiquettes indépendantes, et enfin, on en est arrivé au stade où les artistes peuvent s’autoproduire du début à la fin. Les artistes, désormais, font un album avec DAME, un autre avec une autre maison de disques et puis encore un autre à leur nom qu’ils gèrent eux-mêmes sur leur bandcamp… Il y a une multitude de sources, mais je pense que le cœur de DAME reste quand même une référence puissante et appréciée des artistes et du public.

    Quand vous enregistrez les artistes de DAME, y a-t-il un studio en particulier avec lequel vous travaillez, une salle de prédilection pour faire la captation de la musique, ou cela est spécifique à chaque cas?

    Je n’impose rien à personne, mais historiquement depuis le début d’Ambiances Magnétiques, plusieurs musiciens se sont associés au Studio 270 à Montréal, où Robert Langlois y est le preneur de son. Il doit y avoir près de la moitié des disques de DAME qui ont été faits là-bas. Mais les musiciens peuvent enregistrer leur album où ils veulent.

    Qu’est-ce qui vous a rendue le plus heureuse depuis ces 25 ans que DAME existe?

    Tout ce parcours a été d’une certaine façon un sacrifice pour moi, quand j’y pense. Je suis aussi musicienne, j’ai amputé plus de la moitié de ma vie de compositrice et d’instrumentiste à travailler chez DAME. Maintenant, je ne pourrais pas laisser couler le bateau. Pour la communauté de musiciens, pour mes amis, pour ma musique, j’en ai besoin d’une façon viscérale, c’est en moi, je veux toujours sortir de nouveaux disques, soutenir de nouveaux projets. Je suis vraiment contente après 25 ans de constater que DAME a tenu la route. On est une belle équipe, on travaille fort. Je suis encore fascinée par les nouvelles avenues que prend la musique, je vibre à ça. J’ose espérer qu’il y aura une vie future pour la structure et l’histoire qui y est archivée. C’est émouvant de penser que DAME est l’une des rares compagnies en musique spécialisée au Canada qui existe depuis 25 ans. D’ailleurs, dans le monde, on n’est pas beaucoup non plus.

    En quoi consiste votre affiliation avec Le Vivier? Qu’est-ce que cela vous permet mutuellement?

    Le Vivier est un diffuseur de musiques nouvelles qui regroupe plus de 30 organismes. Le milieu a travaillé à mettre sur pied Le Vivier car c’est important de créer un lieu identitaire fort pour les musiques nouvelles à Montréal et au Québec. DAME est un organisme satellite au Le Vivier, puisque c’est une compagnie de disques et que le principal objectif du Vivier est de présenter des concerts. Je suis également codirectrice de Productions SuperMusique, qui est aussi membre du Vivier et qui produit le concert du 16 février prochain. SuperMusique a d’ailleurs fêté son 35e anniversaire l’année passée, ça fait donc longtemps qu’on est impliqués ensemble et qu’on représente la musique actuelle et improvisée. Le Vivier est le petit nouveau dans tout ça, on fonde beaucoup d’espoir dans cette aventure car c’est stimulant d’avoir un lieu vibrant qui réunit le milieu.

    Pour terminer, pourriez-vous justement nous donner des détails croustillants sur cette grande soirée anniversaire qui a lieu le 16 février prochain au Gesù?

    On est très heureux de présenter ce concert! On va habiter trois lieux: le hall d’entrée, l’Espace Custeau et l’amphithéâtre du Gesù. Il va y avoir plusieurs prestations musicales, un kiosque de disques qui défie toutes compétitions, et des surprises! L’Ensemble SuperMusique (16 musiciens) interprétera, en première mondiale, une pièce commandée par Productions SuperMusique au tromboniste/compositeur Scott Thomson Archive/Mémoire, qui revisite le catalogue de l’étiquette Ambiances Magnétiques à laquelle s’ajoutera 7 autres prestations associées à des nouveautés discographiques.

    Cette soirée sera donc l’occasion de célébrer la vitalité, la richesse et l’enthousiasme des musiques nouvelles, avec:

    • Plus de 40 musiciens
    • 1 création de la pièce Archive/Mémoire
    • 8 performances musicales
    • 9 lancements d’albums (Ambiances Magnétiques, Collection qb)
    • 3 lancements d’albums numériques (Mikroclimat)
    • 1 kiosque de disques défiant toute compétition
    • + des surprises
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    1 février 2017
    Par Marc Chénard in La Scena Musicale (Québec), 1 février 2017

    Coupure de presse

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    17 décembre 2016
    Par Serge Truffaut in Le Devoir (Québec), 17 décembre 2016

    Texte

    «… la déstabilisation, l’aventure, l’étonnement sont au rendez-vous.»

    S’il fallait baptiser la constance, autrement dit lui choisir un nom propre, alors Hétu Joane, avec un n seulement au prénom et sans h, conviendrait à merveille. Oui, à merveille. Car cette femme qui est [saxophoniste], compositrice, animatrice, bruitiste — oui ça existe! — est également productrice déléguée de l’étiquette montréalaise Ambiances magnétiques depuis une bonne trentaine d’années. En d’autres mots, 30 ans, c’est un bail quasi emphytéotique.

    Cette longueur de temps permet par ailleurs d’avancer ceci: chez Joane Hétu, la constance se conjugue avec l’opiniâtreté. À l’évidence de ce trait de caractère, il en aura fallu des doses. On exagère? Nenni!

    Au fil du temps évoqué et si l’on a bien compté, Hétu a mis la main à la pâte sur environ 250 albums. Quand on sait combien il est très difficile de maintenir le cap lorsqu’on est à la barre d’une maison qui a une conception de la culture qui n’est pas celle des industries culturelles, celle dominée par la conception économique dite de l’achalandage, on se dit que 250 disques égalent autant de luttes. De combats incessants.

    Et dans quel but? Afin de donner leurs places aux musiques actuelles, de mettre la lumière sur les artistes qui combinent la musique contemporaine, le free-jazz, les folklores, l’improvisation… En un mot comme en mille, afin d’accorder toute sa place à la liberté. Celle de l’artiste, il va sans dire.

    Soyons honnête, voire franc du collier: des musiques actuelles, on ne connaît vraiment pas grand-chose. Mais voilà, comme on est un affreux privilégié — on reçoit leurs productions —, on a constaté, au fil des écoutes, que cette étiquette montréalaise était plus intéressante qu’ECM. On ne dit pas meilleure, mais bel et bien plus intéressante. Chez ECM, il y a toujours eu un «p’tit» côté BCBG qui explique, peut-être, une certaine timidité devant tout ce qui a trait à la prise de risque que commandent les musiques actuelles.

    On peut être agacé, interloqué, imperméable à cette esthétique, reste qu’elle est l’écho sonore d’un monde dont ses artisans s’appliquent à démonter la complexité. Au ras des pâquerettes, cela s’est traduit par ceci: la publication toute récente de Joker - Chorale bruitiste, sous la direction de Joane Hétu et de l’Ensemble SuperMusique fondé et animé par Danielle Palardy Roger.

    Pour reprendre les mots d’Hétu: «Joker s’intéresse aux sons marginaux, aux défaillances vocales, aux territoires périphériques, aux interstices entre les tons afin d’accéder à un chant choral, non par le biais du répertoire, mais par celui d’une langue à inventer.»

    À cela, on ajoutera que certains des textes déclinés par Joker, qui rassemble douze chanteurs plus un narrateur également chargé des ambiances sonores, sont inspirés du Livre des étreintes d’Eduardo Galeano (Lux éditeur) et de La fin des temps d’Haruki Murakami (Points).

    Quant à l’Ensemble, il regroupe 20 instrumentistes, plus 4 chanteurs, dirigés par Roger et [Jean] Derome. Ils détaillent quatre compositions excédant chacune les 10 minutes. Que ce soit avec Joker ou avec l’Ensemble, la déstabilisation, l’aventure, l’étonnement sont au rendez-vous. On ferait un film muet aujourd’hui que ces albums seraient les compagnons parfaits aux images. Car c’est peut-être cela, Ambiances magnétiques, la traduction sonore de toutes les images du monde mondial.

    blogue@press-5639 press@5639
    1 mars 2011
    Par Marc Chénard in La Scena Musicale (Québec), 1 mars 2011

    Texte

    «Il ne fait aucun doute que le milieu est considérablement fragilisé par cette politique du fédéral»

    Il y a de cela un an, une onde de choc déferla sur la communauté musicale lorsque le Conseil des Arts du Canada lui servit un cadeau empoisonné: d’une part, il annonça une augmentation de l’enveloppe budgétaire des subventions pour la production d’enregistrements sonores, mais de l’autre, il abolissait le programme d’appui aux musiques dites spécialisées. Peu importe que l’on soit un groupe de la relève faisant ses premiers pas, un ensemble de musique expérimentale ou une formation bien établie en musique pop, tout le monde était désormais placé dans le même bateau, avec les pires conséquences imaginables. Certains appréhendaient l’hécatombe, en l’occurrence la disparition de nombreuses étiquettes de disques indépendantes laissées pour compte dans l’attribution des fonds publics. Mais en cette nouvelle année, qu’en est-il de la prétendue déconfiture de ces musiques dites marginales?

    Si l’on considère le jazz, parmi d’autres musiques créatives, le désastre n’a pas eu lieu, du moins pour le moment. En fait, la production se maintient et les nouveautés continuent d’affluer. Il serait alors malvenu de sonner le glas, mais les impacts de ces politiques ne se font sentir qu’à plus long terme. Tel est le point de vue de Joane Hétu, directrice du label Ambiances magnétiques et de la maison de distribution DAME. «Il ne fait aucun doute que le milieu est considérablement fragilisé par cette politique du fédéral, mais cela ne nous a pas empêchés de produire plusieurs titres l’an dernier (voir ci-dessous) et d’en ajouter de nouveaux à notre catalogue.» Au moment de cette conversation, le tout nouvel enregistrement du trio Derome-Guilbeault-Tanguay venait d’arriver au bureau (album dont nous reparlerons autour de son lancement, prévu pour le printemps). «En 1992, poursuit-elle, j’ai assisté au passage du vinyle au CD en plus d’avoir mis sur pied DAME, un travail considérable que je devais gérer de front avec ma carrière artistique. Après tout ce temps, une certaine fatigue s’installe et j’ai envie de passer le flambeau.» Pour l’avenir, toutes les options sont ouvertes, maintient-elle, son souhait le plus ardent étant de trouver des successeurs prêts à négocier le prochain tournant, soit celui du format compact au mode virtuel. Avis aux intéressés.

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    19 février 2011
    Par Chantale Laplante in Cette ville étrange (Québec), 19 février 2011

    Texte

    [Entretien audio #1: à propos de Nous perçons les oreilles, 9min20sec; Entretien audio #2: à propos de la pièce Le mensonge et l’identité, 19min20sec]

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    23 octobre 2010
    Par Catherine Lalonde in Le Devoir (Québec), 23 octobre 2010

    Texte

    «En résulte une pièce à numéros, organique, faite de petites bulles qui remettent en question le territoire, l’amour, la mort, l’art et la politique.»

    Saxophoniste et chanteuse, aussi codirectrice des Productions SuperMusique et cofondatrice de la maison de distribution de disques DAME, Joane Hétu mène depuis trente ans son bonhomme de chemin de musicienne. Elle s’est frottée à la danse en composant, accompagnant ou improvisant pour O Vertigo, Danse-Cité ou Andrew Harwood. Et elle écrit ses propres spectacles, y cherche la friction entre les genres, le réel interarts. «On aime beaucoup les comètes, en art, mais m’intéressent surtout les gens qui ont une pratique très longue, qui mûrissent, qui font ce travail de peaufiner leur langage, admet avec philosophie la musicienne. On n’a pas tous le même rôle en art. Si j’avais le choix, je ferais la musique que le monde aime, et je ne sais pas pourquoi je suis “pognée” avec ce parcours d’avant-garde, ce travail dans l’ombre, à repousser tranquillement les frontières. C’est mon rôle, ma fonction. Tout ce que j’ai à faire, c’est d’être à l’écoute, de respecter l’art qui émane de moi, de lui donner sa chance.»

    Cette fois, ce sont des textes qui ont inspiré à Joane Hétu cette Femme territoire ou 21 fragments d’humus. Shakespeare, Tchekhov, Rilke et le poète grec Constantin Cavafy. «Je voulais porter ces textes, ils devenaient essentiels, il m’était impératif de les partager», précise-t-elle. Des textes dits de sa voix de cinquantenaire, de celle de la danseuse, chanteuse et chorégraphe Susanna Hood, dans la quarantaine, et des jeunes tonalités d’Alice Tougas St-Jak, musicienne de quelque vingt ans. S’ajoutent les musiciens Isaiah Ceccarelli et Jean Derome, et la vidéo de Mélanie Ladouceur. «J’aime les équipes bigarrées, avec des gens de tous les âges. Je voyais, pour le spectacle, une troupe de nomades qui se promène, des musiciens qui jouent avec très peu d’instruments, une musique ténue, atmosphérique.» Musique de rien, de voix et de corps aux présences travaillées avec une autre chorégraphe, Catherine Tardif.

    En résulte, dit la directrice artistique, une pièce à numéros, organique, faite de petites bulles qui remettent en question le territoire, l’amour, la mort, l’art et la politique. «Cette femme territoire est immense. L’idée de territoire, c’est autant la Terre, ma chambre, le Québec, mon âme… une femme qui devient vastitude.» Un projet, dit la créatrice, charnière pour elle, qui pourrait l’entraîner dans une nouvelle direction.

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    1 septembre 2009
    Par Sophie Stévance in L’éducation musicale #562 (Québec), 1 septembre 2009

    Coupure de presse

    blogue@press-10562 press@10562
    20 juin 2009
    Par Serge Truffaut in Le Devoir (Québec), 20 juin 2009

    Texte

    […] Comme bien de ses «cousins» européens, on pense à Banlieues Blues ou au Festival de Millau, l’Off Festival est devenu une plate-forme essentielle comme incontournable pour ces artistes et amateurs qui ont le grand large comme horizon sonore. Dit autrement, qui récusent le ronron conservateur. À cet égard, une étiquette montréalaise portée à bout de bras par Joane Hétu et deux ou trois autres personnes mérite d’autant plus des milliers de coups de chapeau qu’elle résume à elle seule ce renouveau musical. Il s’agit évidemment d’Ambiances Magnétiques / DAME, qui distribue aussi les productions de Damian Nisenson, Bomata, etc. […]

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    1 septembre 2008
    Par Lawrence Joseph in Signal to Noise #51 (ÉU), 1 septembre 2008

    Texte

    The eighth annual Suoni per il Popolo spanned a month and covered a huge range of musical genres. Over 50 concerts took place in two venues located across the street from each other in Montréal’s artist-filled Mile End neighborhood. It gave fans of free jazz, experimental rock, avant folk, contemporary classical, electronic, and improvised musics plenty to get excited about. Add a workshop with the Sun Ra Arkestra, street performance art, DJ sets and an outdoor day of music and children’s activities, and you have an unbeatably eclectic event. […]

    The festival kicked off with two shows that exemplified what it does best. The more intimate Casa del Popolo was the venue for a free jazz blowout with saxophonist Glen Hall, bassist Dominic Duval, and drummer William Hooker, […] Hall keeps a relatively low profile, despite having studied with Ligeti and Kagel and played with the likes of Roswell Rudd, Jimmy Giuffre and John Scofield. The compositions in the first set paid tribute to some of his influences, while the second set shifted to freely improvised territory, with Montréal’s young trumpet luminary Gordon Allen sitting in to add blistering sound blasts and overblowing to the mix. At times this resembled the more noise-based music Hooker has made with Thurston Moore. […]

    Allen was a fixture at the festival, playing in seven shows during the month, including guitarist Rainer Wiens’ version of Riley’s In C.

    Another evening featured the debut of All Up In There, a trio of Allen, Michel F Côté on percussion, and Frank Martel on Theremin. Martel often played the theremin as if it were a stand-up bass, while Côté, when not playing kit, obtained a surprising variety of sounds from winging two mics around Pignose amps. The overall effect was more like a group of virtuosic Martians than a standard jazz trio. […]

    Christof Migone’s performance piece Hit Parade took place outside on a busy Saint-Laurent Boulevard, taking over the sidewalk and one lane of traffic. Eleven people lay face down on the pavement, each pounding a microphone into the ground exactly one thousand times, at varying speeds. The sound of a giant asynchronous metronome prompted ironic thoughts in this listener about the usual meaning of the phrase “hit music,” and about pounding the pavement as a metaphor for life. […]

    The Quatuor Bozzini, a string quartet dedicated to contemporary music, performed a selection of pieces by experienced improviser/composers. Malcolm Goldstein’s four-part structured improvisation A New Song of Many Faces for in These Times (2002) was by turns gentle and harsh, agitated and introspective, as melodic and rhythmic fragments were passed from one member of the quartet to another. Goldstein himself performed Hardscrabble Songs, a 13-minute solo piece for voice and violin. Jean Derome and Joane Hétu’s Le mensonge et l’identité (“Lies and Identity”) is an hour-long tour de force with a strong socio-political component. The Bozzinis’ spoken contributions (both live and on prerecorded tape) ranged from pithy quotes from philosophers and politicians to personal anecdotes. The music deliberately unraveled into chaos, the players moving music stands and chairs about the room in response to unsynchronized metronomes, tipping over stands as the scores on them were completed. […]

    blogue@press-3629 press@3629
    24 mai 2008
    Par Serge Truffaut in Le Devoir (Québec), 24 mai 2008

    Texte

    Enfin! Bravo! Merci aux organisateurs de L’OFF Festival de Jazz de Montréal d’avoir accompli un retournement temporel. La neuvième édition de cet événement ne se tiendra pas simultanément à l’autre, le «gros», si l’on peut se permettre. Après s’être rendu compte que l’offre musicale se confondait avec hyperinflation au début de l’été, les responsables de l’Off ont décidé de devancer les dates. Bref, il se déroulera du 13 au 21 juin.

    La deuxième modification apportée est géographique. Adieu le Patro Vys, bonjour le Dièse Onze, qui a ceci de bien qu’il est un club de jazz à l’année. Jazz et resto situé au 4115 A du boulevard Saint-Denis, pour être précis. Les autres points de chute sont les mêmes que ceux de l’édition antérieure: le Lion d’or et le Pub Saint-Ciboire. Auxquels s’ajoutent cette année…

    … La Sala Rossa. Et là, si l’on peut dire, c’est l’autre bonne nouvelle de cette année. Voici de quoi il s’agit: les organisateurs de l’Off se sont associés à ceux du festival Suoni per il popolo, qui se tiendra du 1er au 30 juin. Cette alliance, selon les confidences de Jean-Jules Pilote, cheville ouvrière de l’Off, devrait s’étoffer au cours des prochaines années.

    C’est à espérer. Car au cours des prochaines semaines, ce duo d’organisateurs va proposer deux spectacles à La Sala Rossa: le Sun Ra Arkestra, dont on a parlé la semaine dernière, le 14 juin, et le Barnyard Drama, le quartet Lauzier, Myhr, Martel, Tétreault ainsi que Gordon Allen le 15 juin. Prix du billet de Sun Ra: 25$, alors que celui du lendemain se détaille entre 14 et 16$.

    Puisqu’on décline les histoires d’espèces sonnantes, il faut insister sur un fait économique fondamental. C’est sérieux, très sérieux même. Le rapport qualité/prix inhérent aux shows de l’Off est REMARQUABLE! Le coût d’entrée des spectacles à l’affiche du Dièse Onze est de 8$. Ceux du Pub Saint-Ciboire sont gratuits. Ceux du Lion d’or: 20$ en prévente ou 25$ à la porte pour deux shows ou 15$ pour celui débutant à 21h30. Pour les détails, on peut se renseigner au lofffestivaldejazz.com

    Bon. Après lecture du programme, six des shows au Lion d’or sont à retenir: la Fanfare Pourpour, qui aura l’accordéoniste et chanteur suédois Lars Hollmer pour invité. Cette fanfare à la veine humoristique indéniable est toujours dirigée par l’immense Jean Derome. Quoi d’autre? Il suffit d’écouter leur album paru sur étiquette Ambiances Magnétiques pour s’apercevoir que les membres de cette grande formation excellent dans l’alchimie des folklores du monde.

    Le 18 juin, le saxophoniste et clarinettiste Chet Doxas va proposer un spectacle propre à aiguiser toutes les curiosités: Le Mur de Jean-Paul Sartre. Doxas a composé une série de thèmes inspirés, donc, de ce chef-d’œuvre littéraire qu’il interprétera en compagnie de Stéphane Allard et Zoé Dumais aux violons, de Jean René à l’alto, de Sheila Hannigan au violoncelle, de Zack Lober à la contrebasse, de son frère Jim à la batterie, tous sous la direction de Jon Sapoway.

    Le même soir, mais après Doxas, les musiciens phares des labels DAME et Ambiances Magnétiques vont occuper la scène pour improviser à tout va. Autour de Derome, on retrouvera Joanne Hétu au saxo, Charity Chan au piano, Diane Labrosse à l’échantillonnage, Lori Freedman à la clarinette basse, Guido Del Fabbro au violon, Rainer Wiens à la guitare et l’incontournable Pierre Tanguay à la batterie.

    Le 20 juin, le très courageux, le musicien essentiel, le contrebassiste battant Normand Guilbeault va décliner ses compositions retraçant la vie de Louis Riel. Il sera flanqué de quatorze musiciens, narrateurs et projectionnistes. C’est au Lion d’or le 20 juin à 20h. La veille, au même endroit, on aura droit à l’accouplement jazz et poésie avec José Acquelin, Renée Gagnon, Hélène Monette, Carole David et Jean-Marc Desgent.

    Enfin, le 21 juin, l’affiche est alléchante parce que… parce que… le saxophoniste Janis Steprans a réuni trois autres saxos autour de lui pour clôturer cette 9e édition. André Leroux sera au soprano, David Bellemare au ténor, Jean Fréchette au baryton et Steprans, bien entendu, à l’alto. Simon Lévesque à la contrebasse et Dave Laing à la batterie vont rythmer le tout.

    Les billets sont en vente à L’Oblique, à L’Échange, à L’Articulée ainsi qu’à la Casa Del Popolo et à Cheap Thrills pour les shows du 14 et du 15 juin.

    blogue@press-3578 press@3578
    22 mai 2008
    Par John Kelman in All About Jazz (ÉU), 22 mai 2008

    Texte

    «Derome’s two pieces were a fitting opening for the festival, demonstrating the boundary-busting, genre-defying breadth of Musique Actuelle.»

    Montréal-based saxophonist Jean Derome has been on the bleeding edge of the contemporary blending of complex, cued composition and unfettered free improvisation for over twenty years. For his performance — which kicked off FIMAV’s 25th edition at the Cinema Laurier — he brought an expanded edition of his Dangerous Zhomes quintet, fleshed out with an additional seven musicians, premiering two new pieces, the 35-minute Traquenards and the shorter, but no less challenging Plates-formes, named after Productions Platforms, the organization behind FIMAV.

    It was an expansive palette, featuring reeds, strings, voice, guitar, bass, drums and turntables. Contemporary classicism reminiscent of groups like Univers Zero juxtaposed with moments of chaotic collective spontaneity, with a sonic landscape reliant equally on conventional acoustic sounds as it was the unorthodox, most notably from vocalist Joane Hétu, who brought her own multi-media project, Filature, to the final day of FIMAV 2007. More about texture than melody, Hétu comes from the same school as vocalists like Meredith Monk and Sidsel Endresen, but has her own unconventional slant to making the voice guttural, percussive and, at times, akin to white noise.

    Traquenards took full advantage of the potential for subsets within the group, with pianist Guillaume Dostaler and trumpeter Gordon Allen creating a lulling sense of ease before suddenly being engulfed in a flurry of reckless, anarchistic free play from the entire twelve-tet. Rock beats from bassist Pierre Cartier and drummer Pierre Tanguay — another Montréal actuelle mainstay, whose 2007 performance at the Ottawa Jazz Festival with bassist John Geggie and viola da gamba player Pierre-Yves Martel was a highlight of that festival—alternated with dark, complex ensemble passages where clarinetist Lori Freedman meshed with Derome’s various saxophones and flute along with Nadia Francaville’s violin and Jean René’s viola to paint a chamber music soundscape at once appealing and foreboding. Guitarist Bernard Falaise ran the gamut from scratchy tones to wild feedback, contributing sonic colors alongside turntablist Martin Tétreault, last heard at FIMAV 2005 with Michel F Côté.

    Derome’s two pieces were a fitting opening for the festival, demonstrating the boundary-busting, genre-defying breadth of Musique Actuelle.

    blogue@press-3562 press@3562
    15 mai 2008
    Par Mathieu Bélanger in Panpot (Québec), 15 mai 2008

    Texte

    «One of the nicest moments of Plates-formes occurred when he directed the ensemble to alternate between duos of Walsh’s trombone or Hétu’s vocals with Tanguay’s drumming and blasts of white noise by the other nine musicians.»

    Very few musicians and musical events share a history as intimately related as that of Jean Derome and the Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville. In this regard, the Montréal-based saxophonist, flutist, composer and core member of the Ambiances Magnétiques collective seemed like a natural choice to open the 25th edition of the FIMAV.

    For the occasion, Derome presented a project called Jean Derome et les Dangereux Zhomes + 7, that is the long-running then-sextet-now-quintet of Derome, trombonist Tom Walsh, pianist Guillaume Dostaler, electric bassist Pierre Cartier and drummer Pierre Tanguay augmented with seven musicians. More specifically, the original Zhoms were joined on stage by Joane Hétu on vocals, Lori Freedman on clarinets, Gordon Allen on trumpet, Bernard Falaise on electric guitar, Martin Tétreault on turntables and electronics, Jean René on viola as Nadia Francavilla, the latter probably unknown to most “musique actuelle”/jazz/improvised music listeners, but better-know for her work with the Quatuor Bozzini.

    It was meant, not without a pun, to describe this project as Derome’s special commemoration project. Indeed, it was first put together in December 2007 to celebrate the 25th anniversary of Traquen’art, a Montréal-based improvised music and world music production organization. The second ever concert happened as part of the FIMAV whose 2008 edition was, as mentioned above, its 25th. As a matter of fact, Derome himself seems to have marked the pun with the titles of the compositions performed. The first was premiered at their debut concert and is called Traquenards. The title of the second is Plates-formes, for the organization behind the festival is called Productions Plateformes.

    At around 30 to 35 minutes each, both Traquenards and Plates-formes were actually suites more than pieces, meaning they consisted of multiple sections lasting from 5 to 10 minutes. They reflected the eclecticism of Jean Derome’s musical universe for they suggested through references of jazz, rock, contemporary music, electronic music or even noise, but also integrated some of these styles’ formal characteristics. It is also worth mentioning that the ideas of trap (English for the French word “traquenard”) and platform (the English translation of the French word “plate-forme” as one will have already guessed) acted as inspiration for the writing of the two suites, although this was not always obvious judging from the music, but it probably was not always meant to be, either.

    Derome’s use of the 12-musician ensemble as a whole was diversified. One of the nicest moments of Plates-formes occurred when he directed the ensemble to alternate between duos of Walsh’s trombone or Hétu’s vocals with Tanguay’s drumming and blasts of white noise by the other nine musicians. At other times, the 12 musicians played Derome’s themes at unison.

    However, there still remained room for each musician to demonstrate his/her craft. In this respect, one section of Traquenards consisted of Dostaler starting something on the piano until Falaise, Hétu or Tétreault made a noise, at which point he had to start something else. Needless to say they had a little fun with the concept, either forcing Dostaler to change very quickly or leaving him to develop some material for longer than he would normally have.

    Oh, and before anyone asks, the balance and volume level was great in the Cinéma Laurier so the music could be appreciated in all of its details.

    In conclusion, if anyone has a 25th anniversary coming up, he definitely should consider asking Jean Derome et les Dangereux Zhoms + 7 to play. You’re likely to hear some pleasant music, just like the spectators did on that evening of May 15th.

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    6 février 2008
    Par Marvin in Free Albums Galore, 6 février 2008

    Texte

    «They mix well with the larger ensemble creating a well thought out atmospheric work.»

    Le GGRIL is that most cumbersome of all musical monsters, the avant-garde big band. The nature of the big jazz band is to allow improvisation over tightly structured arrangements. The big band is practically the opposite of avant-garde jazz which often respect freedom of sound over tonality, structure, or even rhythm.

    Le GGRIL is centered in Québec, Canada and walks a tightrope between the improvised and the structured. The band’s arsenal of imaginative players borrow as much from post-classical as from free jazz. Their personnel is changeable but the unusual assortment of saxes, clarinet, accordions, violins, guitar and percussion seems to be the norm. The free self titled album has four tracks. Tracks 1, 2, 4 are directed by alto saxophonist Jean Derome with Fire + Bebelle most closely related to jazz. Tracks 2 and 4 are quieter and makes good use of long tones and well placed silence. Derome’s direction and playing is center toward exploring sounds and environment more so than totally free improvisation.

    The same can be said for track 3 which is an extended 11 minute work featuring the improvisatory trio of Les Poules. Alto saxist Joane Hétu, percussionist Danielle Palardy Roger, and samplist Diane Labrosse tends to prefer long drones with free improvisation as accent. They mix well with the larger ensemble creating a well thought out atmospheric work.

    The album is available from the excellent Insubordinations netlabel in 320kbps MP3.

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    2 février 2008
    Par Dyane Raymond in SuperMusique (Québec), 2 février 2008

    Texte

    «C’est une musique personnelle, au sens où elle transmet l’incroyable générosité de l’artiste dans son adresse à l’autre.»

    Trois soirs, trois concerts pour présenter Récits de neige, troisième volet du tryptique Musique d’hiver de Joane Hétu.

    La musique, elle, continue d’exister au-delà du spectacle, va plus loin. Elle ouvre l’atelier de Joane Hétu et permet d’en découvrir et d’en explorer la structure: des lieux bâtis avec force, une incroyable patience et une vision bien ancrée dans le réel, temps et espace. Comme dans Filature sa précédente composition, la musique de Récits de neige donne à voir et à entendre la complexité de la construction, l’enchevêtrement des idées, des images, des sons, des paroles. C’est une musique personnelle, au sens où elle transmet l’incroyable générosité de l’artiste dans son adresse à l’autre - l’écoute, la perspicacité, l’attention: un donné jamais posé comme certitudes, mais comme chants pour le dire, annoncer les couleurs, clamer l’amour, réclamer le juste et la paix.

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    30 janvier 2008
    Par Frédérique Doyon in Le Devoir (Québec), 30 janvier 2008

    Texte

    «Ce qui m’intéresse aujourd’hui, c’est de créer des shows-concepts, plus habillés, plus complexes qu’un concert…»

    Joane Hétu conclut son triptyque sur l’hiver avec Récits de neige

    Et de trois. La compositrice Joane Hétu conclut son triptyque sur l’hiver avec Récits de neige. On aura beau lui reprocher d’être trop longue, la saison froide peut être inspirante, surtout quand elle enveloppe la ville de son manteau blanc.

    «J’aime l’hiver, j’aime le son, l’effet cocon que ça produit», confie la saxophoniste-vocaliste, aussi membre de l’étiquette Ambiances magnétiques et présidente de la maison de disques DAME. «C’est une saison qui a toujours été créative pour moi. Dans l’industrie du disque, janvier, février et mars sont plutôt tranquilles, ça laisse du temps pour composer. C’est précieux.»

    Elle amorçait l’aventure hivernale en 2000 avec Musique d’hiver, alors que les Productions SuperMusique (qu’elle codirige) articulaient leur programmation autour des quatre saisons. Trois ans plus tard, la saison blanche lui inspirait Nouvelle musique d’hiver, avec promesse d’un troisième et dernier chapitre.

    Comme ses deux spectacles frères, Récits de neige se divise en quatre mouvements. Mais ce spectacle-ci, qui réunit sept musiciens-improvisateurs (les routiers Jean Derome, Diane Labrosse, Pierre Tanguay, deux nouveaux collaborateurs, Alexandre St-Onge et Scott Thomson, en plus de Joane Hétu elle-même), recentre son propos sur la neige, plus spécifiquement sur la géométrie du flocon.

    «Il fallait que j’aille à l’essence même de l’hiver: la neige. J’espérais composer 30 courtes pièces que les musiciens pourraient amalgamer comme ils veulent, comme des flocons, qui ont chacun une géométrie différente.» L’esprit des petits fragments est resté, mais la complexité du procédé et le manque de temps de création ont obligé la musicienne à prendre une autre direction.

    «J’ai demandé aux musiciens de raconter des anecdotes, des souvenirs liés à l’hiver et à la neige», raconte-t-elle.

    Après l’approche plus personnelle et ambiante du premier volet et celle, plus documentaire et bruitiste, du second, le troisième opus pour instruments acoustiques et électriques réunit les deux factures, avec des moments parlés, des mélodies et des segments plus abstraits. Les projections visuelles, discrètes dans les deux autres productions, prennent de l’ampleur sous la gouverne de Mélanie Ladouceur.

    «Je voulais m’investir dans l’idée que les autres formes d’art sont au service de la musique», explique Joane Hétu. Sa dernière production, Filature (2006), la plus ambitieuse de sa carrière, mettait en scène danseurs et images vidéo, constituant une forme de théâtre sonore qu’elle souhaite approfondir. Cette production lui a d’ailleurs valu le prix Freddy Stone.

    «Ce qui m’intéresse aujourd’hui, c’est de créer des shows-concepts, plus habillés, plus complexes qu’un concert», dit celle qui a d’abord joué les rockeuses déjantées au sein des formations Wonder Brass et Les Poules avant de se tourner vers la musique actuelle.

    Cette nouvelle création de théâtre sonore fera l’objet d’un CD l’an prochain, à l’instar des deux premières productions hivernales.

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    1 décembre 2007
    Par Stuart Broomer in Musicworks #99 (Canada), 1 décembre 2007

    Texte

    «… the work combined medieval and contemporary music elements in a seamless way…»

    […] One of the things FIMAV does best is provide a window on what’s lively in current Quebec music. A longtime collaborator with Montréal’s Ambiances Magnétiques scene, the festival this year presented composer-saxophonist Joane Hétu’s Filature, a lyrical work with roots in her early work as a weaver. It’s a three-part work, scored for ten musicians - who included cellist Mélanie Auclair, bassist Normand Guilbeault, and saxophonist Jean Derome - with images appearing on three screens that begin with moving and combining threads that go through various colour and tempo shifts. In three parts, the work combined medieval and contemporary music elements in a seamless way, beginning with an all-male quintet, then following with an all-female, before the two combined for the third and final movement. […]

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    1 octobre 2007
    Par Yvan Maurage in Les Nouvelles d’Archimède #46 (France), 1 octobre 2007

    Texte

    «On fait l’expérience d’une émotion brute, fondamentale en assistant à son interprétation de Filature avec l’Ensemble SuperMusique

    En 2007, toute la terre est occupée à s’imprégner de simulacres télévisés, téléphonés, encodés. Aucune Muraille de Chine ne résiste à Google, clé omnipotente. Rien ici ou là qui ne puisse dans la seconde franchir océans et continents. Aussitôt advenu tout sera connu, répertorié, normalisé, banal… Tout? Non! À l’écart de la planète enrégimentée, des «villages» singuliers résistent encore et toujours à la normalisation. Et la vie retrouve sel et sens pour qui rencontre les Irréductibles parmi nos semblables. La musique, fade poudre instantanée, s’est-elle dissoute dans l’onde électromagnétique universelle? Pas toute la musique! se réjouissent les auditeurs de Joane Hétu, chanteuse et saxophoniste québécoise. On fait l’expérience d’une émotion brute, fondamentale en assistant à son interprétation de Filature avec l’Ensemble SuperMusique. Filature transpose sur scène le passé de tisserande de Joane Hétu, en trois actes qui «filent» la métaphore: la Chaîne (cinq hommes), la Trame (cinq femmes), le Motif (orchestre complet… et public ébahi). Contrepoint de virtuose sobriété, la vidéo de Pierre Hébert pare en direct les sons de Hétu, Auclair, Del Fabbro, Gignac, Guilbeault, Labrosse, Roger, Tanguay, Venba et de l’ange oumupien Jean Derome… Programmateurs de concerts, invitez sans délai ces Québécois sur le vieux continent: ce serait la pire surdité que de ne vouloir les entendre.

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    1 juillet 2007
    Par Kurt Gottschalk in Coda Magazine #334 (Canada), 1 juillet 2007

    Texte

    […] Weaving is right up there with painting and sports as hackneyed clichés for describing music, but Joane Hétu’s Filature took a tight focus on each thread and every tie in her tapestry. The piece, performed with Montréal’s Ensemble Supermusique, was based on her time spent as a fabric colourist, and effectively displayed her personal sense for composing and arranging and for turning nostalgic memories into music. Pierre Hébert’s real time video manipulations, tight shots of cloth and twine, supported Hétu’s musical vison well. […]

    blogue@press-3375 press@3375
    1 juin 2007
    Par Bruce Lee Gallanter in Downtown Music Gallery (ÉU), 1 juin 2007

    Texte

    «Joane has a gift for breaking up the melody and having different members share their lines so that whole band sounds like one refined tapestry of sound.»

    […] The final day began with a wonderful set by Joane Hétu’s Ensemble SuperMusique called Filature. Joane Hétu runs the great label from Montréal, Ambiances Magnétiques. Her longtime partner is Jean Derome and both of them play alto sax, do vocals and compose at length. Both Joane and Jean consistently release excellent, diverse discs on Ambiances Magnétiques and I always look forward to any project that either works on. Just about every year, someone from this label (like Diane Labrosse, Normand Guilbeault, Danielle Palardy Roger or Pierre Tanguay) does something special up at Victo. Filature is Joane Hétus most ambitious project yet and it will take a while to absorb its many layers of ideas. It featured ten musicians, five women and five men with Pierre Hébert doing video projections. Joane refers to it as sound/theatre and that sounds right. Joane was once a weaver before concentrating on becoming a musician and the theme of weaving is the central thread throughout this work. The first part is called The Warp and featured the five men on alto sax or flute, violin, trumpet, contrabass and drums. The music was an exquisite blend of lovely harmonies, short drones, acappella vocal sections and haunting music. The video images were of a single tree branch with some occasional growth. The second part, The Weft featured the five women musicians on violin, cello, flutes, sampler, percussion & alto sax. Most of the women contributed charming vocal sounds along with their contemplative, cinematic music, sometimes sparse but always enchanting. The third and final part was called The Pattern and it featured all ten musicians. It began with just a few repeating notes and evolved through different grooves and sections. I love the way the vocals and instruments shared stunning harmonies with each other. Joane has a gift for breaking up the melody and having different members share their lines so that whole band sounds like one refined tapestry of sound. It reminded of the superb magic-music that Fred Frith’s Keep the Dog used to play and yes, Jean Derome was an integral part of that band many years ago. The images of twine, knots, rope, faces and hands connected with the music just right. It was a marvelous set and I can’t wait for it to be released on disc! […]

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    16 mars 2006
    Par Réjean Beaucage in Voir (Québec), 16 mars 2006

    Texte

    «Pour une fois, j’ai l’impression de donner à ma musique les moyens du théâtre»

    Joane Hétu boucle la boucle en retrouvant ses racines de tisserande pour fabriquer une véritable courtepointe où s’entremêlent théâtre, vidéo, danse et musique actuelle.

    À première vue, l’analogie entre un spectacle et un métier à tisser n’est pas évidente. Pourtant, les musiciens en conviendront aisément, eux qui doivent constamment mêler les textures et les couleurs, et répéter, toujours, des gestes pourtant chaque fois différents. Cent fois sur le métier…

    Joane Hétu, qui fut tisserande avant d’être saxophoniste, improvisatrice et directrice de la plus grande maison de disques de chez nous se consacrant exclusivement à la musique actuelle (Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera, ou DAME), a choisi de se réapproprier ce passé refoulé en utilisant métaphoriquement, pour la conception d’un spectacle de «théâtre sonore», les gestes des fabricants de tissus. «C’est du théâtre, explique-t-elle, dans le sens où il y a du texte, des costumes, et parce que l’on est en résidence à l’Usine C durant 10 jours, ce qui nous donne l’occasion de faire beaucoup de répétitions, comme une troupe, mais tout part de la musique. Et puis, pour une fois, j’ai l’impression de donner à ma musique les moyens du théâtre, avec un concepteur d’éclairages (Guillaume Bloch), un concepteur sonore (Bernard Grenon), un autre aux images vidéo (Pierre Hébert) et encore un aux costumes (Louis Hudon), avec deux danseurs (Daniel Soulières et Severine Lombardo) et un ensemble de dix musiciens.» La totale, quoi!

    La saxophoniste et chanteuse, à cause de son poste chez DAME, qui l’occupe passablement, n’a pas l’occasion de jouer autant qu’elle le voudrait, et cette frustration lui a même donné ces dernières années l’envie d’arrêter la musique complètement. «Un soir, j’ai eu un flash et je me suis dit que j’allais redevenir tisserande… Mais ce n’était qu’un flash. Cependant, comme je ne passe pas mon temps à imaginer de nouveaux projets musicaux, j’ai le temps de les approfondir et le petit flash, resté dans mon subconscient, est revenu et s’est imposé à mon processus créatif.»

    Imaginez un métier à tisser: les fils verticaux sont «la chaîne», les fils horizontaux forment «la trame», et l’entrecroisement des deux compose «le motif». Joane Hétu a utilisé ce modèle pour élaborer le plan de son spectacle: «Et en plus, je l’ai sexué! La chaîne, c’est le quintette d’hommes (Guido Del Fabbro, Jean Derome, Normand Guilbeault, Pierre Tanguay et Nemo Venba) et le danseur; ils jouent tout le temps, des sons tenus, parce que les fils de chaîne sont stables, ils sont attachés au métier et ils doivent être solides. On ne prend pas de la petite fibre de fantaisie pour la chaîne, mais du coton, du lin, de la laine ou de la soie; du solide. Pour la trame, par contre, tu peux utiliser tout ce que tu veux, et le varier. Ma trame, le quintette de femmes (Mélanie Auclair, Claire Gignac, Joane Hétu, Diane Labrosse et Danielle Palardy Roger) et la danseuse, sera donc composée de 25 variétés de «fils» - c’est un jeu complètement différent de l’autre. Dans le troisième acte du spectacle, les deux se rejoignent. Il ne s’agira pas d’une simple superposition, mais c’est l’idée. C’est un spectacle dans lequel il y a très peu d’improvisation, parce qu’on ne peut pas tisser en improvisant…»

    Et on retrouvera ça sur disque? «C’est là que passent mes dernières économies! J’enregistre les trois soirs et j’en filme deux, pour un éventuel DVD. Après tout, je n’ai rien sorti depuis quelque temps, et puis… j’ai une compagnie de disques!»

    Joane Hétu: «Pour une fois, j’ai l’impression de donner à ma musique les moyens du théâtre».

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    16 mars 2006
    Par Mike Chamberlain in Hour (Québec), 16 mars 2006

    Texte

    Featuring 10 musicians, two dancers, costumes, sound, lighting and visual artists, Joane Hétu’s latest project, Filature (which will be performed tonight, tomorrow and Saturday at Usine C), is an ambitious one, perhaps the most ambitious in the history of Productions Supermusique.

    The large composition is based on Hétu’s experience as a weaver and her knowledge of how fabric is put together. The piece will be presented in three acts. The five male musicians (Jean Derome, Guido Del Fabbro, Normand Guilbeault, Pierre Tanguay, Nemo Venba) and the male dancer, Daniel Soulières, represent the warp (horizontal) yarn, which Hétu emphasizes is composed of strong, noble fibres. The five female musicians (Hétu, Mélanie Auclair, Claire Gignac, Diane Labrosse, Danielle Palardy Roger) and the female dancer, Séverine Lombardo, represent the weft (vertical) yarn, which is soft and flexible. In the concluding act, the 10 musicians and two dancers come together on stage to blend the music and textures of the first two acts into the whole fabric.

    Hétu is somewhat evasive when asked to translate the metaphor into a description of the music, other than to state that the warp sequence consists of sustained sounds and repeated sequences, while the weft is composed of tones, moods and dynamics.

    The project represents a connection between Hétu’s past life and interests and those of the present. For one thing, these days she finds herself more interested in compositions and projects based on conceptual themes and less on improvisation. Also, she says, as she gets older she has become interested in reconnecting with her past. Finally, Filature brings together artists with whom she’s worked for 20 years or more (Derome, Labrosse, Palardy Roger, Tanguay, Guilbeault), and younger performers such as Guido Del Fabbro and Séverine Lombardo, which also, to extend the metaphor, weaves different generations together.

    But we don’t want to stretch the metaphor to the breaking point, or wear it out, because, as Hétu says, “it all comes down to the music.”

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    15 mars 2006
    Par Frédérique Doyon in Le Devoir (Québec), 15 mars 2006

    Texte

    Dans les années 70, avant de devenir la musicienne qu’on connaît, Joane Hétu était tisserande. Une autre vie, qu’elle a longtemps reniée. Dans une période de doute et de désenchantement par rapport aux exigences d’une carrière en musique de création, elle a avancé l’hypothèse un peu farfelue d’un retour au métier de tisserand. Ainsi est née Filature, une œuvre pour dix musiciens et deux danseurs truffée d’images vidéo et d’éclairages.

    «J’ai revécu tous les gestes que je faisais dans le tissage, raconte-t-elle. Dès ce moment, c’est devenu clair que je voulais exprimer le fil qu’on monte sur un métier et celui qu’on passe à travers pour créer le tissu.» Elle a donc créé un théâtre sonore en trois actes — la chaîne, la trame, le motif —, plus construit, moins basé sur l’improvisation que d’habitude.

    «Pour une fois, j’ai eu la volonté de faire comme dans le théâtre : avec plus de répétitions, une conception d’éclairages, deux danseurs. J’ai appelé ça "théâtre sonore" parce que je voulais partir du texte, de la partition musicale; les autres éléments allaient s’y rattacher.»

    Joane Hétu évolue sur la scène canadienne des musiques actuelles depuis 25 ans. D’abord versée dans le rock déjanté des formations Wonder Brass, Justine et du trio Les Poules, elle s’est tournée vers un travail de composition plus abstrait, alliant textures sonores, texte et voix. Membre d’Ambiances magnétiques et présidente de la maison de disques DAME, elle a toujours aimé faire interagir différentes disciplines. La compagnie de concerts Productions SuperMusique, qu’elle codirige avec Danielle Palardy Roger et Diane Labrosse, a notamment conçu en 2002 la superbe fresque multimédia Each… and Every Inch, sur la vie et l’œuvre de l’écrivaine canadienne Elisabeth Smart. Pour ses 25 ans, SuperMusique a décidé d’accorder une part importante de son budget à la création d’une production plus importante. C’est au tour de Joane Hétu de piloter la sienne…

    L’esprit du tissage a ainsi déterminé la structure de Filature. Le premier acte ne met en scène que les créateurs-interprètes masculins — Guido Del Fabbro, Jean Derome, Normand Guilbeault, Pierre Tanguay, Nemo Venba et le danseur Daniel Soulières; le second acte, que les femmes — Mélanie Auclair, Claire Gignac, les trois codirectrices de l’Ensemble SuperMusique et la danseuse Séverine Lombardo.

    «Le fil de chaîne se doit d’être noble, il faut que la fibre soit solide, rappelle la tisserande. Le fil de trame peut être de toutes sortes de qualité, métallique, en velours, etc. J’ai répertorié 25 textures que j’ai transposées musicalement.» Tout ce beau monde se retrouve au troisième acte pour mettre en scène cet entrelacs de générations d’artistes, de musiques, de voix (des chansons écrites par Joane Hétu), de mouvements et d’images signées par le réalisateur Pierre Hébert.

    La vie est ainsi faite de hauts et de bas qui se nourrissent mutuellement. Quand le fantasme d’abandonner la musique a effleuré son esprit, Joane Hétu y a puisé l’essence même du plus imposant projet de sa carrière. «C’est quelque chose d’avoir une aussi grosse équipe. Ça arrive à point dans ma carrière. C’est la pièce qui représente le plus mon univers musical.»

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    1 mars 2006
    Par Paul Serralheiro in La Scena Musicale #11:6 (Québec), 1 mars 2006

    Texte

    «Musique actuelle is a hybrid form, born of mixing disparate things. Weaving has similar principles — the craft involves mixing various threads to create a pattem…»

    The role of music in the theatrical arts is usually a secondary one, used to highlight dramatic action or inspire a choraographer’s vision. Music seems mone abstract than words or gestures to most people. With her latest creation, Filature, premiered this month at Usine C, musique actuelle composer, vocalist and improvising saxophonist Joane Hétu sets out to show the theatrical potential of music and how other arts can be put to its service.

    During a recent conversation held at the offices of Ambiances Magnétiques, of which she is the label’s chief adminstrator, Hétu explained her vision as being inspired by the art of weaving, once an occupation of hers. “Musique actuelle is a hybrid form, born of mixing disparate things. Weaving has similar principles — the craft involves mixing various threads to create a pattem, a pleasing artistic form.”

    In this “Théâtre sonore” of hers, the threads are the instrumental “voices” of the musicians, with counterpoint provided by a pair of dancers, and important visual components including costumes, lighting and video projections. Still, the musicians are at the heart of this project, a point Hétu further elaborates upon. “I have to know who I’m writing for. I’m not just writing for a particular instrument — it starts with a particular musician.” The work is dividad into three acts, each based on a principle of weaving: Act I is titled Chaîne, Act II Trame and Act III Motif, weaving terms that translate as “warp”, “weft” and “weave”. “In the opening act, male musicians are on stage with a male dancer, followed by an all-female cast in Act II and all 10 musicians share the stage in Act III, their lines interweaving with each other’s. Most importantly, everything grows out of the music.”

    Even if there are improvised parts, Hétu hastens to add, “The music is mostly written, with the visuals borne out of the music.” In this way, the contributions of video artist Pierre Hébert, lighting designer Guillaume Bloch, costume designer Louis Hudon and sound engineer Bernard Grenon are all in keeping with the music. “So this is a turning of the tables, at least with respect to what usually happens with music and other performing arts,” explains Hétu.

    The musical component will be handled by some of musique actuellets best know characters, among them Jean Derome, Diane Labrosse, Pierre Tanguay and Normand Guilbeault, the featured dancers being Daniel Soulières and Séverine Lombardo. “We’re working with textures,” Hétu reminds us, “but the underlying structure behind these are the music. Always.”

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    1 janvier 2006
    Par Éric Norman in JazzoSphère #27 (France), 1 janvier 2006

    Texte

    «Vocaliste et saxophoniste au parcours atypique, elle est à la tête de DAME et organise concerts et événements…»

    Joane Hétu est une personne-clé de la musique improvisée à Montréal. Vocaliste et saxophoniste au parcours atypique, elle est à la tête de DAME et organise concerts et événements tantôt sous l’égide des Productions SuperMusique, tantôt dans la spontanéité des MercrediMusic.

    Bonjour Joane. Tout d’abord, peux-tu nous faire un bref résumé de ton partours pour nos lecteurs?

    Autodidacte, j’ai d’abord pratiqué, à l’aube des années 80, la chanson au sein des groupes de rock actuel Wondeur Brass, Justine et Les Poules, dont le rock ravageur d’avant-garde m’a fait connaître un peu partout en Amérique et en Europe. Ensuite avec mon propre groupe Castor et compagnie, j’ai proposé une réinvention de la chanson sensuelle à travers la musique actuelle.

    J’ai délaissé le rock depuis, mais n’ai pas entièrement abandonné la chanson, comme en témoigne mon projet Nous perçons les oreilles avec Jean Derome, dans lequel nous explorons cette région ténue entre le rire et les pleurs.

    Depuis le milieu des années 90, je me suis peu à peu tournée vers un travail de composition plus abstrait, alliant texte, texture et expérimentations vocales. On trouve cette recherche au centre de mon disque solo Seule dans les chants et du triptyque Musique d’hiver, dont le premier volet (Musique d’hiver) est paru sur Ambiances Magnétiques, le second (Nouvelles musiques d’hiver) a été présenté sur scène en mars 2003 et le dernier volet reste à paraître. Au cours des dernières années, je me suis intéressée de plus en plus à la composition de canevas d’improvisation, que j’ai présentés en Italie et au Canada, avec l’Ensemble SuperMusique dont je suis membre ou encore avec de petits groupes d’improvisateurs. À l’hiver 2006, je présente à Montréal mon projet d’envergure intitulé Filature qui fait appel à la musique, la danse et la vidéo expérimentale.

    La voix semble avoir toujours eu pour toi un rapport étroit avec la corporalité, avec les limites du corps: soit par la violence des effets à l’époque plus rock de Justine; par les thématiques sexualo-amoureuses de Castor et cies; mais surtout par la nature physique de ton chant, plus proche du grain que du mot. Comment envisages-tu cette pratique?

    J’aime la chanson mais je n’aime pas beaucoup chanter de la chanson. Par ma démarche en musique actuelle et mon approche d’instrumentiste (le saxophone alto), je ne me suis jamais sentie chanteuse dans le sens traditionnel du terme. Je suis plus attirée par la texture sonore et l’apport de la voix dans l’orchestre - au même titre qu’un instrumentiste - que par étre une chanteuse accompagnée d’un orchestre. Ma collaboration avec Diane Labrosse qui, dès la fin des annses 80, travaillait déjà à l’échantillonneur m’a amenée à m’intéresser aux sons digitaux et à explorer la voix dans le même sens que les textures sonores répétitives et bruitistes qu’elle produisait avec ses machines.

    Ainsi, depuis une quinzaine d’annces, j’ajoute à mon catalogue vocal plein de sonorités inhabituelles pour la voix. J’aime qu’on sente bien que mon instrument (lorsque je chante) est mon corps, un corps qui vibre, qui bave, qui crie, qui fait de la salive, ce qui apporte un côté animal et corporel à ma pratique, un aspect chamanique du chant qui m’attire énormément Je trouve ça assez amusant que mes recherches acoustiques, qui s’apparentent souvent à des textures électroniques, soient faites uniquement par la voix d’une femme. J’aime le contraste qui existe entre le fait que je sois seule debout avec un micro sur scène tandis que les autres musiciens recourent à leurs effets, leurs fils, leurs consoles, leurs objets. Et pourtant nous arrivons à des résultats souvent similaires. Je pense que c’est très intéressant comme dualité et complémentarité.

    Comment perçois-tu le lien entre improvisation et tradition orale dans divers folklores?

    La tradition orale folklorique est un leg de chansons, de mots, de comptines, d’histoires soutenus par un air, une mélodie qui traversent le temps grâce à une mémoire collective passée d’une génération à l’autre tandis que l’improvisation est une proposidon musicale instantanée, une composition musicale en temps réel en relation avec les autres musiciens présents. Donc, à mon avis, il n’y a pas beaucoup de liens entre les deux.

    J’ose imaginer que même pour les musiques dites populaires, il y a un certain aspect rituel dans la démarche des artistes. Il est vrai, qu’en improvisation, sans rituel, il n’y a pas de musique donc c’est partie prenante de la démarche. Cependant, comme je l’ai déjà dit, je pense que c’est la même chose pour les musiques populaires, à plus faible dose.

    Quelles ont été tes grandes révélations musicales?

    J’ai régulièrement de grandes révélations musicales. La musique est la chose qui m’intéresse le plus au monde (à part l’amour) et c’est d’une ampleur incroyable. Je n’aurai jamais assez de toute ma vie pour en faire le tour. Mais je veux bien faire l’exercice de répertorier quelques «révélations musicales» que je garde en mémoire.

    En 1984, à Paris, au 4e Congrès international Femmes et musiques, le concert de Jöelle Léandre et Annick Nozati. Une révélation, des femmes improvisatrices et engagées, nous n’étions donc pas les seules au monde. Dans les années 80, au Festival International de musique actuelle de Victoriaville, le concert solo de Fred Frith, qui jouait avec des objets et presque jamais de la guitare comme de la guitare. Un moment de liberté incroyable… Je me suis dit que je voulais faire de la musique dans cet esprit. En 1992, au Théâtre La Chapelle à Montréal, la première série de concerts de Jean Derome et les Dangereux Zhoms. Une musique qui swingue, des thèmes incroyables, des improvisateurs hors pairs, de la vraie musique quoi! En 2005, au Festival International de musique actuelle de Victoriaville, le groupe Hubbub. Un moment de grâce, la salle au complet flottait dans l’espace. Réussir à avoir un jeu si minimaliste et original, tout en gardant une musicalité et une intensité, c’était grandiose! Et tout de suite après, Anthony Braxton avec son ensemble. Réussir à jumeler improvisation, écriture, direction d’orchestre, complexité rythmique, spontanéité et virtuasité: une grande leçon de musique actuelle. En 2005, au Festival de jazz de Guelph, le solo de Lori Freedman, qui était retransmis simultanément sur Radio-Canada et que son pére mourant écoutait à l’hôpital, était d’une intensité, d’une limpidité, un vrai hommage à son père et un spectacle tellement puissant: quand la musique vaut mille mots.

    Rapidement, ce sont des concerts qui m’ont bouleversée mais à vrai dire je pourrais en nommer tellement. Si je continue l’exercice, des concerts que j’ai donnés qui ont été pour moi des «révélations musicales».

    En 1993, le premier concert de Nous perçons les oreilles à la Casa Obscura à Montréal, lors du vernissage de l’artiste Pierre Dumont. Première apparition en public de notre travail d’intimité et de partage entre Jean et moi et qui fut un réel moment d’euphorie musicale. En 1996, l’un des derniers concerts de Castor et compagnie, lors d’une tournée européenne, en Suisse. Nous avons touché à l’essence de notre groupe. Nous n’arrivions même plus à reconnaître les pièces mais nous étions tous ensemble. En 2005, dans le cadre de la série Volapük à Montréal, Les Poules qui reviennent de Russie et qui donnent l’un de leurs melleurs concerts, une espèce de musique de jazz électronique actuelle, de la grande improvisation, une complicité légendaire. Et pour terminer si je parlais de quelques disques ou pièces majeurs de ma vie:

    • Igor Stravinski - Symphonie de psaumes
    • Luciano Berio - Folks music
    • Gustave Malher - tous ses leiders
    • Duke Ellington - Brown and beige suites
    • Germaine Montero qui chante Mère courage
    • John Cage et David Tudor

    Quels sont tes projets pour 2006?

    Je fais une liste:

    • Présentation de Filature à l’Usine C - une pièce pour dix musiciens, deux danseurs, une cinéastre
    • Atelier de musique improvisé à Rimouski avec le GGRIL (grand groupe régional d’improvisation libérée);
    • Concerts de ma formation Les Poules à Montréal;
    • Composition d’un troisième volet de Musique d’hiver;
    • Préparation d’un troisième album pour Nous perçons les oreilles;
    • Production sur disque compact du deuxième volet de Musique d’hiver;
    • Présentation d’une série de concerts avec L’Ensemble SuperMusique et la troupe de danse Danse-Cité;
    • Concerts de ma formation Les Poules avec trois trios d’improvisateurs différents;
    • les mercredimusics;
    • toutes les choses que je ne sais pas encore.

    Bref continuer à faire de la musique et diriger DAME du mieux que je peux.

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    1 décembre 2005
    Par Francesca Odilia Bellino in All About Jazz Italy (Italie), 1 décembre 2005

    Texte

    Joane Hétu, nata a Montréal nel 1958, è vocalist e sassofonista. Suona dal 1980 e da allora è uno dei pilastri dell’avanguardia canadese. È autrice, compositrice ed improvvisatrice. È stata membro dei gruppi Justine e Wondeur Brass. Nel 1992 ha creato un proprio ensemble, Castor et compagnie, che realizza le sue canzoni, dai toni spinti e di indubbio fascino. La sua ultima discografia include dischi come Musique d’hiver (2001), Seule dans les chants (2000), con Castor et compagnie Mets ta langue (1995-98), Nous perçons les oreilles (2002, 1998), Langages fantastiques et (Suites) (1990-95).

    Per quest’occasione abbiamo incontrato la Hétu in veste di direttrice di DAME (Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera) e di co-direttrice di Productions SuperMusique e membro dell’etichetta Ambiances Magnétiques.

    •All About Jazz Italia: Hai iniziato a fare musica nel 1980 e da allora sei diventata uno dei pilastri della musica canadese contemporanea. Sei stata tra le fondatrici dei collettivi creativi Justine e Wondeur Brass. Dal 1982 hai diretto un tuo ensemble, Castor et Compagnie, che canta canzoni. Con un background così ricco, perché e in che momento della tua vita hai deciso che volevi mettere in piedi un’etichetta e incominciare il lavoro di direttrice di DAME e membro della produzione?

    Joane Hétu : Fin dall’inizio della mia carriera di musicista ho preso parte a delle strutture di diffusione della musica. Nel 1980 sono diventata co-direttrice di una organizzazione senza fini di lucro che si occupava di programmare i nostri concerti e dei tour, questa organizzazione esiste ancor oggi e si chiama Productions SuperMusique (all’epoca si chiamava Productions SuperMémé). Non ho fondato io Ambiances Magnétiques, ma sono stati nel 1983 René Lussier, Jean Derome, e André Duchesne Robert Marcel Lepage. Nel 1985 Wondeur Brass è stato invitato a unirsi al gruppo e così io, Diane Labrosse e Danielle Palardy Roger siamo diventati tre nuovi membri del collettivo. Qualche anno piùtardi Michel F Côté e Martin Tétreault si sono uniti al gruppo.

    A partire da questa adesione al collettivo, ho impiegato parecchio tempo, come tutti i suoi membri, per l’organizzazione dell’etichetta. Lentamente mi sono ritrovata ad avere ogni giorno sempre un pò più di responsabilità: la contabilità, la posta, gli ordini. Ero la persona più costante. Tutti si defilavano, ma io ero la persona che più sovente si trovava là. Il gruppo Ambiances Magnétiques cresceva e il funzionamento del collettivo diventava sempre più difficile da gestire e, a mio avviso, piuttosto inefficace.

    Nel 1990 abbiamo stampato 15 vinili e un primo titolo in compact disc, un cambiamento epocale. Alla fine di quell’anno, ho messo al mondo mia figlia Léa. Nell’aprile del 1991 ho fondato da sola DAME secondo le modalità di una "azienda a scopo di lucro" della nostra provincia e ho deciso di prendere definitivamente in mano le redini della gestione dell’etichetta avendo in mente di estendere ad altre etichette e musicisti i nostri servizi di diffusione con il nome di Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera, acronimo di DAME. Quindici anni dopo, Ambiances Magnétiques ha un catalogo di circa 150 titoli (135 dalla fondazione di DAME) e DAME amministra in un tutto un catalogo di 425 CD provenienti da diverse etichette di musica contemporanea [musique actuelle], inclusa Ambiances Magnétiques.

    Tutto questo preambolo per dire che, all’inizio della mia carriera di musicista, ho diviso il mio tempo tra la musica e la sua gestione. Sicuramente con l’arrivo di una figlia, mi sono sentita un po’ superata dalla mia vita di musicista improvvisatrice e ho pensato che sarebbe stato difficile mantenere un buon ritmo di concerti e tour avendo una figlia piccola e un marito, anche lui musicista. È con questo spirito che ho deciso di mettere più energie nella gestione dell’etichetta che nella carriera di musicista, il tutto cercando di conservare un certo equilibrio. È una scelta di cui mi pento ora? No, a che pro!

    •AAJ: Quando hai cominciato a suonare cosa ti ha avvicinato alla musica (improvvisata) e sono quelle le stesse cose che continuano oggi a guidarti?

    •J.H.: Essenzialmente sì. Il gusto del rischio, della sorpresa, dell’arte della comprensione e dell’autenticità del linguaggio. Il mio amore adolescenziale è stato il jazz, ma quando sono diventata musicista ho virato verso il rock. Wondeur Brass è stato una "band di figli del rock". Del rock non commerciale, intendiamoci, del rock in opposizione (termine di Chris Cutler). Spingevamo verso l’improvvisazione nel senso che c’era una sorta d’atelier, e improvvisando tutti insieme scrivevamo noi la nostra musica. Ma poi, in concerto, suonavamo i pezzi quasi sempre nello stesso modo. Lentamente, in contatto, gli uni gli altri, con musicisti come Fred Frith, Jean Derome, Joëlle Léandre, siamo stati attirati da un altro modo di fare. Una certa stanchezza ha preso piede e l’idea di essere relegati ad un repertorio e al suonare sempre la stessa cosa, poco importa il luogo e l’ora, non mi interessava più.

    Alla fine degli anni Ottanta, abbiamo cambiato nome, da Wondeur Brass a Justine e abbiamo cambiato anche il nostro modo di fare, privilegiando e integrando le nuove tecnologie alla nostra musica: batteria elettronica, sintetizzatori, moduli d’effetti (modules d’effets). E così, l’universo della musica improvvisata si è insediato nella mia musica ed è ora la pietra angolare del mio approccio musicale.

    Penso che i musicisti improvvisatori siano musicisti straordinari. Essere un improvvisatore richiede, a mio avviso, un livello d’ascolto periferico (un arte dell’intelletto), una capacità di adattamento a tutte le circostanze e una personale ricerca musicale. è la musica più viva che io conosca ed anche la più interessante.

    •AAJI : Qual è il tuo approccio alla musica degli altri, tanto come vocalista e sassofonista, che come direttrice di DAME?

    •J.H.: Come direttrice di DAME, sono al servizio dei musicisti e delle musiciste. Probabilmente al contrario della regola che vige nell’industria musicale, intervengo pochissimo nella direzione musicale dell’etichetta. Tutti i membri fondatori di Ambiances Magnétiques hanno il privilegio di produrre ciò che vogliono e, per gli altri, c’è un misto di amicizie, di affinità e di musica. Se un musicista veramente si sente bene con il nostro modo di fare e si sente parte in causa del nostro universo, questo è già un grande passo per essere distribuito da noi. Bisogna dire che a priori sono gli artisti che investono economicamente nella produzione del loro disco.

    Per quello che riguarda le altre etichette che si trovano in DAME, io lavoro in collaborazione con i direttori di ciascuna di queste etichette e sono loro che hanno l’ultima parola. Amo lasciare una possibilità al "corridore" e le mie critiche musicali le applico alla mia musica, lasciando che gli altri facciano la loro.

    Ma può anche darsi che la questione si riferisca più alle altre musiche nel senso dello stile. Ebbene, in DAME ora abbiamo un’etichetta di contemporanea, Collection QB, una serie di Ambiances Magnétiques Jazz e un’etichetta di musica più popolare con Monsieur Fauteux m’entendez-vous?. Qui si apre un nuovo terreno di esplorazione.

    Come musicista, amo principalmente la musica improvvisata in concerto; per quanto riguarda la musica che ascolto, è molto variegata, dalla classica alla contemporanea, etnica, jazz e per contro molto poca musica improvvisata. È così. Bisogna dire che non ho poco tempo per fare e ascoltare la mia musica.

    •AAJ: Senti che ricevi qualcosa in cambio nella tua ricerca personale dal lavoro con altri musicisti e dal lavoro come produttrice?

    •J.H.: Come musicista, apprendo sempre da altri musicisti, dalle loro capacità, dalle loro idee musicali, dalle loro tecniche. Amo sempre di più suonare con nuovi musicisti, anche se provo sempre un grande piacere a suonare con Jean Derome e Diane Labrosse con i quali lavoro da più di 25 anni.

    Come produttrice, sono contenta di aiutare i musicisti a realizzare i loro sogni, aiutarli a diffondere la loro musica, ma pochi musicisti m’ispirano veramente a livello della loro visione del mondo della musica perchè - regola generale - non pensano che a loro e sono più o meno riconoscenti nei confronti del mio lavoro. Evidentemente, ciascun musicista crede di meritare di più e non comprende che noi vendiamo così pochi dischi. In fondo, è abbastanza ingrato come lavoro a livello umano: mi fa piacere pensare che non sto promuovendo solo la mia piccola persona, la mia piccola musica, ma ho l’impressione di avere un impatto sociale, probabilmente minimo, ma in ogni caso un certo ruolo sociale nell’incoraggiare questi musicisti e queste musiciste.

    •AAJ: Potresti illustrare in poche parole i differenti stadi della tua ricerca musicale in relazione ad Ambiances Magnétiques?

    •J.H.: Mi sono formata in Ambiances Magnétiques. È la mia principale scuola di pensiero, il mio modo di fare, di intendere. L’evoluzione di Ambiances Magnétiques mi assomiglia. Trovo che sia una etichetta formidabile e non sono attirata da nessuna altra etichetta. Bisogna dire che di carattere sono una fedele. Sono con lo stesso uomo da più di ben 25 anni, abito nella stessa casa da 17 anni e sono sempre nell’avventura Productions SuperMusique e DAME/Ambiances Magnétiques. Questo potrebbe dare l’idea che ho una vita ben noiosa, ma non è così!

    •AAJ: Potresti dire qualcosa su cosa significa esattamente "ambiances"? Sono interessata in particolare a questo in relazione alla storia della musica elettro- acustica canadese. Pensavo che "ambiances" potesse riferirsi alle ricerche di Murray Raynold Schaffer sul paesaggio, con un chiaro approccio innovativo e contemporaneo.

    •J.H.: Il nome Ambiances Magnétiques è stato trovato si può dire nel 1982 ed era il titolo di uno show di Jean Derome e René Lussier. L’aneddoto che Jean racconta a proposito è questo: preparando il volantino e il programma di un concerto, stavano redigendo la lista degli strumenti che avrebbero suonato, così aggiunsero alla lista il termine Ambiances Magnétiques per descrivere le musiche che stavano per essere diffuse su nastro magnetico durante il concerto. Un anno più tardi il termine Ambiances Magnétiques è stato ripreso per dare il nome all’etichetta.

    Per quanto riguarda il legame con la musica elettro-acustica e contemporanea, devo dire che all’epoca era molto sottile, perché non c’era molta fusione tra i differenti mondi musicali. Noi lavoriamo in modo molto isolato, credendoci praticamente soli al mondo, come tutta la gioventù, dico questo senza presunzione. La gioventù con la sua foga e la sua energia ma anche la sua ignoranza.

    •AAJ: Com’è produrre al tempo stesso jazz, musica improvvisata, musica per ensemble, musica per bande, new rock, libera improvvisazione, elettronica, noise, canzoni e poesia? Quali sono le vostre "linee guida" - se ci sono - in Ambiances Magnétiques?

    •J.H.: Per descrivere la nostra musica usiamo il temine musica attuale. In altri paesi usano il termine musica di creazione o nuova musica o musique de Traverses o musique-Action o musica…

    La definizione che noi usiamo più frequentemente si può riassumere in tre punti:

    1. il compositore deve essere anche interprete della propria musica

    2. deve avere una parte d’improvvisazione

    3. deve avere una proposta di metissage sia a livello della strumentazione (strumenti acustici + strumenti elettronici), che dello stile musicale (melange di country + rumorismo, ad esempio) o del genere artistico (poesia + free jazz).

    Ma la cosa più bella di questa musica, è che giustamente non è ancora definita, dobbiamo lasciarla vivere e farla sbocciare, senza soffocarla con delle regole. Certe volte, queste tre regole si presentano e a volte no: da qui la diversità di stili.

    •AAJ: Dalla diffusione del CD in poi, siamo stati testimoni di una crescita esplosiva ed esponenziale nelle produzioni tecnologiche della musica. Sto pensando ora ai supporti, ma anche a tutti quegli strumenti e attrezzature necessari per fare la forma nuova, la cosiddetta musica elettro-acustica. Cosa ne pensi?

    •J.H.: Non sono un’esperta di musica elettro-acustica, ma penso che questa non sia una nuova forma, ha già qualche decennio. L’uso del laptop come strumento di musica mi sembra più recente ed è molto popolare. Contribuisce a movimentare molto le regole della musica. Regola generale, mi stufo ai concerti di musicisti di laptop, ma se viene utilizzato come fosse un nuovo strumento da includere nell’orchestra, lo trovo molto interessante. Amo l’apporto dell’elettronica nella musica ma a piccole dosi. Nei miei progetti, chiamo regolarmente Diane Labrosse al campionatore e Martin Tétreault ai giradischi e non potrei più farne a meno. L’effetto di novità e una parvenza di facilità che apporta il computer è molto stimolante e ci sono sempre eccellenti musicisti, ma esiste oggi un lancio di questa corrente musicale a livello di marketing. Francamente, trovo che ci siano musicisti molto interessanti che emergono in questa sorta di nuova liuteria.

    •AAJ: Quanto è importante il supporto economico delle istituzioni in un lavoro come il vostro?

    •J.H.: È molto importante. Il Canada ha un sistema di sovvenzioni molto ben articolato con degli organismi che sono il Conseil des Arts du Canada e Patrimoine Canadien. Questo sistema di finanziamenti funziona da ormai più di cinquanta anni. Essendo vicini agli Stati Uniti, posso dire che senza questo sostegno, noi saremmo già stati completamente assimilatati, cosa che non è ancora accaduta. Anche in Quebec c’è un sistema di finanziamenti ma che si articola principalmente attorno al francese, dunque canzoni, teatro e cinema, arti parlanti insomma. La musica di Ambiances Magnétiques è percepita dai sovvenzionatori del Quebec non come veramente "quebecchese", forse per il suo lato sperimentale e anche perché è quasi esclusivamente strumentale. Noi siamo sostenuti dunque più a livello canadese che quebecchese.

    Il supporto economico delle istituzioni è importante ma rimane ancora minimo per musiche come la nostra. Ci permette appena di sopravvivere. Tutti i progetti che noi realizziamo non sono necessariamente appoggiati da questi programmi, ma è impossibile realizzare in seguito più progetti di grande portata senza sostegno. Penso di vendere della poesia in un certo senso o dell’arte contemporanea e secondo le leggi del mercato non è redditizio, dunque senza alcuna sovvenzione questo sarebbe impossibile.

    •AAJ: Sono convinta che una etichetta abbia molto a che fare con la memoria - anche se non in un modo diretto. Grazie a poche etichette abbiamo memoria di esperienze musicali favolose che (fortunatamente!) non sono scomparse senza lasciare tracce. In qualche modo una etichetta ha la funzione di una memoria collettiva (una sorta di biblioteca). Cosa ne pensi?

    •J.H.: Sono molto fiera di dire che quasi tutti i titoli di Ambiances Magnétiques dal 1983 sono ancora disponibili. Io credo nella necessità della storia. È importante per comprendere il lavoro di un musicista ascoltare parecchi suoi dischi e opere successive nel tempo. Non spingo unicamente delle novità, anche se il mercato stesso le richiede, non chiede solo queste. Sento che DAME funge da granaio, da memoria collettiva, anche se su piccola scala, ma a volte il prezzo da pagare è enorme. Ho due magazzini di dischi da gestire e devo assicurarmi che la cosa non finisca mai. E poi, oltre ad offrire i dischi degli artisti della nostra etichetta, voglio anche offrire i titoli che l’artista ha prodotto su altre etichette di modo che possa dare al melomane tutto Jean Derome o tutto Martin Tétreault. Non ci sono ancora riuscita del tutto, ma sto lavorando in questo senso. Date un’occhiata a www.actuellecd.com.

    •AAJ: Puoi indicare alcune etichette che consideri degne di nota e perché?

    •J.H.: In questo momento ci sono poche etichette che davvero mi prendono. La Tzadik negli anni Ottanta è stata portatrice di una quantità fenomenale di produzioni e del grande successo che è Masada. Mi piace la Hat Hut ma la loro produzione è molto più limitata ora; la Winter & Winter offre buone registrazioni ma il lusso che racchiude le loro cover non mi piace neanche un po’. Se no, ci sono una tonnellata di piccole etichette, ma veramente una tonnellata di piccole etichette; a volte ci sono dei piccoli bijoux che per quanto tempo ancora ci saranno? Due anni, tre anni?! Ambiances Magnétiques esiste da più di venticinque anni e DAME da ben quindici. Bisogna prendere in considerazione la longevità di una piccola etichetta per apprezzarla. Credo nello stesso lungo termine se la nostra vita è così effimera.

    •AAJ: Alla fine, quale dovrebbe essere una buona critica? I critici sono solo una sorta di necessario diavolo?

    •J.H.: Noi siamo sempre alla ricerca della critica, questa dovrebbe essere dunque necessaria! Lo sguardo altrui sul nostro lavoro è importante. Ma onestamente, devo dire che non leggo quasi mai le critiche a proposito dei miei dischi o di quelli che produco. So che per avere dei contratti, delle sovvenzioni, della visibilità, bisogna che si parli di me nei media. Le critiche non sono indirizzate a me, ma al melomane!

    •AAJ: In conclusione…:

    •J.H.: Come musicista, devo continuare il mio lavoro il più coscientemente possibile, a volte faccio dei buoni colpi, altre no. È così! Io non sono alla ricerca del capolavoro, che farei dopo?! Amo enormemente la musica, non potrei vivere senza. È un bisogno vitale. È nella musica che sono più in armonia con me stessa e con l’ambiente che mi circonda.

    Al momento lavoro alla composizione di un teatro sonoro intitolato Filature che sarà presentato a Montréal il prossimo marzo e interpretato dall’Ensemble SuperMusique. Accetto tutti gli inviti a concerti di musica improvvisata e vorrei di nuovo suonare in Italia. Spero di fare musica ancora a lungo, fino alla fine dei miei giorni…

    Per quel che è di DAME, offriamo una ventina di novità per anno e sempre delle novità dei nostri artisti e di etichette affiliate. Su quale supporto troveremo la nostra musica tra cinque anni? Probabilmente non più su compact, ma poco importa, DAME sarà sempre lì a favorire la diffusione di queste musiche!

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    20 octobre 2005
    Par Alexander Varty in The Georgia Straight (Canada), 20 octobre 2005

    Texte

    «… the Montréal-born idiom known as musique actuelle really is capable of embracing almost everything from the minimalist gestures of Babin and Hétu to the ear-scorching aural firestorms of Dontigny and d’Orion.»

    Montréal is just a five-hour flight away, but the cultural capital of Francophone Canada can sometimes seem as remote as Antarctica. West Coast residents know the city as the home of relaxed liquor laws, good restaurants, and great delis, but we’re rarely exposed to the music that’s made there—and that’s almost entirely because most of it, whether pop, rock, or contemporary classical, is not sung in English.

    North America’s largest French-speaking city is home to a thriving music industry and a club scene that we can only envy, but connecting with them seems difficult, thanks to the barrier of language. It’s ironic, then, that one of Montréal’s lesser-known contributions to the world of sound might end up being Vancouver’s entrée to Quebec’s musical life. Musique actuelle—a hybrid style that emerged in Montréal during the mid-1980s—is a largely instrumental form, so unilingual Vancouverites need not be scared off by incomprehensible texts. And although the idiom is so all-embracing that it’s hard to define, it’s animated by the kind of exploratory spirit that’s drives Vancouver groups like Talking Pictures and the Hard Rubber Orchestra. So it shouldn’t be that difficult for B.C. ears to appreciate Montréal’s sonic explorers, and we’ll get a chance to do just that this week, thanks to the Vancouver New Music Society’s Interférence: Statique X Statique festival.

    Although the event, which runs at the Scotiabank Dance Centre until Saturday (October 22), features non-Francophone artists such as the U.K.’s Fred Frith and Janek Schaeffer, most of the performers hail from Quebec, and many of them, like Diane Labrosse, are 20-year veterans of the musique actuelle scene. Nonetheless, the otherwise charmingly articulate keyboardist still finds it difficult to explain what it is, exactly, that her chosen style includes—and that, it seems, is not only a linguistic issue.

    “It’s a hard thing to do, describing a music that’s so broad,” Labrosse says, on the line from her Montréal home. “Of course at first there was progressive rock, and then improv came along, and then came the idea of putting together different styles of music. Some musicians began to draw on the roots of jazz, and also using more traditional or folkloric stuff, and then putting all of this together to make a new hybrid of music, which we called musique actuelle. We even find these different direct references within the same piece.”

    The style’s name, like the music itself, contains a wealth of inferences and possibilities. Its sounds are “actuelle” because they’re real music made by real musicians, as opposed to machine-made, bottom-line-driven pop, but also because they reflect the kaleidoscopic reality of today’s media environment. The argument Labrosse makes is that few people confine their listening to just one genre, so why should musicians suffer self- imposed limitations on what they play?

    Her own career reflects this wide-open attitude. She’s written scores for dance, penned twisted avant-pop tunes, worked extensively with sample-based music, and performed with a global array of free improvisers. And in her Thursday-night concert at the Dance Centre, she’ll move a step or two toward abstract sound, in the company of multimedia artist Jean-Pierre Gauthier.

    “Jean-Pierre is more known in the visual arts,” Labrosse notes. “He started out as a sculptor, a visual artist, and then he started to make some sound sculptures. This is where we got involved together quite a few years ago, maybe in 1998 or 2000 or whatever. We did a project where he was working with rubber tubes and compressors and bird whistles, things of that nature, so it was a noisy kind of culture. That started him doing shows, or doing performances; before that he was more of a sound installer, working in galleries and things like that. But he’s always done very fine work, juxtaposing visual and audio stuff.”

    Labrosse reveals that she doesn’t yet know what Gauthier will be bringing to their Interférence show. “He told me that it’s very small, and that it’s something that he’s made, and that it varies from one performance to another.”

    With that in mind, she’s readying herself for a performance that will be improvised from start to finish, as will several of the other bookings that Vancouver New Music artistic director Giorgio Magnanensi has arranged for his festival. Following Labrosse on Thursday will be the cross-country quartet of Pierre Tanguay, Bernard Falaise, Dylan van der Schyff, and Ron Samworth, a group she describes as well worth hearing.

    “It’s a double-duo sort of thing: two drummers that work in a similar fashion, and two guitarists that also work in a similar fashion,” she explains. “But everybody’s very different and has a real personality. I saw this band in Montréal, and it was quite a nice concert.”

    Friday night (October 21) features performances by sound artist Magali Babin and saxophonist Joane Hétu, followed by Klaxon Gueule, a trio that includes guitarist Falaise, percussionist Michel F Côté, and pianist Alexandre St-Onge. Like Labrosse’s collaboration with Gauthier, both of these ensembles patrol the grey area between sound sculpture and more conventional forms of improvisation, a zone that increasingly draws practitioners of musique actuelle.

    “You start with finding new sounds on your guitar or your bass or your drums,” Labrosse notes. “And you move from there to adding effects, and then to [computer-based] processing, or even to building your own instruments.”

    Fittingly, then, Interférence’s musique actuelle survey will conclude on Saturday with Morceaux_de_Machines, an abrasive and intense collaboration between sound designers Aimé Dontigny and Érick d’Orion that has earned comparisons to noise innovators Einstürzende Neubauten and Otomo Yoshihide.

    It seems that the Montréal-born idiom known as musique actuelle really is capable of embracing almost everything from the minimalist gestures of Babin and Hétu to the ear-scorching aural firestorms of Dontigny and d’Orion. Close observers of the Vancouver scene will note that our own creative musicians are capable of a very similar range of styles; perhaps the gulf between East and West, between Francophone and Anglophone, is narrowing at last.

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    1 septembre 2005
    Par Pascale Guéricolas in La Gazette des femmes #27:2 (Québec), 1 septembre 2005

    Texte

    «Elle-même, par sa double carrière d’artiste et de gestionnaire culturelle, contribue à faire entendre la musique au féminin.»

    Pour mieux faire connaître les musiciens de concert, souvent oubliés des médias, le Conseil québécois de la musique a décidé d’en donner en « adoption ». C’est une musicienne profondément originale que la Gazette des femmes a choisie pour « fille »: Joane Hétu. Qui d’autre aurait fondé des groupes aussi éclatés que Wondeur Brass, Les Poules, Castor et compagnie, Nous perçons les oreilles ? Pas étonnant que cette artiste de 47 ans soit considérée comme l’un des piliers de la musique actuelle québécoise.

    D’abord attirée par les sonorités rock, cette amoureuse du son a plongé ensuite dans l’improvisation, l’instrumental, le bruitisme (musique inspirée des sons de l’environnement). Depuis, son saxophone chante comme le vent dans les branches aux côtés du piano ou de l’échantillonneur, à la recherche de l’émotion par le son. La compositrice ne dédaigne pas intégrer parfois des bouts de textes à ses œuvres. En ce moment, elle travaille sur La filature, un projet de théâtre sonore mené par l’Ensemble SuperMusique, important rassemblement de musiciens actuels. Dans ce spectacle, qui sera présenté à l’Usine C en mars prochain, la vidéo, la danse et l’éclairage seront au service du son, un renversement total par rapport aux conventions habituelles.

    Complètement libre dans ses compositions et ses improvisations, la musicienne a néanmoins les deux pieds sur terre lorsqu’elle porte sa casquette d’administratrice. En 1991, elle fondait la compagnie de disques DAME (Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera). Son catalogue contient maintenant près de 140 disques en musique actuelle, souvent vendus directement au consommateur via Internet. «Je n’ai jamais cru au père Noël; je préfére m’occuper moi-même de mes affaires, explique-t-elle. Le genre de musique que je pratique a besoin de structures souples qui encouragent la création.» Parallèlement à la composition et aux concerts, elle mène aussi un combat pour la reconnaissance de la musique actuelle, avec ses complices de toujours, Danielle Palardy Roger et Diane Labrosse. Encore trop peu de femmes dirigent des groupes, se préoccupe Joane Hétu, qui se dit toujours persuadée de la nécessité du féminisme. Elle-même, par sa double carrière d’artiste et de gestionnaire culturelle, contribue à faire entendre la musique au féminin.

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    1 juin 2005
    Par François Couture in Musicworks #92 (Canada), 1 juin 2005

    Texte

    «Equally performer and business-woman, her work in both roles bas been enriching the Montréal new-music scene for the past twenty-five years.»

    Joane Hétu packs an amazing amount of energy into her short, small frame — energy she willingly shares through her smile, passion, music, and determination. It keeps her busy as a saxophonist, vocalist, improviser, songwriter, composer, record-label owner, co-director of a concert production company, and mother of one. Equally performer and business-woman, her work in both roles bas been enriching the Montréal new-music scene for the past twenty-five years. As a member of Wondeur Brass, Justine, Castor et compagnie, and Nous perçons les oreilles, as part of the Ambiances Magnétiques collective, as head of the distribution company and record label DAME, and as co-director of Productions SuperMusique, Hétu has an impressive track record and now — after a difficult period of neglecting her own music in order to keep DAME afloat — she is more active than ever.

    S’improviser

    Born in 1958 in Montréal, Joane Hétu took a few piano lessons as a child but did not get seriously involved in music until the age of twenty. Coming late to her vocation? “No way!” she asserts.“Being twenty doesn’t make anything ‘late’! I started playing music when I reached adulthood, and a certain level of maturity.”

    She may not have been playing an instrument seriously in her teens, but she was already developing strong individual tastes in music. “In my circle of friends, I was the only girl who had a decent stereo system. At fourteen, I heard John Coltrane’s A Love Supreme at a friend’s house. I immediately thought “Yes, I’ve found what I’ve been looking for.” I soon started visiting small record shops and listening to Frank Zappa and the Scandinavian jazz on the ECM label.”

    While studying pure sciences in college, Hétu met and fell in love with the pianist Pierre St-Jak. “My whole life turned upside down. Pierre shared my tastes in music and he introduced me to a circle of musicians.” A member of the avant-garde jazz group Nébu, which included saxophonist Jean Derome, St-Jak played with the people whose activities revolved around Conventum, L’Enfant-Fort and La Pouet Pouet Band, all cooperative groups sharing views on musical experimentation and coflectivist, communal values. “It was the late ’70s,” says Hétu. “The Parti Québécois was in power, the first referendum had yet to shatter dreams; it was a time when you could accomplish something without knowing how to do it.”

    Soon, Hétu had dropped out of school and moved in with St-Jak. For a while, she earned a living weaving by day and waiting tables by night at La Grande Passe, a bar on the corner of Ontario and St-Deriis that presented improvised nitisic on Tuesday nights. St-Jak and his friends, such as Jean Derome, René Lussier, and Daniel Heïkalo, performed regularly there. At some point, one of those friends left a soprano saxophone at the couple’s apartment. “It was just lying there,” recalls Hétu. “After a few days of looking at it, I picked it up and started playing.” Six months later she gave her first public performance, as a member of Wondeur Brass. In French, to say that someone suddenly becomes something (such as an improviser), the reflexive verb s’improviser is used. In this case, Hétu literally improvised herself

    The adventures of Wondeur Brass

    In 1980, eleven female musicians, professionals and amateurs alike, came together to organize benefit concerts to celebrate the fifth anniversary of Montréal’s women’s bookstore, Librairie des Femmes. These were important events for Hétu. She met two members of the traditional music group Arcanson, pianist Diane Labrosse and drummer Danielle Palardy Roger. The three women formed a trio and soon founded the company Productions SuperMémé-SuperMusique (later shortened to Productions SuperMusique, or PSM), in order to produce their own shows. The concerts that all eleven musicians gave for the Librairie des Femmes gave rise to an important and influential ensemble. The first concerts, in October and November, 1980, showed more good intentions than good music, but soon a group identity began to jell. The result was Wondeur Brass, the name both a cheeky cross-lingual pun on the brand name of a certain women’s undergarment, and an accurate description of the groups instrumentation: all brass (including a valve bass in the early days), except for the piano and drums. “The schedule was punishing,” Hétu recalls. “We were literally learning to play music together, eight to ten hours a day. I was happy to leave my weaving days behind, but some of the other girls had other plans.” Diane Raymond and Geneviève Letarte soon left the group, the latter to become a fine novelist, only returning to music — this time as a songwriter and singer — a full decade later.

    In the spring of 1981,Wondeur Brass presented its first stage show, Anna Thème et Constance Urbaine, complete with costumes, theatrical elements, and original songs. They performed sold-out shows for three weeks at the Clochards Célestes (which would become Montréal’s alternative nexus a few years later, changing its name to Les Foufounes électriques).” It was madness. The crowd was going nuts, the place was packed. I would never know that much popular success afterward,” says Hétu. The mainstream press noted the groups lack of tightness and experience, but praised its energy, its originality, and its feniinist convictions.

    But was Wondeur Brass a feminist group? Did it consciously convey a feminist message — or is an all-female group feminist by definition? “For nine girls to take the stage back in 1980,” notes Hétu, “when both rock and jazz music were ruled by men, was a feminist action by itself. But is there a difference between female music and male music? I don’t think so. And I don’t think we were playing women’s music. At first, we were feminists playing music. Later, we said no, we are feminist musicians. Eventually, we realized we had become musicians, period.”

    In 1982, Wondeur Brass released its first and only single, Parano. The group was reduced to seven pieces by then, including electric guitarist-bassist Judith Grüber-Stitzer, who added a rocker’s edge to the music. Two years later, the group was invited to the Festival des musiques de femmes in Paris. “Before going there, we were working in isolation, convinced that we were alone. But hearing and meeting women like Joëlle Léandre, Irène Schweitzer and Maggie Nichols was an eye-opening experience. I believe thats when we became more radical, musically.”

    In the meantime, a few experimental male musicians were attempting to organize their own collective for performing and recording, Ambiances Magnétiques. Robert Marcel Lepage, René Lussier, Jean Derome and André Duchesne had released a handful of LPs and were beginning to make contacts with like-minded musicians from abroad.

    How did they perceive the daring female musicians-entrepreneurs? “They weren’t too keen on us. They didnt see us as really good mtisicians.” However, Duchesne agreed to sit at the mixing board to help the group record their first LP, Ravir.

    By then it was 1985. The music had changed, and those who remembered the group from its early stage shows would have a hard time recognizing Wondeur Brass on its new album. The songs had grown tighter, Labrosse’s keyboards now took up more real estate than the brass, the lyrics were more poetic and less political, and the overall sound more subdued and more subtle than the raucous energy of the groups early days. Hétu is mostly heard playing jagged saxophone lines.

    The album sold well (over 4,000 copies) and was even picked up by the feminist magazine La Vie en Rose as a gift to new subscribers. Chris Cutler, ex-drummer for Henry Cow and Art Bears, owner of the record label Recommended (now ReR Megacorp), and a highly influential mover on the avant-rock scene at the time, came to Montréal in early 1986. Duchesne presented him with a copy of the LP. “Chris loved it,” says Hétu. “He picked it up for distribution, included a track on a Recommended sampler, and eventually co-produced our second LP, which came out on both Ambiances Magnétiques and Recommended. Chris opened Wondeur Brass and Ambiances Magnétiques to the world. He dragged us out of isolation.”

    Cutler’s endorsement was so persuasive that the Ambiances Magnétiques boys revised their position on Wondeur Brass. Hétu, Labrosse, and Roger were invited to join the collective, and Ravir was soon integrated into the label’s catalogue as a reissue. Already experienced businesswomen through their work with PSM, the girls contributed a lot to the organizational aspect of Ambiances Magnétiques, as well as playing on a number of albums and releasing several of their own. In 1986, as Les Poules (The Chicks), Hétu, Labrosse, and Roger released Les contes de l’amère loi. In some ways, Les Poules signaled the end of Wondeur Brass as a semi-professional collective. The group’s 1987 album Simoneda, reine des esclaves bore Wondeur Brass’s name only because the group had not found something good to replace it with. “We wanted to break free from the group’s feminist image, we wanted to start anew.” The lineup actually consisted only of the three members of Les Poules, plus newcomer Marie Trudeau on bass.

    Eventually, they opted for Justine, the name of the main character in the first volume of Lawrence Durrell’s Alexandria Quartet, and paradoxically, of the defiled titular character of the Marquis de Sade’s novel. Justine’s first album, a CD this time, enigmatically entitled (Suite), came out in 1990 and remains the pinnacle of female rock in Quebec. Angst-driven, complex, and tightly written, this cycle of songs established Hétu as a singer and vocalist. Here she trully explores her wild side, using onomatopoeias and screeches that will draw comparisons to the japanese singer Tenko.

    from Justine to Castor

    The group would release two more albums, La légende de la pluie (1992), a dark collaboration between Justine, Tenko, and U.S. harpist Zeena Parkins, and Langages fantastiques (1994), a significantly more upbeat and playful album recorded live in the studio following a successful tour of Eastern Europe. By then, the ties between Roger, Labrosse, and Hétu had started to loosen, their careers gradually taking different paths. Roger would become more closely involved in composition and contemporary music, while Labrosse would start to lose interest in the piano and synthesizers in favor of the sampler and, later, the laptop.

    Hétu kept writing songs. Picking up where Justine had left off, she formed Castor et compagnie with Labrosse, drummer Pierre Tanguay, and saxophone player Jean Derome, her life partner since the mid-1980s. The groups main interest in sensual songs and its open-mindedness toward improvisation is closely related to Langages fantastiques, to the extent that many saw in its self-titled debut (1995) a new station along the Wondeur Brass/Les Poules/Justine axis. But that is not completely true. With its focus on Hétu’s voice and the deep-running synergy between Hétu and Derome, premiering here on record, Castor et compagnie is Hétu’s first truly personal statement.

    Mets ta langue, released three years later in 1998, pushes the gradual transformation initiated in Wondeur Brass to its inevitable end. The song format has all but disintegrated under the pressure of avant-garde-driven deconstruction and free improvisation. What remains is stunningly beautiful, but shares very little resemblance to the avant-rock of the early 1980s. Likewise, Hétu’s vocal art bas reached a new level, extended techniques and atavistic sounds constantly threatening to take over the words (as they actually did on her 2000 solo CD Seule dans les chants).

    It was Hétu’s swan song as a rock singer. The album was received very coldly, which prompted her to scuttle the band and withdraw from the rock scene, focusing instead on composition and improvisation. “I didn’t drop songwriting altogether. We are still doing songs with Nous perçons les oreilles [her duo with Derome]. And improvisation has always been a part of my music, just like songwriting will always have a say in my compositions or my improvisations. Its the industry that draws a line. Whether you perform songs or free improv will determine which clubs and festivals you can play. Remaining active on all fronts at all times is hard. In the end, I simply went along with what I was being offered.

    “And the difference in financial needs is so important with songwriting. When it comes to recording, everyone is more or less equal in improvisation, while some people are able to invest linge amounts of money in song-based albums. Recording a song requires more studio time, more personnel, and in my line of songwriting, I could rarely afford that.”

    Is she interested in coniing back to songwriting? “Yes. I have several notebooks full of lyrics. And I am working some of them into the MercrediMusic workshops we are currently doing in Montréal. I try to see how I can adapt a lyric from one context to another, when the music has no relation to the words. But I will never put together a group like Justine again. I don’t want to play music that is always the same anymore.”

    There are two sides to a desk

    Hétu claims her studies in sciences are in part responsible for her pragmatic, down-to-earth side. Ever since she started playing music, she bas been taking care of everything herself — management, concert production, accounting — through PSM and Ambiances Magnétiques. By 1990, she was ready to take a big step, one that would drag her slightly away from the stage and into the office. “After 10 years spent in collectives, both on the creative and business sides, I needed a project of my own. In 1990 I had just had a daughter, money was short, and Productions SuperMusique could not financially sustain the three of us — Diane, Danielle and me.”

    The success of René Lussiers award-winning album Le trésor de la langue had stretched the volunteer-based operations of Ambiances Magnétiques to its limits, so Hétu got the idea of putting together her own distribution company, which she named DAME, for Distribution Ambiances Magnétiques Etc. The members of Ambiances Magnétiques (nine by then) retained the right to release whatever projects they saw fit, but Hétu suddenly found herself running a record company. And, therefore, on the other side of the desk. Was that a difficult change? “I never put myself in a position where I would have to say ‘no’ to an artist. Releasing an album through DAME takes a lot of commitment, so the artist and I must be 100% sure that DAME is the right channel for him or her.”

    Over the past fifteen years, Hétu has fought hard on behalf of experimental music — what she calls musique actuelle — both promoting it as a legitimate genre and convincing governments to subsidize it. Musique actuelle is “music with a cross-stylistic approach, presenting some level of improvisation, in which the composer is also the interpreter,” she explains. Her prominence as an activist can also make her a target whenever things go wrong. Some artists feel uncomfortable with Hétu’s definition of musique actuelle. Since the late 1990s, a younger generation of Montréal musicians bas emerged. They record for labels such as Constellation and alien8, and perform in spaces such as Casa del Popolo and La Sala Rossa, and some of them perceive Ambiances Magnétiques simply as an old and established clique. The label bas made a laudable effort to recruit new blood, and its older artists are mingling more and more with the younger crowd, but tensions have led to a few crises. Guitarist René Lussier, the label’s best-selling artist, left in the late 1990s. Drummer Michel F Côté last year started his own label, &records, which bas recently released the fourth album by Klaxon Gueule, another of Ambiances Magnétiques’ high-profile artists.

    Meanwhile, the ever-shrinking involvement of the governments in experimental arts has made it almost impossible to plan ahead, leading to an almost catastrophic financial year in 2000. “Government funding bodies dont like to subsidize things that they don’t understand,” Hétu points out. “No subsidies means death for any avant-garde art organization. And it means the death of a nation. At an everyday level, the people benefit from our research, even if they don’t think they understand it. Deep down, mainstream music evolves to the beat of the underground.”

    For the love of winter

    These difficulties have kept Hétu from writing and performing as much as she would have liked. “Then again, I need this balance between music and business in my life. It’s just that lately the business platter bas had more weight on it, and I am now ready to tip the balance to the other side.” And she has. In the last two years, Hétu has been touring a lot with the reformed Les Poules (now a textural improv trio) and Nous perçons les oreilles. The latter duo is perhaps one of the oddest — and most likeable — projects she has been involved in. Both Hétu and Derome play alto saxophone and sing, their repertoire a mixture of childlike songs full of quirky plays on words and telepathic free iniprovisations. Their chemistry onstage draws the audience into their intimacy, sharing their private vocabulary and total understanding of each other. “We completely endorse each other’s musical choices. Playing with Jean, I never develop enough distance to take niyself out of the equation and make judgments about the other players calls. Everything happens in the moment and in total acceptance of the other. And in our best performances, the ‘yes’ we give to each other seems to say ‘yes’ to the audience. We achieve a symbiosis between ourselves, the audience and the physical space. It is my favorite group.” It is also in this group that Hétu continues to develop her vocal range, adding new sounds, cries, and emotions to her highly personal improv vocabulary.

    Much as it is underperformed and underdocumented, Hétu’s biggest and most fascinating project of late is her Musique d’hiver (Winter Music) cycle. Planned as a triptych (the third part is still in development), Musique d’hiver combines structured iinprovisation, composition, and songwriting. Ambitious and original, the work draws from American minimalism, Québec folk and Hétu’s deep love for the Québécois winter.“l am first and foremost a Nordic type. Maybe that’s why I was so fond of ECM-type jazz as a teenager. Despite the banality of the topic, I felt an irrepressible urge to tackle it.”

    The first piece, also titled Musique d’hiver, was premièred in February, 2000, and came out on CD a year later. It consists of four movements, one for each month between December and March. Written for flutes, saxes, and vocals (Derome and Hétu), piano (Guillaume Dostaler), accordion (Labrosse), and percussion (Pierre Tanguay), it does more than pay tribute to winter, it depicts it in great detail — the first flurries of december and the excitement of the holidays, the subsequent torpor of January, the blinding reflection of sunlight on the thick snow cover of February, and the maddening yearning for longer and warmer days felt in March. The score includes a number of impressionistic melodies, simple songs, and sound events, sequenced in time and scored through a system of colours and symbols that allow a certain level of improvisation and textural developments. Hétu was able to record Musique d’hiver in Radio-Canada’s Studio 12 (a luxury) and release it on CD in 2001.

    “My technique was not quite right for that one. The musicians had to juggle with page after page of directions! I perfected my approach and pushed things further in Nouvelle musique d’hiver.” In that second work, a pre-recorded narrator has taken over the role the songs played in the first one. Also, two musicians have been added (clarinetist Lori Freedman and turntablist Martin Tétreault) and all musicians play electronic instruments in addition to the acoustic ones featured in the first work. The music relies less ou melodies and more on emotional climates. Still, the compositional side is just as strong, and the result is again a stunning representation of each winter month. Nouvelle musique d’hiver had its first (and to date, only) performance in March, 2003, as part of the first edition of the Montréal Musiques Nouvelles festival. Will it ever be recorded? “I really want to. I feel like I need to commit it to disc in order to move along to phase three.” For the companion CD of this issue of Musicworks, Hétu has prepared a selection of excerpts from all four movements of the work, recorded at the première performance.

    So what will be phase three? “I would like to do it with a mixed choir. And use more improvisational rules. I would conduct it, using body signals to shape the music. There were five musicians in the first piece, seven in the second, and I don’t intend to go smaller for the third one. It is just like a symphony: the last movement has to be grandiose. But I dont see it happening within the next few years.”

    In the meantime, Hétu has kept, and will keep busy. There were numerous concerts on her spring, 2005, calendar, including the ongoing MercrediMusic series — a laboratory she curates with Derome and Lori Freedmam — and an Italian tour for Nous perçons les oreilles. But the highlight of the leason took place April 1 and 2, with the celebration of Production SuperMusique’s twenty-fifth anniversary. PSM presented Palimpseste d’orchestre, where the Ensemble SuperMusique — a shapeshifting group of Ambiances Magnétiques-related musicians — performed three new pieces by Hétu, Labrosse, and Roger, all inspired by and revisiting their common catalogue, back to the days of Wondeur Brass.

    And in the Spring of 2006 Hétu will present her next large-scale project, a collaboration with multimedia artist Manon Labrecque: La Filature (a play on words, as “filature” means both secretly following someone, and spinning, a weaving term). “It will be a stage piece, theatre set to sound. The text is the sound. The music is the piece’s starting point — it gives life to the piece.”

    Somehow, it feels like we are back to Wondeur Brass’s early music-theatre shows. But there bas been a lot of water under the Pont Jacques-Cartier since 1979 — when the young amateur, playing on stage for the first time, had no idea she was taking her first steps to becoming one of Quebec’s most unique musical voices.

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    12 mai 2005
    Par Alberto Francavilla in Jazz Convention (Italie), 12 mai 2005

    Texte

    Per la rassegna Idillio màgico, organizzata dai musicisti pugliesi Gianni Lenoci e Mario “Jillo” Volpe, in collaborazione con Dream Lab, in scena, alla Taverna del Maltese di Bari, il duo canadese Nous perçons les oreilles (NPLO).

    Gli NPLO, fondatori dell’etichetta Ambiances Magnétiques, sono senza dubbio due tra gli artisti più interessati alla sperimentazione e alla contaminazione di linguaggi nel panorama mondiale. Come ben esplica la breve presentazione che precede il concerto, amano definirsi «due sax, due voci, due gorgogliatori, due satiri, due forze della natura che si dimenano, cinguettano, soffiano, mordono e trasformano la musica in incantazione profana e festa di suoni.»

    Non è una caso che Jean Derome (sax, flauto, voce e “small instruments”) e Joane Hétu (sax e voce) abbiano deciso di essere accompagnati da Gianni Lenoci (tastiere) e Mario “Jillo” Volpe (elettronica, oggetti sonori), che da sempre hanno cercato di smuovere il panorama musicale pugliese con progetti originali e d’avanguardia. Ed infatti il concerto, completamente improvvisato, si articola in pratica in una sola traccia, all’interno della quale, però, è costante il mutamento di suoni e, conseguentemente, la creazione atmosfere diverse.

    Derome e Hétu si confermano nella veste di agitatori, sovvertendo i tradizionali canoni della melodia sonora, grazie all’utilizzo insistito di vocalizzi, ma anche di particolari sonorità ottenute con le labbra e persino con i denti!

    Dal canto loro, Lenoci conferma la sua consolidata fama di pianista versatile e foriero di soluzioni armoniche alternative. Si integra perfettamente con le stravaganze del duo canadese, partecipandovi anzi attivamente con particolari vocalizzi; Jillo assume una funzione quasi di «regista», essendo incaricato alla distorsione di suoni e voci, e partecipando alla costruzione di questo particolare clima con il ricorso a strumenti improvvisati (per es. legnetti, una scodella e persino un tubo!):ancora una volta, quindi, ribadisce il suo caratteristico ruolo di «manipolatore di suoni».

    Risulta chiaro l’intento, peculiare dell’attività di ciascuno dei quattro artisti sul palco, di ricercare nuovi linguaggi sonori, dimostrando che la musica è un elemento intrinseco alla natura, e dunque che si possono creare melodie utilizzando oggetti tipici della nostra vita quotidiana. Inoltre è propria l’intenzione dei NPLO di «suonare il corpo», in modo da esprimere una nuova dimensione della fisicità, che diventa «naturalmente» melodica, anche se in alcuni momenti sfiora l’abrasione uditiva. Non si può comunque negare che la performance risulti molto originale, ed ottiene indubbiamente l’effetto di provocare in taluni punti una sensazione di inquietudine, se non proprio di angoscia. Questa percezione sarebbe forse stata ancora più efficace, se fosse stata accompagnata dalla proiezione di immagini (diapositive o video), che ne avrebbero aumentato il potenziale suggestivo; purtroppo la fusione tra arte sonora e arte visiva (che è una particolarità del duo Lenoci-Volpe, nda) non è stata in questo caso possibile, dato che era la prima volta in assoluto che essi si trovavano ad esibirsi col duo Derome-Hétu, e perlopiù si trattava di un’improvvisazione.

    Per concludere, il concerto è risultato di difficile comprensione per un pubblico che è apparso «improvvisato» e impreparato; d’altronde è questo il rischio di esibirsi in un pub, solitamente ricco di avventori e gente «di passaggio». Ciò ha causato in più momenti un fastidioso brusio che impediva una ascolto accurato, per un’esibizione che aveva bisogno di più attenzione e, quindi, di maggiore silenzio. Rimane innegabile, però, che la Taverna del Maltese risulti ancora una volta tra i locali più attenti, nel panorama barese, nel dare voce a nuove forme artistiche e musicali, promuovendo prodotti ed iniziative che si muovono su terreni nuovi, un fenomeno che è difficile riscontrare da queste parti.

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    1 novembre 2004
    Par David Dupont in One Final Note (ÉU), 1 novembre 2004

    Texte

    Edgefest in Ann Arbor, Michigan is an avant-garde jazz Brigadoon. Walking into the Kerrytown Concert House, the same folks are settling into the same seats as they were just over a year ago, and as they have been in the six years I’ve been making the trek up here. And even the leader of the band ready to take the stage was familiar. Guitarist James Emery had been here last year with the String Trio of New York. In fact, Edgehead-in-chief David Lynch likes to present musicians in different formats. This year he presented Emery leading his own quartet featuring ace reedman Marty Ehrlich with the rhythm team of bassist Drew Gress and percussionist Kevin Norton.[…]

    But Thursday I’m ready to make the short six-block walk to the Firefly Club, a cozy nightspot in the heart of Ann Arbor’s downtown. Opening the two-band show was Nous Percons les Oreillles (We Pierce the Ears) featuring Jean Derome and Joane Hétu. Derome’s appearance is an example of how festival producer David Lynch likes to work. In 2002, Derome was at the festival with two different groups. In 2004, he returned with a third aggregation, a duo with his wife. Together they delivered their own brand of urban bohemian folk music. Their sounds seemed rooted in the urbane detritus of a cosmopolitan household. They both sing—she in a powerful, malleable voice and he in a rich, but unaffected voice. They both play saxophone, though on this night the saxophone playing seemed more of an emulsifier than the key ingredient.

    Derome adds a toy chest full of little instruments—toys, whistles, animal calls, which the duo brought together in odd, whimsical combinations. Sometimes their singing seemed to be emanating from a church. Or on one number, Hétu produced gagging sounds as if she had something lodged in her throat. It had the audience on edge, caught in that odd place wondering whether this was to be taken seriously. I smiled, and breathed a sigh of relief when Hétu’s voice suddenly rang free. Following the piece, Derome explained the text. Sure enough, it was about having something caught in the throat. Yet this was more than the reprise of an unfortunate scene one might witness at the dinner table. Even at her most strangled gagging, the overtones in Hétu’s voice resonated.

    "We’re from Montréal", Derome said. "This is the kind of music we do." Not everywhere, he added dryly. "So you can visit." At one point between numbers, the bar’s ice machine clattered—an aberration, the Firefly is very solicitous of performers. "The ice is nice", Hétu commented, thinking I suspect about how it could be integrated into the music. The duo closed its set with a game of avant-garde patty-cake, beating hands together while singing a simple four-bar, nursery-song like phrase. That little melodic nugget stayed lodged in my ear during the break between shows.[…]

    So how did Edgefest 2004 stack up? The festival is always a high point of my year, and this year was no exception. As usual the variety of acts that fell under the cover of the festival’s large umbrella was impressive. I suspect the strongest images I’ll retain from this festival will be Rashied Ali’s torrential drumming, the fine balance of James Emery’s quartet, the out-lyricism of Joe McPhee, and those few fleeting moments of Jenny Scheinman’s Salagaster. Those are the kind of memories that will keep me in anticipation of next year’s festival.

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    15 octobre 2004
    Par Will Stewart in The Ann Arbor News (ÉU), 15 octobre 2004

    Texte

    «… “challenging” isn’t a pejorative when it comes to Edgefest — the duo frequently found harmonic plateaus that, while frequently dissonant, had an unmistakable beauty.»

    Avantjazz’s outer edge isn’t only razor sharp; it’s also broad enough to accommodate a range of artists who at once push the envelope of improvisatory music to glorious effect, but also, at times, test the patience of the casual listener’s attention span.[…]

    And the fact that some of these performers are pretty far out there only adds merit to their accomplishments. That a vocalist squealing and grunting in French and slapping her torso in time to her accompanist’s caterwauls on various whistles can come across not only as listenable, but enjoyable and oddly soothing, is a tribute not only to the artists’ abilities but to the patience of an open-eared audience.[…]

    Derome and Hétu performed for an hour, their unique sound occasionally living up to their performance moniker: "We Pierce the Ears." Oddly, for as challenging as their sound was - and "challenging" isn’t a pejorative when it comes to Edgefest - the duo frequently found harmonic plateaus that, while frequently dissonant, had an unmistakable beauty.[…]

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    1 juin 2004
    Par Cristin Miller in Signal to Noise #34 (ÉU), 1 juin 2004

    Texte

    «A drama of highly attuned listening slowly emerged full of simultaneous starts, frequent finishing of each others’ sentences, and sudden collective laughter.»

    The 19th annual Seattle Improvised Music Festival took place this winter over two week-ends in Febuary. This year brought a turning point for the festival, as the long-term orginizers turned over the reins to musicians newly very active in the scene, all of whom are directly or indirectly affialited with Open Music Workshop. Open Music Workshop (or OMW) is a relatively young entity, less than two years old, but has constitued something like a second wave in the improvised music scene in Seattle. This shift in leadership was reflected in the shape of the festival this year, which cast a wider net and included a broader range of approaches to music making.

    The next weekend I also managed to catch Les Poules (Montréal) at Consolodated Works, a large warehouse-like art gallery and performance space. Les Poules have beon playing together for over a decade, and every passing minute of their long history and musical intimacy. Joane Hétu (vocals, alto sax) staked out a minimalist territory of voiceless fricatives and static noises, which she mined over the course of the performance. Diane Labrosse (electronics) explored a similarly focused territory, while Danielle Palardy Roger’s percussion poured out speechlike with orchestraly various gestures accumulating over time into a complex field. A drama of highly attuned listening slowly emerged full of simultaneous starts, frequent finishing of each others’ sentences, and sudden collective laughter. Occasionally, certain silences were allowed to move with grace to the center of the circle.

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    15 juillet 2002
    Par Jennifer Kelly in Splendid E-Zine (ÉU), 15 juillet 2002

    Texte

    «… they extract an extraordinary array of sounds from themselves and their instruments, and create a landscape of furious, questing, contentious beauty.»

    Listening to this record of free improvisational piano is a little like watching a group of bored children on a swing set. They’ll spend a few minutes actually swinging, then the ringleader ventures to hang by his knees from the top. A few minutes later, they’re walking a hazardous tightrope across the top of the swing set, then building a fort underneath. If you leave them alone for the time it takes to drink a single cup of coffee, you will return to find them gathering firewood in preparation for burning the whole thing down.

    Like these kids, Lee Pui Ming applies her restless intelligence to devising ways of playing that the piano wasn’t designed for and probably wouldn’t survive on an extended basis. She plays, she bangs on the lid, she lifts the cover and runs her car keys (or something) along the exposed strings, she keeps the pedal down for most of a 10-minute track… and that’s just the piano parts. Lee and her partner Joane Hétu also use their bodies as instruments, breathing, speaking, moaning, slapping and thumping. In the process, they extract an extraordinary array of sounds from themselves and their instruments, and create a landscape of furious, questing, contentious beauty.

    Who’s Playing starts with Greetings, a half-minute interlude of slaps and moans and sing-song spoken word. Then we move to the demented, freeze-frame cakewalk of Steps, a prickly jazz improvisation that sounds more like music you’ve heard before than anything else on the album. Silica, the third track, finds us opening up the piano cover and discovering a slithery, metallic menu of sounds inside. Bones returns to the piano as it’s usually played, with a tentatively played conversation between high notes and low, but then Lee leaves the keys behind and drums insistently on the cover for Sinews. The thwacks and thumps continue in the dance rehearsal rhythms of Torso, and, in hearing it, I first began to think it would be more fun to watch Lee play than to listen to her. Belly of the Beast, the album’s best track, layers piano sounds by holding the pedal down. You hear a swirling cigarette smoke miasma — not just the note that’s being played, but the ones before it and the ones that weren’t played but have somehow been picked out of the ether. What follows, Uvula, is certainly the album’s oddest cut — a rhythmic blend of slaps and deep, fractured breathing, moans and tonally diverse nonsense syllables. I’m tempted to be flip and say that it sounds like two asthmatics having sex, but there is such a variety and multilayered texture of sounds that I can’t dismiss it so readily.

    The title of Who’s Playing comes from a short, unattributed poem in the liner notes, which asks “When one is completely present in the moment — / Playing, or listening / — Who, then, / in that moment, / is playing / and who / is listening?” I can’t recommend playing like Lee does — it sounds like it might be painful — but if you like to push the boundaries of what music is, then you should definitely try listening.

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    15 juin 2002
    Par François Couture in All-Music Guide (ÉU), 15 juin 2002

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    «… Justine pushed further the ideals of challenging, thought-provoking feminist rock…»

    Born out of the Montréal-based avant-rock group Wondeur Brass, Justine pushed further the ideals of challenging, thought-provoking feminist rock established in its previous incarnation for another ten years. The group released three albums during the 1990s and toured Canada, the United States,and visited Europe twice. Three of its musicians are members of the collective Ambiances Magnétiques, so the label released all their albums.

    Wondeur Brass started as a sextet in the early ’80s. By 1987 the group had been scaled down to a quartet. Bassist Marie Trudeau had joined the three original members saxophonist Joane Hétu, keyboardist Diane Labrosse and drummer Danielle Palardy Roger. That line-up released Simoneda, reine des esclaves in 1987.

    Upon starting work on a new opus in 1989, the girls decided it was time for a change. The new music taking shape was turning out to be more complex, intricate, and driven by a stronger will to improvise and make things interestingly dangerous. Thus Justine was born. The first album under the new name, (Suite), came out in 1990. It included guest appearances by Japanese singer Tenko and American harpist Zeena Parkins. In 1992, Hétu, Labrosse and Roger brought them back for a quintet project, La légende de la pluie. Although it doesn’t include Trudeau and sounds softer, more introspective, it can be considered as the second album by Justine. Around the same time the “real” quartet appeared on stage in an Ambiances Magnétiques showcase which yielded the live CD Une théorie des ensembles.

    In early 1994 Justine toured Europe, visiting many former communist countries. Back in Montréal in June they recorded Langages Fantastiques “live in the studio” — the recording of (Suite) had stretched over ten months. After its release later that year things slowed down as group members focused on individual projects: Roger on the children tale L’oreille enflée, Labrosse on a solo album (La face cachée des choses) and a duo with Michel F Côté, Hétu on a new group called Castor et Compagnie. Justine stayed together for another three years and performed at the 1997 Ring Ring festival in Belgrade (Yugoslavia) alongside Ground-Zero, Palinckx, and Kampec Dolores (a previously unreleased song was included on the commemorative compilation Ring Ring 1997). After that tour the group disbanded. Hétu, Labrosse and Roger have continued to contribute to one another’s projects.

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    1 juin 2002
    Par François Couture in All-Music Guide (ÉU), 1 juin 2002

    Texte

    «A small but very stubborn woman, she made a career for herself starting out of nowhere at age 19, to become a successful businesswoman and a vocalist with a very distinctive style.»

    Saxophonist, singer, improviser, composer, and record label manager Joane Hétu ranks among the pillars of the Montréal avant-garde music scene revolving around the collective Ambiances Magnétiques. A small but very stubborn woman, she made a career for herself starting out of nowhere at age 19, to become a successful businesswoman and a vocalist with a very distinctive style. She has recorded many albums with the groups Wondeur Brass, Justine, Les Poules, Castor et Compagnie, with her husband Jean Derome and solo.

    A Montréaler born and raised, Hétu turned to music in 1977, at age 19 when she started to learn the alto saxophone by herself, with no notions of music theory. Two years later she briefly fell in love with pianist Pierre St-Jak who introduced her to an eccentric bunch of artists tied to the Pouet Pouet Band and L’Enfant Fort (which years later would evolve into the Fanfare Pourpour). These experimentalists confirmed her musical vision. With keyboardist Diane Labrosse and drummer Danielle P. Roger she formed the feminist avant-rock group Wondeur Brass, learning the basics of music during rehearsals. In 1985 the three members were asked to join the collective Ambiances Magnétiques, recently established by Robert Marcel Lepage, René Lussier, André Duchesne, and Jean Derome (the latter would become her life and major musical partner). Wondeur Brass released two critically acclaimed albums in the mid-’80s (Ravir and Simoneda, Reine des Esclaves). Hétu, Labrosse and Roger played in two similar projects, Les Poules and Justine, and toured North-America and Europe.

    In 1991, at a time when the volunteer structure of the collective was becoming a burden on the shoulders of its members, Hétu created DAME (Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera), a record label/distribution outlet with the aim to regroup local independent avant-garde labels under one roof. Her dedication to the company convinced federal and provincial governments to start subsidizing avant-garde music a little more and the Ambiances Magnétiques catalog began to grow steadily. Meanwhile, she formed her own group Castor et Compagnie in 1992 for which she wrote a repertoire of twisted erotic songs, and performed with many of the other AM members’ projects. In the late 1990s her impetus shifted from avant-gardist songwriting to improvised music with Nous perçons les oreilles (with Derome) and her solo album Seule dans les chants. The beautiful Musique d’hiver showcased her talents as a composer.

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    1 mars 2002
    Par Nicolas Houle in SOCAN, Paroles & Musique #9:1 (Canada), 1 mars 2002

    Texte

    «Improvisations pures et dures, expérimentations bruitistes…»

    Au début des années 80, un groupuscule de musiciens travaillait d’arrache-pied en vue de doter le Québec d’une avant-garde musicale qui lui serait propre. Improvisations pures et dures, expérimentations bruitistes, ses créations, sises quelque part entre musique contemporaine et free jazz, en effrayaient plus d’un.

    Vingt ans plus tard, la scène de ce qu’on appelle désormais la musique actuelle a considérablement évolué. Se donnant des moyens à la hauteur de leurs ambitions, les Jean Derome, René Lussler, Pierre Tanguay et consorts ont fait connaître leurs musiques bien au-delà du Québec, acquérant au passage une réputation des plus enviables.

    Les rouages du genre Le Festival international de musique actuelle de Victoriaville (FIMAV) est l’un des moteurs importants du développement de l’avant-garde québécoise. Créé en 1983, il a été - et demeure toujours - une vitrine internationale pour les musiciens, en plus d’être la pierre d’assise du genre grâce à la tradition qu’il a su instaurer. Cela tient beaucoup à la vision du directeur artistique et fondateur du festival, Michel Levasseur, pour qui tradition et avant-garde n’ont rien d’antinomique: «Je ne crois pas au rejet de la tradition ou des anciennes valeurs, on construit toujours à partir de quelque chose, explique-t-il. À Victo, on a cette préoccupation-là depuis les débuts, on a commencé par inviter les anciens comme Sun Ra et Terry Riley pour ensuite établir un lien avec des musiciens de tous les pays.»

    Outre le FIMAV, le milieu a su se doter d’infrastructures particulièrement efficaces afin de permettre aux musiciens de diffuser leurs créations malgré leur peu de moyens. C’est ainsi que divers labels comme le vétéran Ambiances magnétiques ou le récent Alien 8 sont nés, que la compagnie de production Supermémé-Supermusique a vu le jour, ainsi que la compagnie de distribution DAME, qui assure la production, la promotion et la diffusion internationale des diverses étiquettes qu’elle chapeaute.

    «Je soutiens autant les bons coups que les mauvais coups, indique la musicienne Joane Hétu, qui est à la tête de DAME depuis sa création, ii y a 10 ans. Mon but n’est pas mercantile, je bâtis une collection de disques. La dernière parution m’intéresse, mais je garde actif dans mon catalogue celui que l’artiste a sorti il y a 10 ans, car si je ne le fais pas, c’est fini et on passe ça dans le broyeur de l’oubli. Et comme c’est de l’avant-garde, il faut voir ça à long terme: le disque que je sors présentement, je n’en vendrai presque pas. Je vais en vendre dans trois ou cinq ans.»

    Un public grandissant Avec les années, il semble que la musique actueile effarouche moins les gens. Ils sont en effet de plus en plus nombreux à s’intéresser au genre et les albums des artistes de l’avant-garde québécoise, qui ne s’écoulaient naguère qu’à l’étranger, se vendent beaucoup mieux au Québec. Même un dialogue s’instaure entre les diverses scènes: on a récemment vu le guitariste Bernard Falalse (Minodor, Klaxon Gueule) travailler auprès de Marie-Jo Thério, tandis que René Lussier faisait paraître son album Tombola Rasa sur une étiquette grand public (La Tribu).

    Les Québécois s’intèresseraient-ils davantage à I’avant-garde? «C’est indéniable, croit Joane Hétu. Les choses que l’on pouvait faire dans les années 80 et qui pouvaient passer pour des choses incroyables comme mettre une cymbale à I’envers ou mettre une voix dans un mégaphone, on retrouve ça partout dans la pop d’aujourd’hui. L’oreille bouge, les gens bougent et les gens s’habituent à ces sonorités là. L’avant-garde est toujours récupérée.»

    Cette récupération de l’avant-garde et de divers éléments de la musique actuelle cause bien des maux de têtes à certains artistes qui s’interrogent à savoir s’ils sont en train de se faire dépasser par la présente vague de musique électronique. Crainte non fondée selon Michel Levasseur: «Il y a présentement une tendance à valoriser la nouvelle technologie qui, d’après moi, est erronée, explique-t-il. Car en bout de ligne on parle de musique et de sons, et pour moi la source sonore n’est pas si importante que ça. On peut atteindre l’extase du son par n’importe quelle sorte de moyen, que ce soit par une instrumentation dite conventionnelle ou non.

    Une relève en parfalte santé

    En plus de son public qui va grandissant, le milieu de la musique d’avant-garde compte un bassin de musiciens de plus en plus important. Provenant d’horizons aussi divers que le jazz, le postrock ou la musique électronique, ils sont nombreux à suivre les voies tracées par les Robert Marcel Lepage, Diane Labrosse, et Jean Derome et même à collaborer avec eux, qu’il s’agisse d’Alexandre St-Onge, de Dave Kristian ou de la formation Interférence Sardines. La prochaine édition du FIMAV, qui se déroulera du 16 au 20 mai, devrait d’ailleurs en témoigner avec éloquence.

    Selon l’auteur-compositeur et guitariste Sam Shalabl (Shalabi effect, Detention), I’une des figures de proue de la relève, I’effervescence que l’on trouve dans le milieu s’explique en partie par l’esprit d’équipe qui y règne: «Le dialogue entre les différentes générations de musiciens est excellent et ce qu’il y a de nouveau, c’est l’éclatement du cloisonnement de la langue et de la culture. Les scènes anglophone et francophone ne se mélangeaient pas avant et depuis quatre-cinq ans ça semble vraiment changer.»

    Malgré un creux de vague du côté de la diffusion et des tournées à I’étranger, il apparaît indéniable que la musique actuelle québécoise est en excellente santé et que les conjonctures actuelles laissent présager un avenir des plus prometteurs. Shalabi, qui a quitté l’Île-du-Prince-Édouard il y a dix ans pour s’installer à Montréal ne cache pas son optimisme: «Quand je suis arrivé à Montréal, il ne semblait pas y avoir tellement de musiciens et de gens qui s’intéressaient à cette musique, mais depuis, il y a vraiment eu un boom. Je crois que ça va continuer à être en santé, car beaucoup de ces jeunes musiciens apportent quelque chose de neuf à cette scène et à cette pratique musicale. Je crois que ça n’ira que mieux, peut être pas sur le plan monétaire, mais sur le plan créatif, assurément!»

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    27 novembre 2001
    Par Philippe Renaud in La Presse (Québec), 27 novembre 2001

    Texte

    «Nous avons créé un vrai langage, une vraie démarche.»

    «La preuve est là: DAME n’est pas éphémère, lance avec conviction Joane Hétu, musicienne et directrice de cette entreprise de distribution au service de la musique actuelle québécoise. Nous avons créé un vrai langage, une vraie démarche. Regarde les maisons de disques: ça ouvre, ça ferme, c’est instable. Nous, on garde le cap depuis 10 ans!» En effet, la preuve est irréfutable: après 10 ans d’activité, le label et distributeur indépendant DAME (l’acronyme de Distribution Ambiances Magnétiques Etc.) affiche 160 disques au compteur. Vous avez bien lu: 160 albums, ça fait en moyenne… 16 disques par année (rééditions incluses), dont quelques classiques qui ont franchi le cercle des initiés. Comme les excellents Le Trésor de la langue de René Lussier, par exemple, ou Au royaume du silencieux des Granules (Jean Derome et René Lussier). Aucune autre étiquette d’ici ne peut prétendre à un tel résultat, tout en assurant un niveau de qualité exceptionnel.

    Il reste que même après 10 ans, Joane Hétu croit avoir encore à «défendre la discipline, à faire du développement de marché». Rien n’est facile pour ce genre musical qui n’en est pas vraiment un. Ou plutôt, qui est un sacré fourre-tout: la musique actuelle se définit beaucoup par sa démarche, totalement libre, où l’improvisation tient lieu de moteur créatif. En clair, on range l’inclassable sous la casquette de la musique actuelle.

    «On se retrouve on the edge, explique Joane Hétu. On n’est pas enseigné à l’école, on ne fait pas partie de l’establishment, et l’industrie ne nous considère pas vraiment. Mais on fait partie de la souche populaire car nos influences sont issues du rock, du jazz, du pop, du folk… C’est une musique de jonctions, de mélanges, un son hybride qui peut être à la fois très accessible et très pointu. On vient tous des musiques populaires mais on a poussé plus loin notre pensée musicale.»

    Cela dit, si la directrice de DAME pense avoir passé par une espèce de purgatoire ces dernières années, l’avenir semble plus rayonnant.

    «J’ai l’impression qu’on connaît un renouvellement de notre public. Je sens vraiment que le vent vient de tourner: l’écoute des gens a changé en 10 ans. Par exemple, il y a 15 ans, tu faisais jouer un ruban à l’envers et c’était drôlement perçu… Aujourd’hui, il y en a partout dans la pop, les musiciens se sont mis à ce genre de choses. Les voix dans les mégaphones, même Britney Spears fait ça aujourd’hui. De plus, ces dernières années, la démocratisation des moyens d’accès à la production audio fait qu’on accepte le bruit comme plaisant à l’oreille. On accepte plein de choses qui ne faisaient pas partie de la musique auparavant.»

    Ainsi, pour montrer la persévérance du collectif d’étiquettes qui forment DAME - Ambiances magnétiques, Monsieur Fauteux m’entendez-vous? (label de la Fanfare Pourpour), OHM Éditions (de Québec) et AMIM -, on s’apprête à mettre sur le marché pas moins de neuf nouveaux albums, juste à temps pour les célébrations du dixième anniversaire.

    À partir de ce soir, et jusqu’au 1er décembre, les curieux et les amateurs de musique débridée pourront célébrer gratuitement la Super Boom de DAME au Théâtre La Chapelle. «On a décidé d’offrir les soirées gratuitement parce qu’on voulait que les gens achètent les disques», indique sans gêne Joane Hétu, en précisant que les spectacles d’environ 40 minutes (il y en a au moins trois par soirées) seront aussi le reflet des albums lancés simultanément.

    Ces cinq soirées thématiques, qui se présenteront sous la forme de cartes blanches, regrouperont plus d’une quarantaine de musiciens en 14 spectacles. Trois soirées seront dédiées à Ambiances Magnétiques (soirée Bruitisme, Musique improvisée et Nouvelles Musiques d’ensemble), l’une à la jeune étiquette Monsieur Fauteux m’entendez-vous? et l’autre à OHM Éditions, label de Québec versé dans la musique électronique électroacoustique. Et en plus, on vous offre gratuitement une compilation DAME - SuperBoom, avec 33 extraits de parutions récentes.

    Passion et organisation

    Une décennie de vie pour une entreprise dédiée à la musique actuelle, au Québec, pourrait nous faire croire au miracle. Pourtant, il n’en est rien: il faut seulement une bonne dose d’organisation et beaucoup de passion, assure Joane Hétu, rencontrée dans les bureaux de DAME, avenue de Lorimier.

    Selon elle, le fonctionnement de DAME diffère beaucoup de ce que l’on connaît dans d’autres structures du disque: «Ce qui a été bon, c’est l’idée de réunir tous ceux qui faisaient de ce genre de musique. À la longue, les disques des uns faisaient connaître les disques des autres. Puis, on a mis sur pied un bon réseau de distribution international. C’est surtout ça qui nous a maintenus en vie.»

    La saxophoniste et compositrice ne cache pas que le Québec n’est pas son premier marché. Depuis 10 ans, ses disques se sont toujours vendus davantage en Europe, aux États-Unis ou même au Japon qu’ici. «Cette musique est structurée en un réseau de distributeurs, de salles, de revues (comme le magasine anglais Wire, qui critique régulièrement les parutions de DAME), de radios….»

    SuperBoom, c’est pour la fête, mais aussi pour faire mentir l’adage voulant que nul ne soit prophète en son pays. «Pour moi, assure Joane Hétu, DAME reste un catalogue de musique québécoise. Ça fait partie du folklore. Ce sont tous des créateurs d’ici, toujours vivants, qui font de la création teintée de chez nous. En comparant notre musique, on l’entend, ça sonne québécois, il y a des racines.»

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    22 novembre 2001
    Par Réjean Beaucage in Voir (Québec), 22 novembre 2001

    Texte

    «… le pivot central de la musique actuelle au Québec.»

    Joane Hétu est intarissable; le Minidisc se fatiguera avant elle! C’est que nous parlons de DAME, la maison de distribution qu’elle fondait il y a 10 ans et qui, 175 disques plus tard, célèbre sa première décennie par une série de concerts qui fera du bruit. Quatorze spectacles (gratuits!) regroupés en cinq soirées thématiques, deux projections à la Cinémathèque et neuf lancements de disques, plus une compilation offerte gratuitement: voilà un menu qui saura satisfaire les plus gourmands!

    Un peu d’histoire: c’est l’étiquette Ambiances Magnétiques qui a servi de terreau à DAME. Le collectif, fondé en 1983 par Jean Derome, André Duchesne, René Lussier et Robert Marcel Lepage, auquel se sont joints rapidement les trois "supermémés" Diane Labrosse, Joane Hétu et Danielle Palardy Roger, et finalement Michel F Côté et Martin Tétreault, a produit une quinzaine de vinyles avant que Joane Hétu ne se décide à mettre sur pied une structure plus adéquate baptisée Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera. DAME allait bientôt distribuer, en plus des productions d’Ambiances Magnétiques, celles d’OHM Éditions, du collectif Avatar de Québec, et diversifier son catalogue en incluant les étiquettes qui produisent des projets des membres d’Ambiances Magnétiques (Victo, ReR, Rune, etc.), devenant ainsi le pivot central de la musique actuelle au Québec.

    "Il s’en passe des choses en 10 ans! lance Joane Hétu. La compagnie a acquis une réputation et une légitimité importantes. Il ne faut pas oublier qu’il s’agit d’un produit très marginal: on ne fait pas du pop, mais on ne fait pas non plus partie de l’establishment des musiques ; on est entre les deux, quelquefois proche de la musique , quelquefois plus jazz ou plus pop. On fait de la musique impure, et ça, c’est aussi difficile à défendre qu’à vendre! Règle générale, on peut dire que le catalogue se vend mieux à l’extérieur qu’au Québec." Ce qui n’est quand même pas si mal puisque ça permet aux artistes d’ici d’aller fréquemment faire entendre leurs musiques ailleurs et de participer, par diverses collaborations, à une reconnaissance plus large de ces "nouvelles" musiques. Pas un mois sans que l’on retrouve dans The Wire de Londres, référence obligée des recherches musicales de pointe, un article mentionnant l’un des artistes distribués par DAME ou une critique de l’un de ses disques.

    Si le catalogue de DAME ne cesse d’évoluer, on peut également être surpris de la faculté de renouvellement des artistes de la maison. Un coup d’oeil à la programmation de l’événement Super Boom suffit à prouver l’extraordinaire diversité que propose en 2001 cette "petite compagnie". Les festivités se dérouleront au Théâtre La Chapelle et l’ouverture, le mardi 27 novembre, se fera dans un grand fracas bruitiste avec le duo Parasites (Martin Tétreault au tourne-disque sans disques, et Diane Labrosse à l’échantillonneur); puis Jean Derome viendra nous défroisser les tympans en nous faisant visiter son magnifique Magasin de tissu; et, finalement, Michel F Côté et ses acolytes de Bruire (Jean Derome, Normand Guilbeault et Martin Tétreault) démontreront par leurs Chants rupestres que la musique actuelle descend du singe. Et ce n’est que le début! Le lendemain, DAME donne carte blanche à la nouvelle étiquette Monsieur Fauteux m’entendez-vous? pour une soirée de cabaret surréaliste avec les chansons douces-amères du duo Lou Babin et Pierre St-Jak et de leurs amis de L’Hôtel du bout de la terre parmi lesquels on retrouvera avec plaisir une Marie-Hélène Montpetit que l’on n’a pas revue chanter depuis la lointaine époque de Marie et ses quatre maris. Les nouveaux venus du trio Rouge Ciel nous feront ensuite découvrir leur jazz progressif, et La Fanfare Pourpour, descendante directe de L’Enfant fort et du Pouet Pouet Band, terminera la soirée. Retour chez Ambiances Magnétiques le jeudi avec Les Jumeaux de la planète Mars (René Lussier et Robert Marcel Lepage, qui inaugurèrent l’étiquette en 1984 avec leurs Chants et danses du monde inanimé), le trio Polaroïde (nouveau projet du guitariste André Duchesne avec Jean René à l’alto et Pierre Tanguay aux percussions) et Les Poules (Hétu, Labrosse et Roger, qui célébreront la réédition de leur enregistrement de 1986 sans pourtant revenir en arrière). Bonne idée de donner également carte blanche à OHM Éditions le vendredi. Les membres du collectif Avatar de Québec ont le don de concocter des soirées assez déjantées; et la pièce OHM inPLUG, conçue par Steeve Lebrasseur, ne devrait pas être décevante. Diffusion acousmatique de Chantal Dumas, bidouillages électroniques d’Émile Morin, David Michaud et Lebrasseur, et instruments inventés de Georges Azzaria promettent de nous en mettre plein les oreilles. Ce carnaval étourdissant se terminera le samedi avec trois concerts d’ensembles: Interférence Sardines, de Québec; la Chanson du Transsibérien de Pierre Cartier; et Les Projectionnistes de Claude St-Jean (parmi lesquels Normand Guilbeault à la contrebasse fera sa quatrième collaboration de la semaine!). On aura complété le tour d’horizon en passant par la Cinémathèque ce même samedi à 18 h 30 pour visionner Le Chapeau de Michèle Cournoyer (musique de Jean Derome) et l’excellent Trésor archange de Fernand Bélanger, qui suit René Lussier pas à pas, jusqu’en Europe, dans sa quête pour retrouver les origines du Trésor de la langue.

    Ouf! La directrice de DAME, Joane Hétu, peut certes contempler le travail accompli avec fierté, mais ça ne l’empêche pas d’envisager du changement pour la prochaine décennie. Un changement en forme d’expansion, bien sûr! Une histoire à suivre.

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    1 septembre 2001
    Par Pierre Durr in Revue & Corrigée #49 (France), 1 septembre 2001

    Texte

    «… espaces hivernaux marqués aussi bien par la rigueur du climat que par la chaleur des rapports humains.»

    Joane Hétu nous avait plutôt habitués à des pièces fortement expressives, tant par le travail instrumental que par les textes et chants. Sans renier tous les aspects de cet expressionnisme (contenus surtout dans les textes), Musique d’hiver use aussi de touches plutôt impressionnistes, en particulier les deux premières pièces La chute et On s’les gèle. Avec leurs sonorités suggestives, les timbres colorés et variés des différents instruments, Joane Hétu et ses partenaires créent, tel un Signac abandonnant ses paysages maritimes, un quadriptyque d’espaces hivernaux marqués aussi bien par la rigueur du climat que par la chaleur des rapports humains.

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    16 août 2001
    Par Réjean Beaucage in Voir (Québec), 16 août 2001

    Texte

    «Après les avoirs vues séparément ou ensemble dans les projets les plus variés, ça fera plaisir de revoir ensemble ces trois super-mémés.»

    Il y a bien longtemps que l’on a vu ce trio sur une scène à Montréal. Bien longtemps aussi que leur seul disque — vinyle, bien sûr —, est épuisé. Paru en 1986 entre deux albums de Wondeur Brass, celui des Poules sera réédité cet automne dans la foulée du 10e anniversaire de DAME. La compilation Ambiances Magnétiques volume 5: Chante! 1985-2000 parue l’année dernière, nous a permis de redécouvrir Les Poules, caquetant sur La chanson du pain. Hé bien Les Poules sont de retour! Le concert du dimanche 19 août nous ramènera le trio en mode improvisation alors qu’elles nous présenteront des variations sur les projets personnels de chacune des trois musiciennes compositrices. C’est qu’il en a coulé de l’eau sous les ponts depuis 1986! Chacune de ces pionnières de la musique actuelle montréalaise a participé à plusieurs projets d’autre membres du collectif Ambiances Magnétiques en plus de proposer des projets solos: Joane Hétu (saxophone, voix) avec Seule dans les chants, Diane Labrosse (échantillonneur, claviers, voix) avec son Petit traité de sagesse pratique et Danielle Palardy Roger (percussions, voix) avec Voyage en aphasie mineure, entre autres. Après les avoirs vues séparément ou ensemble dans les projets les plus variés, ça fera plaisir de revoir ensemble ces trois super-mémés.

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    1 avril 2001
    Par Bruce Coates in Rubberneck (RU), 1 avril 2001

    Texte

    «Her transparent minimal approach allows the listener greater intimacy with the musician…»

    Solo improvisation has come to represent the highest expression of the improvisor. Perhaps for good reason as it takes a special imagination or careful tactician to keep it interesting for sustained periods. As a practice, it has grown progressively since Eric Dolphy’s great deconstructions of God Bless The Child in the early 60s. While not all of these three saxophonists provide great examples, they all approach the problems of solo improvisation in interesting and varied ways.

    Saxophonist Lazro’s work owes much to the Dolphy model, particularly in the way that figures are repeated, elaborated and transformed. This of course has become a standard methodology for the solo improvisor, Evan Parker being the most extreme example. If Lazro’s approach provides no real surprises, it is the rigor and consistency of its application that is out of the ordinary. This attention to craft gives many of the pieces a strong inner logic and satisfying unanimity. Ironically, perhaps, it is when Lazro attempts his own deconstruction of existing material - in this case an Albert Ayler tune - that the music is at its structurally most incoherent. This nod to history is also reflected in his use of the instrument as a sound-making device. While he uses the usual range of extended techniques, Lazro also relishes the standard sounds of his instruments and there are times when for a few minutes the ghosts of earlier eras are audible.

    Lacy is an example of a particularly special imagination. His ability to create in the kind of unfettered way that many assume to be the Holy Grail of free improvisation is remarkable but untypical of improvisors as a whole; there are few other improvisors that can deliver this consistent level of surprise and delightful ingenuity. Steeped in the jazz tradition, Lacy makes use of compositional structures to kick-start and then shape his imaginings but one still feels that his improvisations could go anywhere and indeed one expects it of him. Although he makes use of a range of extended techniques, like Coxhill who comes closest to him in approach, his improvisation is deeply tonal and deals with the creation of rhythmically varied melody. The variety of Lacy’s approaches to the solo makes this recording the closest thing you’ll find to a masterclass on the subject.

    Hétu’s approach is not dissimilar to that of Lazro but her improvisations stand as haikus to Lazro’s sonnets. Lacy and Lazro constantly remind you that they are playing an instrument with a wealth of tradition and associations while Hétu appears to want to strip away this heritage and leave the listener with a fresh understanding; in some ways the fact that it is a saxophone she is playing is irrelevant. This is further heightened by her use of voice. This is deceptively simple music. While she has an obvious technical sophistication, she uses it to explore tiny fragments of music or sound. The music is almost never developmental and this gives it a static abstract quality. Her transparent minimal approach allows the listener greater intimacy with the musician than the grander statements of the other two. One is held in rapt attention as she coaxes and cajoles sound from her instrument.

    blogue@press-1492 press@1492
    22 février 2001
    Par Nicolas Tittley in Voir #728 (Québec), 22 février 2001

    Texte

    «Au programme: un paysage de vents frisquets, crissements de neige et craquements de glace.»

    L’infatigable Joane Hétu, l’une des artistes les plus productive d’un label qu’elle doit aussi gérer, présentera quant à elle Musiques d’hiver, une œuvre pour cinq musiciens (Hétu, Derome, Dostaler, Labrosse, Tanguay) qui avait été présentée il y a un an au Centre Calixa-Lavallée. Au programme: un paysage de vents frisquets, crissements de neige et craquements de glace. Madame Hétu est aussi une grande voyageuse, puisque Nous perçons les oreilles, le duo qu’elle forme avec Jean Derome, se rendra en Australie dans quelques semaines.

    blogue@press-1409_002 press@1409_002
    1 octobre 2000
    Par Luc Bouquet in Écouter voir #106 (France), 1 octobre 2000

    Texte

    «Entre minimalisme rauque et convulsions emportées, Joane Hétu hisse haut l’étendard de la poésie déraisonnable.»

    Hétu, Joane: Le Chant têtu de Joane

    Née en 1958, Ia saxophoniste ct chanteuse Joane Hétu peut passer d’une seconde à l’autre du chuchotis le plus doux au cri le plus perçant. Avec le quartet Justine elle s’engoufre sur le chemin du bariolage et des ritournelles éclatées (Justine - (suite) / AM 016) Au sein de Castor et compagnie (Derome / Labrosse / Tanguay) qu’elle dirige depuis 1992, elle convoque l’insolite en utilisant collages et superpositions surprenantes. Fausses comptines enfanties, paroles mutines et décalages astocieux, son travail met en évidence un sens aigu de l’absurde et de la douce provocation (Mets ta langue / AM 062). Toutes choses à nouveau présentes sur son nouvel opus solo (Seule dans les chants / AM 077) dans lequel se retrouve nu et ouvert le chant profond de la musicienne. Entre minimalisme rauque et convulsions emportées, Joane Hétu hisse haut l’étendard de la poésie déraisonnable.

    blogue@press-1573_003 press@1573_003
    1 septembre 2000
    Par Henryk Palczewski in Informator “Ars” 2 #28 (Pologne), 1 septembre 2000

    Coupure de presse

    blogue@press-1623 press@1623
    7 avril 2000
    Par Dolf Mulder in Vital #220 (Pays-Bas), 7 avril 2000

    Texte

    The title of the new cd by Joane Hétu describes exactly what it is: Seule dans les chants. It is her first solo effort for voice and alto sax. The recordings were made between 1997 and 1999. What we hear is the result of an intense process of montage and mixing that followed after the recordings. So although the music makes the impression of being improvised, it is in fact composed in the studio. The music is poetic and intimate in character. Hétu investigates the sounds she can make by her mouth. Just singing is not her interest. To this she added her favorite alto sax sounds: “I am a sax player and a singer, I am not a sax player or a singer”. A very personal document

    blogue@press-1209_003 press@1209_003
    1 mars 1999
    Par Frank Rubolino in Cadence #25:3 (ÉU), 1 mars 1999

    Texte

    «The use of voice to complement music has become standard fare with Derome , and he and Hétu use it intelligently…»

    Joane Hétu (alto and voice) and Jean Derome (alto, small instruments, percussion, and wice) appear as a duet on Nous perçons les oreilles (Ambiances magnétiques). This time, the music is the more dominant influence, with the vocals adding color and texture to the fierce alto screams rather than acting as a story-telling device. Hétu again uses scatting vocal utterances in conjunction with the music, but she devotes equal concentration on this set to the alto that she blows with reckless abandon on many of the selections (Nous Perçons / Le Poinçon / Jonquille / Les osselets / Lea / Les oreilles / L’enclume et le marteau / L’étrier / La ouate / Les orteils / Ça va pas). The use of voice to complement music has become standard fare with Derome (he scripted all the text), and he and Hétu use it intelligently on this date as an alternate for additional instrumentation. Their voices interact with their instruments in staccato fashion to provide a diverse sound stage of irregular beat and freedom playing. When the two are in tandem on alto, they play either a cat and mouse sound game or blow intensely in freeform style. The cacophony of the horns melts into screechy vocal outbursts or guttural tones to yield strange but musical results. This recording is unusual but certainly excitinq and original.

    blogue@press-1528 press@1528
    1 mars 1999
    Par Pierre Durr in Revue & Corrigée #39 (France), 1 mars 1999

    Texte

    «… une musique fortement structurée et puissante, qui mêle l’humour et la tendresse…»

    Ce n’est pas vraiment Sade, mais les textes sont bien osés, délicieusement érotiques et ils auraient bien entendu convenus à Justine. Joane Hétu a préféré se les garder pour elle et son groupe.

    Gémissements et râles mais aussi d’autres délires vocaux sont ainsi au rendez-vous d’une musique fortement structurée et puissante, qui mêle l’humour et la tendresse mélodique à des effets bruitistes issus d’une pratique d’improvisation sonore qui caractérise de plus en plus le collectif québecois.

    blogue@press-1529_101 press@1529_101
    1 mars 1999
    Par Pierre Durr in Revue & Corrigée #39 (France), 1 mars 1999

    Texte

    «une confrontation ludique et presque innocente de saxophones alto, de divers instruments à vents, de percussions, de voix à l’image d’une iconographie enfantine.»

    Justement, c’est le registre qu’a choisi — encore elle — Joane Hétu dans un second opus en compagnie de Jean Derome (par ailleurs compagnon de Castor et compagnie) Nous perçons les oreilles s’inscrit en effet dans la suite logique des récents enregistrements bruitistes de Lussier / Tétreault ou de Labrosse / Mori / Tétreault, avec une approche nettement plus acoustique: ici ni échantillonnages, ni tourne-disques, mais une confrontation ludique et presque innocente de saxophones alto, de divers instruments à vents (appeaux, etc.), de percussions, de voix à l’image d’une iconographie enfantine.

    blogue@press-1529_102 press@1529_102
    1 février 1999
    Par Chris Blackford in The Wire #180 (RU), 1 février 1999

    Texte

    «… a more rough and ready celebration of unusual sound creation.»

    Derome’s duo album with Joane Hétu is also suffused with playful elements, especially Jonquille. In which a list of single words is recited to charming rhythmic effect. Mostly however the duo explores abstract improv. Hétu’s wordless vocals (and occasional,alto sax) rising expressively against Derome’s alto sax and numerous small wind instruments. Use of the latter lends the improvising a refreshing anti-virtuosic feel, where technical polish is abandoned for a more rough and ready celebration of unusual sound creation. L’étrier typifies the physical thrill of extreme sounds in extraordinary juxtapositions. Fans of Phil Minton and Doger Turner’s duo will welcome this equally adventurous Canadian pair with wide open minds.

    blogue@press-1530_103 press@1530_103
    22 octobre 1998
    Par Vincent Collard in Ici Montréal (Québec), 22 octobre 1998

    Texte

    «Ici, on est dans le ludisme pur.»

    Ici, on est dans le ludisme pur. Un duo d’improvisation où la complicité du couple est un sine qua non. Les ressources sonores de la voix, des instruments à vent et de toutes les «gogosses» possibles pouvant produir un son quelconque sont exploitées à outrance, sans compromis. Le plus aigu, le plus grave, le plus fort, le plus doux; tout s’enchaîne dans la spontanéité folle de ces deux enfants qui déconnent, comme sans se rendre compte qu’on les observe. Forcément, tout n’est pas d’un égal intérét. Mais cette façon de faire les choses donne parfois des résultats étonnants…

    blogue@press-1531 press@1531
    21 octobre 1998
    Par Mathieu Fournier in Montréal Campus (Québec), 21 octobre 1998

    Texte

    «… un univers sensuel et corrosif à la fois, comme toutes les grandes passions.»

    Sur Mets ta langue, Joane Hétu, accompagnée de son collectif, Castor et Compagnie, impressionne par ses compositions plus personnelles. Loin d’être naïves, les 11 chansons d’amour qu’elle propose dépeignent un univers sensuel et corrosif à la fois, comme toutes les grandes passions.

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    19 mars 1998
    Par François Tousignant in Le Devoir (Québec), 19 mars 1998

    Texte

    «… des musiciens genéreux donnent réalité à cet art mystérieux qu’est la musique, offrent leur amour profond des idées neuves et du son.»

    Loin, loin, trés loin des hauts endroits où l’on étudie des choses qu’on aime limiter à un état cadavérique pour s’emparer d’elles comme objet loin. Loin, très loin de ceux qui savent, il existe un jardin enchanté et secret, pas toujours raffiné ou très beau, mais où la musique vit celui de ceux qui la font. En cet enclos particulier, des musiciens genéreux donnent réalité à cet art mystérieux qu’est la musique, offrent leur amour profond des idées neuves et du son.

    Le premier spectacle de Nous perçons les oreilles, sorte d’édition-festival de fin d’hiver des «actualistes» montréalais, s’est révélé un franc succès. Il est malaisé de tenter de rendre justice à ce qui s’est passé mardi soir, à la Maison de la culture Plateau Mont-Royal; tout au plus peut-on essayer d’en témoigner.

    La modernité revient!, enfin!, et de la plus belle manière. Loin des circuits savants (et fermés), l’héritage des Cage, Kagel, Berio reste bien vivant et fertile. Il fallait entendre la première «improvisation» de Jean Derome et Joane Hétu pour comprendre ce qu’est la musique vivante, celle qui s’imagine avec des petits riens, qu’on invente sans jamais l’apprendre parce qu’on l’a prise à bras-le-corps avec amour et passion.

    Sur le fil tenu de l’instant fugace qui jamais ne reviendra s’élève un torse magnifique qui tire tout son pouvoir expressif de ses fulgurances géniales et de ses faiblesses décevantes. Au crépuscule d’un art encroûté dans l’académie se dressent les turions d’une nouvelle forme provocante et revendicatrice par sa simple existence: jouer de la musique. Dans ces constructions sonores de Jean Derome résonne le plus bel écho soixante-huitard: l’imagination au pouvoir!

    Terrains et émotions vierges, voilà ce qu’on entend. Magie de la poésie et du sens renouvelés. Impossible d’analyser cela de l’épingler pour objet d’étude. Il faut y être, se soumettre à ses méandres, oser se tromper — ou triompher — en direct. Derome remporte la palme, dominant sa matière magistralement. Sa compagne reste plus en retrait. Elle essaie trop de le rejoindre plutôt que de se laisser aller.

    Au risque de passer pour snob, je trouve qu’il manque encore un peu de verni, voire de respect (Derome par moment, semble maladroit avec ce statut d’artiste qu’il invente — plus de fierté de votre part, s’il vous plait, vous y avez droit!) envers l’acte qui se pulvérise en son. La présence du magnifique texte de Sylvie Massicotte (efficacement lu par l’auteure) a prouvé que la prestation musicale doit aspirer à un «niveau» plus responsable, ce qui veut dire qui n’a plus honte d’être ce qu’il est. Derome et Hétu méritent mieux que ce qui leur est généralement reconnu, ne serait-ce que pour les vertiges du cœur qui, tout à coup, emplissent nos oreilles.

    Cette première soirée dialoguait avec le cinéma. L’idée est naïvement mignonne. MacLaren a déjà fait cent fois mieux et le processus est stérile. On sourit à la tentative, sans plus. Mercredi, nos acolytes se colletteront avec la danse puis, ce soir, entre eux. Ce dernier spectacle musique-musique sera repris vendredi à la Maison de la culture Villlerav/Saint-Michel/Parc-Extension. À prendre un risque, vous serez peut-étre déçu, mais vous serez peut-étre aussi complétement ébloui.

    blogue@press-1532 press@1532
    12 mars 1998
    Par Michael D Hogan in Ici Montréal #1:25 (Québec), 12 mars 1998

    Texte

    «On peut faire confiance à Hétu et Derome, férus de musique improvisée depuis plus de vingt ans, pour bien s’entourer et s’organiser pour se faire entendre.»

    Les saxophonistes Joane Hétu et Jean Derome, complices dans la vie comme en musique, présentent une série de quatre concerts en deux parties, pour lesquels ils ont invité des artistes de différentes disciplines à improviser, par paires, en leur compagnie. «Méme si c’est un spectacle qu’on ne présente pas souvent, c’est un projet très vivant pour nous, raconte la musicienne. Ce n’est pas quelque chose qui est dans l’agenda. Nous sommes conjoints dans la vie et on se retrouve parfois le soir, quand les enfants sont couchés, pour improviser et composer. A la diffêrence de Castor et compagnie[son dernier CD], où l’on retrouve mes musiques et mes textes, ici, le résultat se développe à la faveur de notre rapport. C’est une façon de travailler qui me permet beaucoup de liberté et qui suppose énormément de complicité. Nous perçons les oreilles, ce sont des chansons très courtes, naïves et humoristiques. accompagnées de musiques bruitistes radicales. Ça porte bien son nom.»

    Chaque soir, un autre duo se joindra aux musiciens en deuxième partie. Pierre Hébert et Sylvie Massicotte, dans une rencontre musique-cinéma-littérature, ont déjà travailié ensemble et avec Derome. Louise Bédard et Andrew de L. Harwood sont rompus à l’improvisation en danse. De leur côté, Danielle P. Roger et Pierre Tanguay sont deux percussionnistes bien connus de la scène de la musique actuelle. «Nous trouvions intéressante l’idée de réunir différentes disciplines artistiques pour montrer comment elles peuvent influer l’une sur l’autre. Par exemple, la musique ne sera pas reçue de la méme façon si elle est mise en rapport avec la danse ou l’image cinématographique. On pourrait dire que le duo de saxophones reste le pilier du spectacle, mais qu’il prend un éclairage dffférent chaque soir. Tout dépend du rapport qui s’installera avec les autres. L’improvisation, qu’elle soit musicale ou multimédia, reste un art de la conversation, Chacun doit être à l’écoute des autres et ne pas avoir d’idées préconçues. Sinon, on prend le champ dès le départ.»

    On peut faire confiance à Hétu et Derome, férus de musique improvisée depuis plus de vingt ans, pour bien s’entourer et s’organiser pour se faire entendre. A preuve, cette série de concerts est le prélude à la sortie d’un album, et le premier de trois événements qu’organisent cette année Les Productions Super Mémé, la boïte qui met en scène les musiques audacieuses à Montréal.

    blogue@press-1533 press@1533
    12 mars 1998
    Par Nicolas Tittley in Voir (Québec), 12 mars 1998

    Texte

    Joane Hétu et Jean Derome seraient-ils échangistes? À en juger par la série de rencontres organisée par le couple d’actualistes montréalais — sous le nom de groupe, Nous perçons les oreilles -, on pourrait bien le croire. Trois soirs durant, les deux musiciens multiplieront les échanges à quatre sur la scène de la maison de la culture du Plateau Mont-Royal, et confronteront leurs méthodes d’improvisation à celles d’artistes issus de disciplines différentes. Arméss de leurs saxos, de leur voix et de la fameuse collection de flûtes et d’apppeaux en tous genres de Jean Derome, les deux artistes de musique actuelle livreront chaque soir le fruit de leur collaboration intime d’être rejoints sur scène par des tandems de cinéastes, d’écrivains, de danseurs et bien sûr de musiciens. «On voulait travailler avec l’idée de couple et, chaque soir, on va collaborer avec un homme et une femme explique Joane. Le premier soir est consacré à la littérature et au cinéma avec les textes de Sylvie Massicotte et les grattages de pellicule en direct dc Pierre Hébert. Dans le deuxième, on aborde la danse avec Louise Bédard et Andrew Harwood; et le troisième est une rencontre entre nos deux sax et deux percussionnistes Danielle P. Roger et Pierre Tanguay.»

    Comme les deux membres du couple sont constamment occupés par des projets divers Nous perçons les oreilles n’a donné que quelques rares performances underground jusqu’à présent mais il s’agit d’un projet en constante évolution auquel Hétu et Derome semblent consacrer beaucoup d’énergie. «C’est quelque chose qui est assez facile à garder vivant du fait qu’on habite ensemble», explique Joane. «Ça se fait spontanément le soir quand les enfants sont couchés; on se met à faire de la musique ensemble.»

    Leurs échanges se font généralement sur le terrain de l’improvisation musicale mais Joane a aussi un fort penchant pour la chanson comme elle l’a démontré brillamment avec l’un de ses autres groupes (Castor et compagnie). Elle s’empresse toutefois de piéciser que les deux formations fonctionnent de façon complètement différente. «Castor est vraiment un groupe de chanson alors que Nous perçons les oreilles est un ensemble musical dans lequel on retrouve des chansons nuance-t-elle. Dans Nous perçons les oreilles les textes sont surtout choisis en fonction de leur musicalité parfois, il s’agit de simples listes d’objets de tous les jours.» Quant à la musique elle semble suivre des voies plus imprévisibles mais la complicité entre les deux artistes/amoureux est telle que l’improvisation semble couler de source. «Il v a deux plans distincts dans ce groupe» poursuit Derome. «D’un côté on développe un répertoire de chansons écrites et de l’autre on expérimente en improvisation avec toutes les combinaisons imaginables entre nos instruments que ce soit à deux voix, une voix et un sax, deux sax et toutes les possibilités que nous permettent les flûtes et les appeaux. Ce qui est intéressant, c’est le contraste entre les chansons — qui sont à la fois complètement absurdes et très proches du quotidien — et les improvisations qui sont plus près du côté hard de la musique actuelle»

    Même si Hétu et Derome se proposent d’explorer à fond les deux pôles de Nous perçons les oreilles au cours de leurs spectacles ils ont choisi la voie instrumentale pour leur premier album qui devrait paraitre sous peu chez Ambiances Magnétiques. Mais comme tout semble arriver par paires chez ces deux-là on aura aussi droit à un disque mettant l’accent sur la version chantée avant longtemps.

    blogue@press-1796 press@1796
    1 avril 1996
    Par Luc Bouquet in ImproJazz (France), 1 avril 1996

    Texte

    «… l’œuvre des débuts, donne une palette de musiques hétérogènes, les unes très claires, fines et riches de chromatismes précieux, les autres hirsutes, intenses, électrisantes, toutes ciselées par un travail incessant.»

    Un peu en marge par rapport à la notoriété internationale (bien gagnée, pour sûr!) des confrères René Lussier, Jean Derome et André Duchesne, les jolies filles qui partagent le nom de Justine -Diane Labrosse, Joane Hétu, Marie Trudeau et Danielle Palardy Roger- se posent en porte-drapeau et en porte-parole de la musique nouvelle québécoise. Elles sont, pour tout ce qui concerne la musique, très politisées et travaillent très dur depuis quinze ans, que ce soit en solo ou en collectif, pour obtenir l’autogestion totale de leur musique. Justine organise des festivals, des concerts et des représentations ouvertes à la «contamination» multimédia, et s’occupe du label «Ambiances magnétiques, devenu désormais DAME.

    Né en 1987, le quartet nous offre un rock hybride avec des clins-d’oeil intelligents à la chanson pas banale, avec des pincées de musique folk des communautés de langue française de l’Amérique du Nord; tout ceci est bien entendu passé au crible d’une sensibilité surfine.

    Tout en maintenant les expériences de Wondeur Brass et des Poules (partagées presque par tous les membres), Justine a essayé de dépasser les aboutissements des deux ensembles d’origine pour en synthétiser l’essence. On peut donc écouter une musique qui se partage entre improvisation (Les Poules) et composition stricte (Wondeur Brass), avec un usage considérable et toujours en évolution de l’électronique. Suite (AM 016, 1990), l’œuvre des débuts, donne une palette de musiques hétérogènes, les unes très claires, fines et riches de chromatismes précieux, les autres hirsutes, intenses, électrisantes, toutes ciselées par un travail incessant Après Suite, nos amies ont franchi les frontières toujours gênantes du groupe pour multiplier les œuvres en solo (dont on trouve désormais des traces discographiques) à l’égare du théâtre, de la danse et des liaisons musique / art visuel. Même l’amour pour l’improvisation (tout à fait originale) a trouvé un élan renouveIé et a mûri pour aboutir à une quantité de rencontres et d’événements parallèles, parmi lesquels il faut citer l’organisation des projets «Rencontre Montréal-New York» (en 1989), Tohu-Bohu, Les Muses au Musée et La Légende de la Pluie (dont il existe une version en CD), ce dernier avec la participation de Tenko, Zeena Parkins et Geneviève Letarte entre autres, et joué au festival New Music America en 1990.

    Pour une meilleure compréhension du mariage original de Justine avec l’improvisation, je suggère la lecture de l’article consacré au groupe paru dans le n° 54 de «Musicworks», (Quand les femmes se mêlent d’improvisation), avec, dans le support CD joint au magazine, deux morceaux extraits d’un concert de «Double Sens», une improvisation légèrement zornienne qui implique la musique et le mouvement, les règles sévères de l’exécution et l’improvisation coordonnée pour cinq danseurs et cinq musiciens (pour ce concert, Mesdames Hétu, Roger, plus Zeena Parkins, Kathy Kennedy et Claire Marchand). Tout ceci sert de fondations à la deuxième création du quartet Langages Fantastiques (AM 033, 1994) œuvre jouée «live» en studio d’enregistrement, juste après une formidable tournée de quinze concerts en Europe. «Cette tournée a été très importante pour Justine» écrit Danielle P. Roger (dm, vc) «parce qu’elle a suivi une période de relative séparation entre nous, à cause de plusieurs projets à l’extérieur de l’ensemble. Quelle peine pour repartir d zéro et de retrouver l’imagination et la manière spontanée! Et pourtant, pendant ces jours-là, notre musique, la musique de Justine a ravi nos âmes et nos cœurs, et nous avons pu enfin voir notre musique comme à travers une loupe. Elle nous a semble beaucoup plus claire et bien sûr, cela a contribué à la fortifier. Plus tard, en salle d’enregistrement, nous avons essayé de capturer les énergies et l’inspiration lucide de ces jours-là».

    Les morceaux du disque -constituent pratiquement l’ensemble des pièces pendant les deux séries de concerts donné en Italie et en Allemagne l’année dernière,sont pour la plupart des compositions instantanées avec des sections qui visent à «teindre» des paysages tendus et dramatiques qui côtoient des sections plus structurées, contenant des riffs merveilleux en abondance:Bon appétit, et des cadences qui s’accélèrent: Encre de Chine.

    Des chansons incisives et des dialogues pétillants au milieu des voix, du saxo et des claviers dessinent des voyages musicaux insolites et ouverts sur plusieurs contacts, pendant lesquels on peut percevoir des certitude, des lacérations, de l’énergie et des paradoxe poétiques. Deux morceaux, Vidanges domestiques et Manigances Fantastiques sont déjà sortis (avec des versions différentes) sur célébrant les dix années d’Ambiances magnétiques (Une Théorie des Ensembles, AM 022 1992). Deux autres morceaux, La cigale s’impatiente et Marguerite (ce dernier écrit pour Marguerite Duras) se trouvent dans la compilation Dice - A Collective Contemporary Women Composers ( Records, 1993), produit et réalisé par pool de musiciennes engagées dans le free-jazz, l’improvisation, le rock d’innovation et les autres musiques inclassables fondées surtout sur l’emploi de la voix.

    blogue@press-2478 press@2478
    1 septembre 1992
    Par Danielle Tremblay in Musicworks #54 (Canada), 1 septembre 1992

    Coupure de presse

    blogue@press-10485 press@10485
    1 août 1990
    Par Daniel Rolland in SOCAN, Le Milieu #1:6 (Canada), 1 août 1990

    Texte

    «On dit d’elles qu’elles sont l’avant-garde québécoise.»

    On dit du quatuor qu’il est l’avant garde québécoise. Wondeur Brass comptait à ses débuts neuf musiciennes et chanteuses. Au fil du temps leur nombre a diminué passant de neuf à sept puis six, puis cinq. Maintenant elles sont quatre et le quatuor s’appelle désormais Justine. Les quatre acharnées sont Joane Hétu, sax alto, Diane Labrosse, claviers, Danielle P. Roger, batterie et Marie Trudeau, basse électrique. On dit d’elles qu’elles sont l’avant-garde québécoise. Tout récemment, sous leur nouveau nom, elles lançaient un quatrième album, Justine (Suite), sur étiquette Ambiances magnétiques.

    Justine, c’est d’abord de la musique actuelle. Vaste définition qui englobe les courants de la musique jazz, rock, punk, alternative et musique improvisée. Le changement de nom vient du fait que ne comptant plus qu’une saxophoniste au sein de la formation l’appellation de Wondeur Brass ne convenait plus tellement.

    Un chroniqueur a décrit leur cheminement musical de la sorte: musique éclatée-renfermée, articulée-désarticulée, structurée-improvisée, le silence-bruit et la tendresse-violence. Assez de définitions en apparence contradictoires pour susciter la plus vive curiosité. Mais si l’emploi de divers courants musicaux peut conduire à la plus grande confusion, il faut savoir que Justine a une maîtrise de la situation, et tout coule en parfaite harmonie.

    Mais jouer n’est qu’une facette du métier, et afin de mieux diffuser la musique actuelle, elles ont fondé leur maison de production, Super-Mémé, et sont membres-productrices de l’étiquette Ambiances magnétiques, qui compte dans son catalogue des artistes comme Jean Derome, René Lussier et André Duchesne.

    Avec le disque, Justine a composé un spectacle revampé de fond en comble qui conserve la même énergie à laquelle nous avait habitués Wondeur Brass. Joane, Diane, Danielle et Marie ont choisi de ne pas passer inaperçues.

    blogue@press-1505 press@1505
    1 août 1990
    Par Raymond Gervais in Parachute #55 (Québec), 1 août 1990

    Texte

    «Wondeur Brass oscille entre la chanson trouble, inquiète, fendue, et une affirmation plus vitale ou extravertie de soi, où, l’humour, un certain dadaïsme post industriel côtoient l’insolite, le plaidoyer…»

    Ce collectif entièrement féminin a édité deux disques avec un personnel un peu différent. Un autre album du trio Les Poules regroupe, de fait, trois des quatre membres de l’actuel Wondeur Brass et peut donc presque être considéré comme une troisième réalisation du même groupe.

    Il y a toute une histoire fascinante du jazz au féminin qui est de mieux en mieux documentée depuis le début des années soixante-dix, à l’échelle internationale. Montréal possède aussi son histoire du jazz au féminin, de Jane Fair autrefois à Lorraine Desmarais aujourd’hui. Le récent festival international des musiciennes innovatrices en constitue l’un de ses jalons récents les plus prestigieux (orchestré par Wondeur Brass -Productions Super Mémé).

    En tant que collectif féminin, ce groupe cependant reste unique dans la métropole actuelle. Il s’agit de Joane Hetu au saxophone, Diane Labrosse aux claviers, Marie Trudeau à la basse électrique et Danielle P. Roger à la batterie. Le jazz new wave que pratique Wondeur Brass s’appuie beaucoup sur les textes lui aussi, sur la voix donc, prolongeant peut-être ainsi, à sa manière, les porte-paroles féminins engagés d’antan, de Marie Savard avec Pierre Leduc ou Louise Forestier avec le quatuor de jazz libre du Québec à d’autres grands noms de l’extérieur, tels Brigitte Fontaine, Irène Aebi, Colette Magny et d’autres (pour la séduction moqueuse, la remise en question des valeurs établies, une certaine fascination pour l’interdit, l’expression d’un cri poétique contestataire, ludique, désinvolte)

    Tel ce métronome inspiré de Man Ray qui orne la pochette de leur dernier disque, la musique de Wondeur Brass oscille entre la chanson trouble, inquiète, fendue, et une affirmation plus vitale ou extravertie de soi, où, l’humour, un certain dadaïsme post industriel côtoient l’insolite, le plaidoyer, les jeux de mots, un érotisme latent, etc. Ce jazz de fusion électro-acoustique un peu gauche parfois, inachevé, désespéré/lucide, exprime donc tout autant un malaise, une difficulté d’être qu’une liberté reconquise dans l’action, via l’improvisation, le jeu libre, spontané.

    Le premier album du groupe avec entre autres, la présence d’une tromboniste avait une couleur plus jazz et fort attrayante (cf.: Free Fast and Clean). Le plus récent disque intitulé Simoneda se rapproche peut-être plus du rock progressif marginal alors que Aie collectif Les Poules est sans doute plus expérimental d’approche, plus brouillon aussi ou inachevé. En bref un travail en cours passionnant, brut, essentiel à suivre. (En ce qui concerne Simoneda reine des esclaves, Wondeur Brass précise qu’il s’agit d’une «fable anachronique sur la désuétude du progrès, une histoire d’oiseaux en cage qui raisonnent autour d’un métronome échevelé».)

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    1 juillet 1990
    Par Andrée Laurier in Le Musicien québécois #2:3 (Québec), 1 juillet 1990

    Texte

    «… elles dansent sur la corde ténue de la fin de siècle, avec tout ce que cet exercice suppose de bravoure et de générosité.»

    Montréal ne serait pas Montréal sans l’effervescence des artisans de la musique actuelle qui sont de mieux en mieux organisés, de plus en plus connus et de plus en plus persuadés que l’originalité attise les muses.

    Quatre musiciennes de ce milieu viennent de lancer le groupe Justine, qui, sous un prénom presque sage, emprunte un parcours inédit. Ce quatuor féminin regroupe Joane Hétu, Diane Labrosse, Danielle Palardy Roger et Marie Trudeau, qui naviguaient naguère sous le nom de Wondeur Brass. Mais, comme il ne reste plus qu’une saxophoniste parmi elles et que le soutien-gorge n’a plus la valeur symbolique qu’il avait, leur nouveau nom rompt la continuité, pour annoncer une musique déjà plus synthétique, tournée encore plus résolument vers un éclectisme rayonnant.

    Ces femmes le disent: elles ont du cœur. Tellement que même l’oreille la plus étrangère à cette musique truculente, désobéissante et joyeusement délirante ne peut rester indifférente à la fête à laquelle elle est conviée. C’est une fête qui bouleverse ou qui séduit; pas de milieu. Avec son premier disque, le groupe Wondeur Brass ravissait; avec le deuxième, Simonéda, reine des esclaves, ces femmes réfléchissaient et frôlaient sérieusement le domaine de la musique contemporaine dite sérieuse. Avec le disque qu’elles lançaient fin mai, aux Loges, et qui s’intitule Justine (suite), elles se mettaient à danser sur la corde ténue de la fin de siècle, avec tout ce que cet exercice suppose de bravoure et de générosité. Car, ces suites modernes, faites pour convier au mouvement, sont l’appel à une grave liberté, une invitation vers une rencontre où les repères sont changés et où le parcours ne suit aucun mode d’emploi.

    Dimension sonore Dimension ludique

    Justine, sous certains aspects, relève du fabuleux. Et, lors des spectacles qui ont suivi le lancement du disque, on sentait chez les quatre musiciennes une connivence qui tient d’un conciliabule de fées, réunies là pour conjurer, pour créer une dimension sonore ou ludique qu’elles ont conçue expressément pour qu’elle leur échappe. Il s’agit bien d’un monde sans recettes connues, où le regard est lucide et l’avenir affronté sans détour. On a, pour seul guide, un plaisir à saisir, un plaisir à double tranchant, qui séduit un instant pour aussitôt décontenancer.

    «Notre pensée musicale est une cohabitation de paradoxes», dit Danielle Roger, pour situer l’univers justinien (n’y avait-il pas un empereur de ce nom?… ). «C’est à l’image du monde dans lequel on vit, explique-telle, où tout coexiste: la cybernétique et les modes de vie ruraux et anciens; la musique acoustique et la musique synthétique.»

    «L’Est et l’Ouest», renchérit Joane Hétu.

    La mesure d’une belle démesure

    S’il fallait les décrire en groupe, assises dans un salon du Plateau Mont-Royal, on n’aurait jamais la mesure de leur belle démesure, parce qu’elles ont la simplicité des gens qui innovent, sans chercher à se rallier au son radiophonique, et dont la carrière est bâtie sur une grande et singulière part d’incertitude. Mais elles ne forment certainement pas un groupe hétéroclite. La plupart d’entre elles jouent ensemble depuis des lustres.

    Danielle Roger, quand elle n’est pas à la batterie, est sans doute la plus intellectuelle du quatuor et articule ses pensées avec facilité, à l’aise dans l’abstraction. En musique, elle parle en rythmes, cherche sans cesse à les briser, à les triturer, à les dérouter, et s’amuse follement à dépenser des centaines de calories sur scène. Son énergie est au moins égale à celle de Joane Hétu, la saxophoniste, qui illustre le mieux l’individualité de chacune d’entre elles et qui a, depuis longtemps, pris le parti de la dissonance. Elle a une voix de prêtresse sombre, une voix de l’inconscient, qui donne des frissons dans L’intelligence du cœur.

    Diane Labrosse, aux claviers, a un faible pour l’harmonie, et sa féminité bien assise en fait la voix idéale de tout ce qui est évocateur dans la douceur. Si la voix de Danielle Roger joue avec un comique désopilant la candeur et sait parfois l’étirer jusqu’à frôler l’hystérie, celle de Diane Labrosse a une qualité publique de speakerine officielle ou d’observatrice plus détachée; elle serait en quelque sorte la conscience sociale, le message à lire. Marie Trudeau, à la basse, illustre l’ingéniosité et le détachement; avec ou sans archet, elle est polymorphe et évoque une variété de sons et de personnages (des météores, peut-être?).

    Attention: électricité

    Difficile à décortiquer: ces dames ne jouent pas seulement d’un instrument. Leur corps est de la partie. Elles font une foule de bruits inimaginables, qui évoquent souvent les cris des viscères. Elles tirent d’ailleurs parti de tout dans la composition de leur musique; de tout, y compris des techniciens du son et du studio lui-même. Si l’on pouvait tirer un son d’un archet sur de la gomme à mâcher, Justine aurait déjà cette technique à son répertoire. Ces musiciennes se donnent complètement aux atmosphères qu’elles créent; on se sent pris à partie, sollicités, interrogés… et parfois survoltés, comme si on venait de mettre la main sur un fil à haute tension.

    «Moi-même, je ne pourrais pas écouter la musique qu’on fait à longueur de jour», dit Joane Hétu. «Je deviendrais folle…»

    Le nouveau départ avec Justine s’accompagne d’accessoires de haute technologie, tels que les synthétiseurs dont se servent Joane Hétu et Danielle Roger. Mais comme Wondeur fut naguère composé de musiciennes de rue, le groupe n’a rien perdu de ce qu’il a d’organique et de spontané sur scène.

    «Notre musique n’est jamais finie, précise Danielle Roger. On fait partie de la nouvelle musique, qui ne voit pas la musique comme une partition; la musique est toujours vivante. Quand on est sur scène, la musique continue d’évoluer; elle se transforme et se développe selon ce qui est en train de se produire. Donc, la musique qu’on joue devant le public est encore une chose qui est en évolution».

    Justine se trouve actuellement aux confins de la musique populaire, d’où le groupe tire son origine, tout près de la frontière de la musique contemporaine C’est presque un nomands land qu’elles occupent, ces bohémiennes de plus en plus disciplinées. Elles comptent se forcer à prendre des vacances, cet été, et remonter sur scène en automne. D’ici là, on peut entendre le justinien moderne (c’est presque une langue) sur cassette ou sur disque compact et se ventiler les oreilles avec quelque chose d’inédit.

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    2 juin 1990
    Par Lyne Crevier in Le Devoir (Québec), 2 juin 1990

    Texte

    «Justine étonne par sa musique synthétique fort rigoureuse.»

    Justine, vertueuse comme l’héroïne de Sade ou passionnée comme celle de Durrell est désormais le nom des quatre «super-mémés» rescapées de feu Wondeur Brass. En créant de la musique «contemporelle» tous climats, le quatuor présente ce soir son nouveau spectacle au bar-théâtre Les Loges.

    De nos jours, il faut être un peu vertueux pour oser s’aventurer sur une voie musicale pareille et terriblement passionné pour continuer un tel combat. Justine bâtit un répertoire improvisé ou structuré que l’on entend seulement à la radio communautaire ou bien dans les festivals de musique actuelle ici ou à l’étranger. Autrement dit, les filles de Justine (Joane Hétu, sax alto et synthétiseur; Diane Labrosse, claviers; Danille Roger, batterie et synthétiseur; Marie Trudeau, basse électrique), mènent une carrière très clandestine.

    D’autant plus confidentielle que leur dernier album, Justine (Suite) sur l’étiquette Ambiances magnétiques, est diffusé à 2000 exemplaires, cassettes et disques compacts confondus. Aussi bien dire une goutte d’eau infiltrée dans l’industrie du disque.

    Mais le but des musiciennes est d’explorer sans concession un monde sonore syncopé, arythmique ou bien mélodieux, étudié et vibrant. Chacune compose la musique, trouve les thèmes, fait les arrangements et chante.

    «Personne ne dirige le groupe explique Diane Labrosse, on veut plutôt se partager équitablement le pouvoir.»

    Revenons au début de la décennie: Wondeur Brass commence sa vie d’artiste. Une fanfare «au féminin» de sept cuivres se baladait alors au gré des festivals de jazz et de musique actuelle en Amérique et en Europe. En brassant tellement les genres, la formation finit par tâter de la musique électronique en plus de la musıque acoustique. Un son neuf émergea. Un nouveau nom aussi: Les poules gloussèrent large en improvisant et composant sans relâche.

    La suite des choses prit la forme de l’album actuel dans la foulée de Wondeur Brass et compagnie. Une Suite composée de «courbes et de détours, de jeux et de variations sur eu même».

    Le quatuor esquisse des idées musicales, aborde divers sujets, fait mine de se perdre dans les méandres sonores ou sémantiques. Justine ne fait pourtant rien de plus qu’illustrer la vıe dans sa complexité même. L’album annonce la fin de siècle par des titres fracassants: Je suis exécrable, J’ai perdu le temps, J’ai perdu le sommeil, À ne plus savoir, Ça me bat le cœur, etc.

    Ça revêt aussi des accents de Meredith Monk (la voix poignante de Diane Labrosse), de Laurie Anderson (le synthétiseur affolé de Danielle Roger), de John Zorn (le saxophone sec de Joane Hétu), de Fred Frith (la basse «free-funk» de Marie Trudeau).

    Les voix des musiciennes s’emballent aussi de manière rythmique mélodique ou percutante. Des quatre, c’est Diane Labrosse qui possède l’étoffe d’une chanteuse: un professeur la guide actuellement en ce sens.

    Justine étonne par sa musique synthétique fort rigoureuse. Quelque temps avant la sortie de leur album, Hétu, Labrosse, Roger et Trudeau ont retravaillé systématiquement le mixage à l’aide de Robert Langlois.

    «Tout ce que l’on désire c’est de pouvoir continuer longtemps à prendre des risques musicaux. On n’a pas choisi cette voie pour se la couler douce ou devenir des vedettes internationales», conclut-t-elle.

    Précisément quand Justine (Suite) amorce sa carrière japonaıse!

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    28 mai 1990
    in Radioactivité (Québec), 28 mai 1990

    Texte

    «Pour ceux et celles qui recherchent l’inusité et qui n’en ont que pour tes innovations…»

    Puisque la musique d’aujourd’hui subit inévitablement les rouages d’une véritable industrie, tout ce qui s’éloigne de ses structures est automatiquement taxé d’alternatif, d’avant-gardiste. Ainsi, parce qu’elles se sont toujours éloignées des modes, les quatre filles de Justine n’ont donc jamais reçues de diffusion équitable pour leur matériel. Leur seule issue à toujours été d’aller jouer à l’étranger. Ce qu’elles ont d’ailleurs fait régulièrement pendant les dix ans de l’aventure de Wondeur Brass. Maintenant avec une toute nouvelle entité musicale, et un premier disque sous ce nom, les quatre super-mémés de Justine comptent bien créer une nouvelle brèche dans notre paresse auditive…

    D’emblée, Joane Hétu m’avouera qu’elle et ses comparses de Justine n’ont pas l’intention de changer leur démarche musicale pour connaître plus de succès au Québec; «On ne se considère pas commerciales du tout, on se sent davantage près de la recherche… On cherche à contrer une certaine paresse auditive… C’est un peu comme la première fois qu’on a vu un Picasso, on s’est demandé ce que s’était. Mais avec les années, on a appris à aimer ça… Ou comme le Festival International de Jazz; au début, ça faisait peur. Mais avec les années, ça devient une musique plus écoutable! Il faut juste faire l’effort d’écouter… Je n’ai jamais compris pourquoi on associait automatiquement la musique à une industrie, alors que quand on parle de théâtre, on pense tout de suite à un art…??? «S’inscrivant directement dans le courant de la musique actuelle, Justine est né de l’expérience de plus de dix ans du collectif Wondeur Brass. C’est la continuité de fond, le résultat des trois ou quatre dernières années du défunt groupe de fille. «Avec Justine on souligne la démarche musicale des trois ou quatre dernières années de Wondeur Brass… au moment ou on a décidé d’intégrer l’électronique. Puis, il faut bien dire qu’au début de Wondeur Brass, les cuivres étaient beaucoup plus présents. À cet époque, le nom collait mieux à la formation… Pendant 10 ans, en opérant ensemble on a subi 5 formations différentes ce qui a évidemment provoqué des changements d’orientation presqu’à chaque fois. On en était rendues à avoir plus de difficulté à s’associer au principe de base de Wondeur Brass qui était au départ celui d’une fanfare… Mais on a beaucoup appris avec les Wondeur Brass, même si c’était plus léger comme engagement musical… On a tout simplement voulut faire peau neuve au Québec, réactualiser notre démarche et reconquérir un nouveau public. Lancer un nouvel appel «explique la saxophoniste.

    Ainsi, la volonté d’explorer de nouvelles avenues musicales est très manifeste chez les quatre filles de Justine. Elles ne s’embarassent nullement de savoir si oui ou non, leur musique peut s’inscrire dans le circuit normal de la diffusion de la chanson québécoise. Elle comprennent très bien que dans leur cas, ce n’est pas ce qu’il faut qu’elles visent. qu’elles n’y parviendront pas tant et aussi longtemps qu’il ne s’opérera pas un changement drastique dans l’environnement sonore du Québec; «On s’inscrit définitivement dans le courant de la musique actuelle… mais dans 80% du temps, ça nous oblige à jouer ailleurs Au Québec, on agit encore en colonisés; quand on arrive ailleurs, on a une couleur différente qui justement, les ravit. Ce n’est pas ce qu’ils ont l’habitude de voir, et c’est ça qui les stimule. Au Québec, on est plutôt mal à l’aise avec ça. Il n’existe pas encore de fierté par rapport à notre authenticité… Nous, ce qu’on cherche c’est quelque chose qui se marie bien à toutes les cultures… Nous faisons une musique vivante, qui se permet toutes les folies que les quatre musiciennes peuvent avoir à ce moment là. Notre musique n’est jamais statique, on se permet régulièrement des moments d’improvisation, on joue beaucoup avec l’indéterminé comme dans une montagne russe…». Comme elles le soulignent elles-mêmes dans leur communiqué; «Justine, c’est une musique hybride. Une musique ouverte el pluraliste où prédominent la cohabitation des paradoxes. De la gigue au numérique, du tango au bruitisme.» Après une telle description, que peut-on rajouter sinon que la musique de Justine vit d’elle même, et, à ce niveau, les textes deviennent sonores, presqu’une musique en soi: «Je n’ai pas l’impression qu’on tient un discours concret par rapport à une thématique quelle qu’elle soit… Les textes de nos chansons sont choisis pour leur qualité sonore. Notre musique parle vraiment d’elle-même. Ce n’est pas nécessaire de souligner le tout au trait rouge…» soutient Joane. Il est vrai que l’attitude même de la formation est suffisamment claire et sans ambiguïté, et que ça constitue justement une des forces de Justine On a qu’à les regarder aller, à écouter leur musique, pour comprendre toute la motivation qui les anime. Leur démarche ne peut certes pas être taxée de conformiste, ni de statique. La continuité de fond se ressent à tous les niveaux; de la formation, à la musique sans oublier les textes. Justine, C’est un tout!

    C’est ce que le public pourra constater cette semaine, alors que Justine effectuera le lancement de son nouvel album au Bar Théâtre Les Loges à Montréal, mardi (29 mai). Par la suite, les quatre musiciennes nous donneront un aperçu de leur nouvelle entité en spectacle, alors qu’elles se produiront sur la même scène les 30 et 31 mai, ainsi que les 1 et 2 juin. Pour ceux et celles qui recherchent l’inusité et qui n’en ont que pour tes innovations, c’est sûrement un spectacle à ne pas rater. Comme pour tous les autres aussi! C’est une question de paresse auditive à contrer!!! On doit faire de la place dans notre environnement musical, pour la nouvelle chanson française d’ici…

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    24 mai 1990
    Par Andrew Jones in Montreal Mirror (Québec), 24 mai 1990

    Texte

    «Listening to Justine is like getting a free ticket to an old amusement park once run by Carla Bley, ravaged by Alben Ayler, and rebuilt by John Zorn.»

    Never let it be said that the members of Justine aren’t prepared to improvise at the drop of a hat. When it seemed impossible to tape our chat because the erase lugon the cassette tape of awful corporate rock we were taping over had been punched out, keyboardist Diane Labrosse came to the rescue. She produced a band-aid.

    The four members of Justine —Labrosse, saxophonist Joane Hetu, bassist Marie Trudeau, and drummer Danielle Palardy Roger — have never been reticent to try something new, either in studio or in concert. In their ten-year slint as Wondeur Brass and its hipper, more impulsive sister, Les Poules, their brazen, fresh collages of mood, style, and song helped set the standard for Québec’s new music movement, musique actuelle.

    Now, as Justine, the Montréal quartet have shorn themselves of the "brass" (a lone saxophone remains) and started a new. Justine is about to unveil a new project thal both destroys the peception of a "woman’s group" as an albatross and creates breathtaking new musical possibilities in a brave new genre whose absence of borders can be just as problematic as limitations. Soon Justine will reap the harvest of a year’s work, but be careful. Justine’s musical blossoms are no ordinary flowers—they’re mone like fleurs carnivores.

    By any other name

    "When we started working on this new music, this new project, we knew that we were going to produce it under a new name. " says Labrosse. "We wanted to have a whole new repertoire of fresh air, liberated from the old Wondeur Brass. "

    We’re sitting in a casse-croute around the corner from Justine’s east-end practice space, a cramped basement studio shared with Jean Derome, Pierre Tanguay, and "Serge l’ Accordéoniste," a mysterious figure no one ever sees. Outside, Masson street serves as a drag sirip— a praclise space for bikers.

    But a rose by any other name is just a flower. Just how different will Justine he from the old Wondeur Brass?

    "Musically we wanted to integrate more electronics,"says keyboardist Labrosse. "It’s almost a cross between what Wondeur Brass used to do and what Les Poules did. Wonder Brass went into the studio very much prepared, very much structured, and Les Poules did a lot of improvising. So we wrote the music—themes, arrangements. And then we went in the studio. We recorded some material, changed it around and shaped it more through improvising. Soit’s a bit of a blend. And that’s what makes our new sound. "

    "We used the studio and the recordig process—montage, cuting, and editing— as if it was another musical instrument," says drummer Roger, as another Harley rips up the street. "We literalIy transformed our sound in the studio. It was the first time it took close to a whole year to record an album. It gave us time to reflect and to let the music become much, much more intricate. Not that the other albums aren’t intricate, but Justine is more so. "

    Roger admits that dwindling finances curlailed this luxurious fine-tuning. "lt’s always a question of money, and we had to decide it was finished. But this record is just one step in the direction of this music, and we are still continuing that direction," says Roger. "In Les Poules we were always in the process of re-evaluating the evolution of our music. So, yes the record is done, but our music is far from finished. "

    Listening to Justine is like getting a free ticket to an old amusement park once run by Carla Bley, ravaged by Alben Ayler, and rebuilt by John Zorn. Every kind of music ever made by humankind is in here, plundered, sifted, gutted, rearranged, then stitched and carefully glued into place.

    The funhouse starts with Le monstre, an odd Noh-style cabaret with a strong sense of dynamics. The tunes that follow pulse with a moody, see-saw organ or twitch with herkyjerky calliopes reminiscent of Bley. Most have swift, abrupt changes in mood, tempo, and musical style, going from rippling keyboard runs to free saxophone squalls. Some songs, like the double blast of J’ai perdu le temps and J’ai perdu le sommeil, throw away the boundaries altogether.

    "It is going a step further," says Labrosse. We usually switch around our music very fast, but this time we’re pushing it even further. But then again, we’ve never produced anything that’s easy to listen to, that you can put on and have dinner at the same time.

    "We based ourselves from the beginning on the classical suite, which has different movements. And we wanted to build the record this way, with different movements within the tracks. The whole record isn’t one piece as such, unless you look at it as one piece with very different moods and colours and textures."

    The sound of the female voice figures prominently on Justine, but not just in song. Justine uses its four voices percussively, rhythmically, and melodically. On L’Intelligence du coeur, massed or disembodied radio voices seep through the savage, free jazz keyboard bluns. Elsewhere they shriek, whisper, caress, laugh, and yelp. "We always said that we were not authentic golden voices with pristine range," says Labrosse. "We’ve always integrated the voice as another instrument. This is why everyone sings; none of us is more accomplished than the other. Something new is that everybody sings on the same tune. We throw the ball at each other much more than we did before. Before Joane would sing cinema, Danielle would sing les amours, but now in one song it goes around to everybody. "

    Justine also enlisted the aid of New York’s resident electric harpist, Zeena Parkins, as well as Tenko Ueno, the Japanese queen of onomatopoeic jazz and member of Mizutama Shobodan —The Polka Dot Fire Brigade. ’ We found definite similarities in the energy, and in their way of working," says Labrosse. We all seem to have a craft in sounds," adds Roger.

    Musical gender

    The stunning complexity of the new release may free Justine from the strictures irilposed by a society that emphasizes genderover musicianship. "That’s changed primarily in our own minds," says Labrosse. "At some point you stop focusing on gender, and in the last years we focused on the fact that we are musicians. Of course the rest of us comes along, like everyone’s personality comes into your work. That in itself is a fresh perspective. We don’t need to spell it out. "

    Roger concurs. "More and more our collaborations, whether within Justine or with others, are approached on a musical level, and everyone has to pull their weight. "

    As for the mysterious new name, it doesn’t come from anywhere in panicular. Roger does offer this explanation: "It’s a name that’s direct, plain, but at the same time reverberates with possible significances."

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    Autres textes dans

    • All About Jazz (ÉU), 23 mai 2007
    • Convergence #2:4 (Québec), 1 février 2002
      «Les meilleures choses que je fais, c’est quand j’interviens le moins possible, quand je ne m’autocensure pas, quand je laisse passer la vraie pulsion.»
    • Ici Montréal (Québec), 22 novembre 2001
    • Exclaim! (Canada), 31 mai 2000
    • La Presse (Québec), 10 octobre 1998
    • Jazzthetik (Allemagne), 5 avril 1991