Joane Hétu: presse

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Joane Hétu (Montréal, Québec, 1958) • résidence: Montréal, Québec

• compositrice • interprète (saxophone alto, voix) • auteure

— membre de: Castor et compagnieJustineNous perçons les oreillesLes Poules

Articles sur Joane Hétu

Les critiques de disques se retrouvent dans les pages de chaque disque (via l’onglet «discographie»).

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Live Reviews: Suoni per il Popolo

par Lawrence Joseph in Signal to Noise #51 (ÉU), 1 septembre 2008 |3629|

The eighth annual Suoni per il Popolo spanned a month and covered a huge range of musical genres. Over 50 concerts took place in two venues located across the street from each other in Montreal’s artist-filled Mile End neighborhood. It gave fans of free jazz, experimental rock, avant folk, contemporary classical, electronic, and improvised musics plenty to get excited about. Add a workshop with the Sun Ra Arkestra, street performance art, DJ sets and an outdoor day of music and children’s activities, and you have an unbeatably eclectic event. […]

The festival kicked off with two shows that exemplified what it does best. The more intimate Casa del Popolo was the venue for a free jazz blowout with saxophonist Glen Hall, bassist Dominic Duval, and drummer William Hooker, […] Hall keeps a relatively low profile, despite having studied with Ligeti and Kagel and played with the likes of Roswell Rudd, Jimmy Giuffre and John Scofield. The compositions in the first set paid tribute to some of his influences, while the second set shifted to freely improvised territory, with Montreal’s young trumpet luminary Gordon Allen sitting in to add blistering sound blasts and overblowing to the mix. At times this resembled the more noise-based music Hooker has made with Thurston Moore. […]

Allen was a fixture at the festival, playing in seven shows during the month, including guitarist Rainer Wiens’ version of Riley’s In C.

Another evening featured the debut of All Up In There, a trio of Allen, Michel F Côté on percussion, and Frank Martel on Theremin. Martel often played the theremin as if it were a stand-up bass, while Côté, when not playing kit, obtained a surprising variety of sounds from winging two mics around Pignose amps. The overall effect was more like a group of virtuosic Martians than a standard jazz trio. […]

Christof Migone’s performance piece Hit Parade took place outside on a busy Saint-Laurent Boulevard, taking over the sidewalk and one lane of traffic. Eleven people lay face down on the pavement, each pounding a microphone into the ground exactly one thousand times, at varying speeds. The sound of a giant asynchronous metronome prompted ironic thoughts in this listener about the usual meaning of the phrase “hit music,” and about pounding the pavement as a metaphor for life. […]

The Quatuor Bozzini, a string quartet dedicated to contemporary music, performed a selection of pieces by experienced improviser/composers. Malcolm Goldstein’s four-part structured improvisation A New Song of Many Faces for in These Times (2002) was by turns gentle and harsh, agitated and introspective, as melodic and rhythmic fragments were passed from one member of the quartet to another. Goldstein himself performed Hardscrabble Songs, a 13-minute solo piece for voice and violin. Jean Derome and Joane Hétu’s Le mensonge et l’identité (“Lies and Identity”) is an hour-long tour de force with a strong socio-political component. The Bozzinis’ spoken contributions (both live and on prerecorded tape) ranged from pithy quotes from philosophers and politicians to personal anecdotes. The music deliberately unraveled into chaos, the players moving music stands and chairs about the room in response to unsynchronized metronomes, tipping over stands as the scores on them were completed. […]


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La maturité de L’OFF Festival de jazz

par Serge Truffaut in Le Devoir (Québec), 24 mai 2008 |3578|

Enfin! Bravo! Merci aux organisateurs de L’OFF Festival de Jazz de Montréal d’avoir accompli un retournement temporel. La neuvième édition de cet événement ne se tiendra pas simultanément à l’autre, le «gros», si l’on peut se permettre. Après s’être rendu compte que l’offre musicale se confondait avec hyperinflation au début de l’été, les responsables de l’Off ont décidé de devancer les dates. Bref, il se déroulera du 13 au 21 juin.

La deuxième modification apportée est géographique. Adieu le Patro Vys, bonjour le Dièse Onze, qui a ceci de bien qu’il est un club de jazz à l’année. Jazz et resto situé au 4115 A du boulevard Saint-Denis, pour être précis. Les autres points de chute sont les mêmes que ceux de l’édition antérieure: le Lion d’or et le Pub Saint-Ciboire. Auxquels s’ajoutent cette année…

… La Sala Rossa. Et là, si l’on peut dire, c’est l’autre bonne nouvelle de cette année. Voici de quoi il s’agit: les organisateurs de l’Off se sont associés à ceux du festival Suoni per il popolo, qui se tiendra du 1er au 30 juin. Cette alliance, selon les confidences de Jean-Jules Pilote, cheville ouvrière de l’Off, devrait s’étoffer au cours des prochaines années.

C’est à espérer. Car au cours des prochaines semaines, ce duo d’organisateurs va proposer deux spectacles à La Sala Rossa: le Sun Ra Arkestra, dont on a parlé la semaine dernière, le 14 juin, et le Barnyard Drama, le quartet Lauzier, Myhr, Martel, Tétreault ainsi que Gordon Allen le 15 juin. Prix du billet de Sun Ra: 25$, alors que celui du lendemain se détaille entre 14 et 16$.

Puisqu’on décline les histoires d’espèces sonnantes, il faut insister sur un fait économique fondamental. C’est sérieux, très sérieux même. Le rapport qualité/prix inhérent aux shows de l’Off est REMARQUABLE! Le coût d’entrée des spectacles à l’affiche du Dièse Onze est de 8$. Ceux du Pub Saint-Ciboire sont gratuits. Ceux du Lion d’or: 20$ en prévente ou 25$ à la porte pour deux shows ou 15$ pour celui débutant à 21h30. Pour les détails, on peut se renseigner au lofffestivaldejazz.com

Bon. Après lecture du programme, six des shows au Lion d’or sont à retenir: la Fanfare Pourpour, qui aura l’accordéoniste et chanteur suédois Lars Hollmer pour invité. Cette fanfare à la veine humoristique indéniable est toujours dirigée par l’immense Jean Derome. Quoi d’autre? Il suffit d’écouter leur album paru sur étiquette Ambiances Magnétiques pour s’apercevoir que les membres de cette grande formation excellent dans l’alchimie des folklores du monde.

Le 18 juin, le saxophoniste et clarinettiste Chet Doxas va proposer un spectacle propre à aiguiser toutes les curiosités: Le Mur de Jean-Paul Sartre. Doxas a composé une série de thèmes inspirés, donc, de ce chef-d’œuvre littéraire qu’il interprétera en compagnie de Stéphane Allard et Zoé Dumais aux violons, de Jean René à l’alto, de Sheila Hannigan au violoncelle, de Zack Lober à la contrebasse, de son frère Jim à la batterie, tous sous la direction de Jon Sapoway.

Le même soir, mais après Doxas, les musiciens phares des labels DAME et Ambiances Magnétiques vont occuper la scène pour improviser à tout va. Autour de Derome, on retrouvera Joanne Hétu au saxo, Charity Chan au piano, Diane Labrosse à l’échantillonnage, Lori Freedman à la clarinette basse, Guido Del Fabbro au violon, Rainer Wiens à la guitare et l’incontournable Pierre Tanguay à la batterie.

Le 20 juin, le très courageux, le musicien essentiel, le contrebassiste battant Normand Guilbeault va décliner ses compositions retraçant la vie de Louis Riel. Il sera flanqué de quatorze musiciens, narrateurs et projectionnistes. C’est au Lion d’or le 20 juin à 20h. La veille, au même endroit, on aura droit à l’accouplement jazz et poésie avec José Acquelin, Renée Gagnon, Hélène Monette, Carole David et Jean-Marc Desgent.

Enfin, le 21 juin, l’affiche est alléchante parce que… parce que… le saxophoniste Janis Steprans a réuni trois autres saxos autour de lui pour clôturer cette 9e édition. André Leroux sera au soprano, David Bellemare au ténor, Jean Fréchette au baryton et Steprans, bien entendu, à l’alto. Simon Lévesque à la contrebasse et Dave Laing à la batterie vont rythmer le tout.

Les billets sont en vente à L’Oblique, à L’Échange, à L’Articulée ainsi qu’à la Casa Del Popolo et à Cheap Thrills pour les shows du 14 et du 15 juin.


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Jean Derome et les Dangerous Zhoms + 7

par John Kelman in All About Jazz (ÉU), 22 mai 2008 |3562|

«Derome’s two pieces were a fitting opening for the festival, demonstrating the boundary-busting, genre-defying breadth of Musique Actuelle.»

Montreal-based saxophonist Jean Derome has been on the bleeding edge of the contemporary blending of complex, cued composition and unfettered free improvisation for over twenty years. For his performance — which kicked off FIMAV’s 25th edition at the Cinema Laurier — he brought an expanded edition of his Dangerous Zhomes quintet, fleshed out with an additional seven musicians, premiering two new pieces, the 35-minute Traquenards and the shorter, but no less challenging Plates-formes, named after Productions Platforms, the organization behind FIMAV.

It was an expansive palette, featuring reeds, strings, voice, guitar, bass, drums and turntables. Contemporary classicism reminiscent of groups like Univers Zero juxtaposed with moments of chaotic collective spontaneity, with a sonic landscape reliant equally on conventional acoustic sounds as it was the unorthodox, most notably from vocalist Joane Hétu, who brought her own multi-media project, Filature, to the final day of FIMAV 2007. More about texture than melody, Hétu comes from the same school as vocalists like Meredith Monk and Sidsel Endresen, but has her own unconventional slant to making the voice guttural, percussive and, at times, akin to white noise.

Traquenards took full advantage of the potential for subsets within the group, with pianist Guillaume Dostaler and trumpeter Gordon Allen creating a lulling sense of ease before suddenly being engulfed in a flurry of reckless, anarchistic free play from the entire twelve-tet. Rock beats from bassist Pierre Cartier and drummer Pierre Tanguay — another Montreal actuelle mainstay, whose 2007 performance at the Ottawa Jazz Festival with bassist John Geggie and viola da gamba player Pierre-Yves Martel was a highlight of that festival—alternated with dark, complex ensemble passages where clarinetist Lori Freedman meshed with Derome’s various saxophones and flute along with Nadia Francaville’s violin and Jean René’s viola to paint a chamber music soundscape at once appealing and foreboding. Guitarist Bernard Falaise ran the gamut from scratchy tones to wild feedback, contributing sonic colors alongside turntablist Martin Tétreault, last heard at FIMAV 2005 with Michel F Côté.

Derome’s two pieces were a fitting opening for the festival, demonstrating the boundary-busting, genre-defying breadth of Musique Actuelle.


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Jean Derome & Dangereux Zhomes (FIMAV)

par Mathieu Bélanger in Panpot (Québec), 15 mai 2008 |3580|

«One of the nicest moments of Plates-formes occurred when he directed the ensemble to alternate between duos of Walsh’s trombone or Hétu’s vocals with Tanguay’s drumming and blasts of white noise by the other nine musicians.»

Very few musicians and musical events share a history as intimately related as that of Jean Derome and the Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville. In this regard, the Montreal-based saxophonist, flutist, composer and core member of the Ambiances Magnétiques collective seemed like a natural choice to open the 25th edition of the FIMAV.

For the occasion, Derome presented a project called Jean Derome et les Dangereux Zhomes + 7, that is the long-running then-sextet-now-quintet of Derome, trombonist Tom Walsh, pianist Guillaume Dostaler, electric bassist Pierre Cartier and drummer Pierre Tanguay augmented with seven musicians. More specifically, the original Zhoms were joined on stage by Joane Hétu on vocals, Lori Freedman on clarinets, Gordon Allen on trumpet, Bernard Falaise on electric guitar, Martin Tétreault on turntables and electronics, Jean René on viola as Nadia Francavilla, the latter probably unknown to most “musique actuelle”/jazz/improvised music listeners, but better-know for her work with the Quatuor Bozzini.

It was meant, not without a pun, to describe this project as Derome’s special commemoration project. Indeed, it was first put together in December 2007 to celebrate the 25th anniversary of Traquen’art, a Montreal-based improvised music and world music production organization. The second ever concert happened as part of the FIMAV whose 2008 edition was, as mentioned above, its 25th. As a matter of fact, Derome himself seems to have marked the pun with the titles of the compositions performed. The first was premiered at their debut concert and is called Traquenards. The title of the second is Plates-formes, for the organization behind the festival is called Productions Plateformes.

At around 30 to 35 minutes each, both Traquenards and Plates-formes were actually suites more than pieces, meaning they consisted of multiple sections lasting from 5 to 10 minutes. They reflected the eclecticism of Jean Derome’s musical universe for they suggested through references of jazz, rock, contemporary music, electronic music or even noise, but also integrated some of these styles’ formal characteristics. It is also worth mentioning that the ideas of trap (English for the French word “traquenard”) and platform (the English translation of the French word “plate-forme” as one will have already guessed) acted as inspiration for the writing of the two suites, although this was not always obvious judging from the music, but it probably was not always meant to be, either.

Derome’s use of the 12-musician ensemble as a whole was diversified. One of the nicest moments of Plates-formes occurred when he directed the ensemble to alternate between duos of Walsh’s trombone or Hétu’s vocals with Tanguay’s drumming and blasts of white noise by the other nine musicians. At other times, the 12 musicians played Derome’s themes at unison.

However, there still remained room for each musician to demonstrate his/her craft. In this respect, one section of Traquenards consisted of Dostaler starting something on the piano until Falaise, Hétu or Tétreault made a noise, at which point he had to start something else. Needless to say they had a little fun with the concept, either forcing Dostaler to change very quickly or leaving him to develop some material for longer than he would normally have.

Oh, and before anyone asks, the balance and volume level was great in the Cinéma Laurier so the music could be appreciated in all of its details.

In conclusion, if anyone has a 25th anniversary coming up, he definitely should consider asking Jean Derome et les Dangereux Zhoms + 7 to play. You’re likely to hear some pleasant music, just like the spectators did on that evening of May 15th.


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Review

par Marvin in Free Albums Galore, 6 février 2008 |3499|

«They mix well with the larger ensemble creating a well thought out atmospheric work.»

Le Ggril is that most cumbersome of all musical monsters, the avant-garde big band. The nature of the big jazz band is to allow improvisation over tightly structured arrangements. The big band is practically the opposite of avant-garde jazz which often respect freedom of sound over tonality, structure, or even rhythm.

Le Ggril is centered in Quebec, Canada and walks a tightrope between the improvised and the structured. The band’s arsenal of imaginative players borrow as much from post-classical as from free jazz. Their personnel is changeable but the unusual assortment of saxes, clarinet, accordions, violins, guitar and percussion seems to be the norm. The free self titled album has four tracks. Tracks 1,2,4 are directed by alto saxophonist Jean Derome with Fire + Bebelle most closely related to jazz. Tracks 2 and 4 are quieter and makes good use of long tones and well placed silence. Derome’s direction and playing is center toward exploring sounds and environment more so than totally free improvisation.

The same can be said for track 3 which is an extended 11 minute work featuring the improvisatory trio of Les Poules. Alto saxist Joane Hétu, percussionist Danielle P Roger, and samplist Diane Labrosse tends to prefer long drones with free improvisation as accent. They mix well with the larger ensemble creating a well thought out atmospheric work.

The album is available from the excellent Insubordinations netlabel in 320kbps MP3.


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Critique

par Dyane Raymond in SuperMusique (Québec), 2 février 2008 |80149|

«C’est une musique personnelle, au sens où elle transmet l’incroyable générosité de l’artiste dans son adresse à l’autre.»

Trois soirs, trois concerts pour présenter Récits de neige, troisième volet du tryptique Musique d’hiver de Joane Hétu.

La musique, elle, continue d’exister au-delà du spectacle, va plus loin. Elle ouvre l’atelier de Joane Hétu et permet d’en découvrir et d’en explorer la structure: des lieux bâtis avec force, une incroyable patience et une vision bien ancrée dans le réel, temps et espace. Comme dans Filature sa précédente composition, la musique de Récits de neige donne à voir et à entendre la complexité de la construction, l’enchevêtrement des idées, des images, des sons, des paroles. C’est une musique personnelle, au sens où elle transmet l’incroyable générosité de l’artiste dans son adresse à l’autre - l’écoute, la perspicacité, l’attention: un donné jamais posé comme certitudes, mais comme chants pour le dire, annoncer les couleurs, clamer l’amour, réclamer le juste et la paix.


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Musique actuelle - La géométrie du flocon

par Frédérique Doyon in Le Devoir (Québec), 30 janvier 2008 |80148|

«Ce qui m’intéresse aujourd’hui, c’est de créer des shows-concepts, plus habillés, plus complexes qu’un concert…»

Joane Hétu conclut son triptyque sur l’hiver avec Récits de neige

Et de trois. La compositrice Joane Hétu conclut son triptyque sur l’hiver avec Récits de neige. On aura beau lui reprocher d’être trop longue, la saison froide peut être inspirante, surtout quand elle enveloppe la ville de son manteau blanc.

«J’aime l’hiver, j’aime le son, l’effet cocon que ça produit», confie la saxophoniste-vocaliste, aussi membre de l’étiquette Ambiances magnétiques et présidente de la maison de disques DAME. «C’est une saison qui a toujours été créative pour moi. Dans l’industrie du disque, janvier, février et mars sont plutôt tranquilles, ça laisse du temps pour composer. C’est précieux.»

Elle amorçait l’aventure hivernale en 2000 avec Musique d’hiver, alors que les Productions SuperMusique (qu’elle codirige) articulaient leur programmation autour des quatre saisons. Trois ans plus tard, la saison blanche lui inspirait Nouvelle musique d’hiver, avec promesse d’un troisième et dernier chapitre.

Comme ses deux spectacles frères, Récits de neige se divise en quatre mouvements. Mais ce spectacle-ci, qui réunit sept musiciens-improvisateurs (les routiers Jean Derome, Diane Labrosse, Pierre Tanguay, deux nouveaux collaborateurs, Alexandre St-Onge et Scott Thomson, en plus de Joane Hétu elle-même), recentre son propos sur la neige, plus spécifiquement sur la géométrie du flocon.

«Il fallait que j’aille à l’essence même de l’hiver: la neige. J’espérais composer 30 courtes pièces que les musiciens pourraient amalgamer comme ils veulent, comme des flocons, qui ont chacun une géométrie différente.» L’esprit des petits fragments est resté, mais la complexité du procédé et le manque de temps de création ont obligé la musicienne à prendre une autre direction.

«J’ai demandé aux musiciens de raconter des anecdotes, des souvenirs liés à l’hiver et à la neige», raconte-t-elle.

Après l’approche plus personnelle et ambiante du premier volet et celle, plus documentaire et bruitiste, du second, le troisième opus pour instruments acoustiques et électriques réunit les deux factures, avec des moments parlés, des mélodies et des segments plus abstraits. Les projections visuelles, discrètes dans les deux autres productions, prennent de l’ampleur sous la gouverne de Mélanie Ladouceur.

«Je voulais m’investir dans l’idée que les autres formes d’art sont au service de la musique», explique Joane Hétu. Sa dernière production, Filature (2006), la plus ambitieuse de sa carrière, mettait en scène danseurs et images vidéo, constituant une forme de théâtre sonore qu’elle souhaite approfondir. Cette production lui a d’ailleurs valu le prix Freddy Stone.

«Ce qui m’intéresse aujourd’hui, c’est de créer des shows-concepts, plus habillés, plus complexes qu’un concert», dit celle qui a d’abord joué les rockeuses déjantées au sein des formations Wonder Brass et Les Poules avant de se tourner vers la musique actuelle.

Cette nouvelle création de théâtre sonore fera l’objet d’un CD l’an prochain, à l’instar des deux premières productions hivernales.


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Reviews: Festival international de musique actuelle de Victoriaville, 2007

par Stuart Broomer in Musicworks #99 (Canada), 1 décembre 2007 |3444|

«… the work combined medieval and contemporary music elements in a seamless way…»

[…] One of the things FIMAV does best is provide a window on what’s lively in current Quebec music. A longtime collaborator with Montreal’s Ambiances Magnétiques scene, the festival this year presented composer-saxophonist Joane Hétu’s Filature, a lyrical work with roots in her early work as a weaver. It’s a three-part work, scored for ten musicians - who included cellist Mélanie Auclair, bassist Normand Guilbeault, and saxophonist Jean Derome - with images appearing on three screens that begin with moving and combining threads that go through various colour and tempo shifts. In three parts, the work combined medieval and contemporary music elements in a seamless way, beginning with an all-male quintet, then following with an all-female, before the two combined for the third and final movement. […]


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Jeux littéraires: Autobiografil

par Yvan Maurage in Les Nouvelles d’Archimède #46 (France), 1 octobre 2007 |3396|

«On fait l’expérience d’une émotion brute, fondamentale en assistant à son interprétation de Filature avec l’Ensemble SuperMusique

En 2007, toute la terre est occupée à s’imprégner de simulacres télévisés, téléphonés, encodés. Aucune Muraille de Chine ne résiste à Google, clé omnipotente. Rien ici ou là qui ne puisse dans la seconde franchir océans et continents. Aussitôt advenu tout sera connu, répertorié, normalisé, banal… Tout? Non! À l’écart de la planète enrégimentée, des «villages» singuliers résistent encore et toujours à la normalisation. Et la vie retrouve sel et sens pour qui rencontre les Irréductibles parmi nos semblables. La musique, fade poudre instantanée, s’est-elle dissoute dans l’onde électromagnétique universelle? Pas toute la musique! se réjouissent les auditeurs de Joane Hétu, chanteuse et saxophoniste québécoise. On fait l’expérience d’une émotion brute, fondamentale en assistant à son interprétation de Filature avec l’Ensemble SuperMusique. Filature transpose sur scène le passé de tisserande de Joane Hétu, en trois actes qui «filent» la métaphore: la Chaîne (cinq hommes), la Trame (cinq femmes), le Motif (orchestre complet… et public ébahi). Contrepoint de virtuose sobriété, la vidéo de Pierre Hébert pare en direct les sons de Hétu, Auclair, Del Fabbro, Gignac, Guilbeault, Labrosse, Roger, Tanguay, Venba et de l’ange oumupien Jean Derome… Programmateurs de concerts, invitez sans délai ces Québécois sur le vieux continent: ce serait la pire surdité que de ne vouloir les entendre.


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Heard and Seen. Fimav Returns to Form [...]

par Kurt Gottschalk in Coda Magazine #334 (Canada), 1 juillet 2007 |3375|

[…] Weaving is right up there with painting and sports as hackneyed clichés for describing music, but Joane Hétu’s Filature took a tight focus on each thread and every tie in her tapestry. The piece, performed with Montreal’s Ensemble Supermusique, was based on her time spent as a fabric colourist, and effectively displayed her personal sense for composing and arranging and for turning nostalgic memories into music. Pierre Hébert’s real time video manipulations, tight shots of cloth and twine, supported Hétu’s musical vison well. […]


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24th Annual Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville

par Bruce Lee Gallanter in Downtown Music Gallery (ÉU), 1 juin 2007 |3342|

«Joane has a gift for breaking up the melody and having different members share their lines so that whole band sounds like one refined tapestry of sound.»

[…] The final day began with a wonderful set by Joane Hétu’s Ensemble SuperMusique called Filature. Joane Hétu runs the great label from Montreal, Ambiances Magnétiques. Her longtime partner is Jean Derome and both of them play alto sax, do vocals and compose at length. Both Joane and Jean consistently release excellent, diverse discs on Ambiances Magnétiques and I always look forward to any project that either works on. Just about every year, someone from this label (like Diane Labrosse, Normand Guilbeault, Danielle Palardy Roger or Pierre Tanguay) does something special up at Victo. Filature is Joane Hétus most ambitious project yet and it will take a while to absorb its many layers of ideas. It featured ten musicians, five women and five men with Pierre Hébert doing video projections. Joane refers to it as sound/theatre and that sounds right. Joane was once a weaver before concentrating on becoming a musician and the theme of weaving is the central thread throughout this work. The first part is called The Warp and featured the five men on alto sax or flute, violin, trumpet, contrabass and drums. The music was an exquisite blend of lovely harmonies, short drones, acappella vocal sections and haunting music. The video images were of a single tree branch with some occasional growth. The second part, The Weft featured the five women musicians on violin, cello, flutes, sampler, percussion & alto sax. Most of the women contributed charming vocal sounds along with their contemplative, cinematic music, sometimes sparse but always enchanting. The third and final part was called The Pattern and it featured all ten musicians. It began with just a few repeating notes and evolved through different grooves and sections. I love the way the vocals and instruments shared stunning harmonies with each other. Joane has a gift for breaking up the melody and having different members share their lines so that whole band sounds like one refined tapestry of sound. It reminded of the superb magic-music that Fred Frith’s Keep the Dog used to play and yes, Jean Derome was an integral part of that band many years ago. The images of twine, knots, rope, faces and hands connected with the music just right. It was a marvelous set and I can’t wait for it to be released on disc! […]


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Joane Hétu: A superwoman weaves Supermusique

par Mike Chamberlain in Hour (Québec), 16 mars 2006 |80106|

Featuring 10 musicians, two dancers, costumes, sound, lighting and visual artists, Joane Hétu’s latest project, Filature (which will be performed tonight, tomorrow and Saturday at Usine C), is an ambitious one, perhaps the most ambitious in the history of Productions Supermusique.

The large composition is based on Hétu’s experience as a weaver and her knowledge of how fabric is put together. The piece will be presented in three acts. The five male musicians (Jean Derome, Guido Del Fabbro, Normand Guilbeault, Pierre Tanguay, Nemo Venba) and the male dancer, Daniel Soulières, represent the warp (horizontal) yarn, which Hétu emphasizes is composed of strong, noble fibres. The five female musicians (Hétu, Mélanie Auclair, Claire Gignac, Diane Labrosse, Danielle Palardy Roger) and the female dancer, Séverine Lombardo, represent the weft (vertical) yarn, which is soft and flexible. In the concluding act, the 10 musicians and two dancers come together on stage to blend the music and textures of the first two acts into the whole fabric.

Hétu is somewhat evasive when asked to translate the metaphor into a description of the music, other than to state that the warp sequence consists of sustained sounds and repeated sequences, while the weft is composed of tones, moods and dynamics.

The project represents a connection between Hétu’s past life and interests and those of the present. For one thing, these days she finds herself more interested in compositions and projects based on conceptual themes and less on improvisation. Also, she says, as she gets older she has become interested in reconnecting with her past. Finally, Filature brings together artists with whom she’s worked for 20 years or more (Derome, Labrosse, Palardy Roger, Tanguay, Guilbeault), and younger performers such as Guido Del Fabbro and Séverine Lombardo, which also, to extend the metaphor, weaves different generations together.

But we don’t want to stretch the metaphor to the breaking point, or wear it out, because, as Hétu says, “it all comes down to the music.”


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La fibre musicale

par Réjean Beaucage in Voir (Québec), 16 mars 2006 |80105|

«Pour une fois, j’ai l’impression de donner à ma musique les moyens du théâtre»

Joane Hétu boucle la boucle en retrouvant ses racines de tisserande pour fabriquer une véritable courtepointe où s’entremêlent théâtre, vidéo, danse et musique actuelle.

À première vue, l’analogie entre un spectacle et un métier à tisser n’est pas évidente. Pourtant, les musiciens en conviendront aisément, eux qui doivent constamment mêler les textures et les couleurs, et répéter, toujours, des gestes pourtant chaque fois différents. Cent fois sur le métier…

Joane Hétu, qui fut tisserande avant d’être saxophoniste, improvisatrice et directrice de la plus grande maison de disques de chez nous se consacrant exclusivement à la musique actuelle (Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera, ou DAME), a choisi de se réapproprier ce passé refoulé en utilisant métaphoriquement, pour la conception d’un spectacle de «théâtre sonore», les gestes des fabricants de tissus. «C’est du théâtre, explique-t-elle, dans le sens où il y a du texte, des costumes, et parce que l’on est en résidence à l’Usine C durant 10 jours, ce qui nous donne l’occasion de faire beaucoup de répétitions, comme une troupe, mais tout part de la musique. Et puis, pour une fois, j’ai l’impression de donner à ma musique les moyens du théâtre, avec un concepteur d’éclairages (Guillaume Bloch), un concepteur sonore (Bernard Grenon), un autre aux images vidéo (Pierre Hébert) et encore un aux costumes (Louis Hudon), avec deux danseurs (Daniel Soulières et Severine Lombardo) et un ensemble de dix musiciens.» La totale, quoi!

La saxophoniste et chanteuse, à cause de son poste chez DAME, qui l’occupe passablement, n’a pas l’occasion de jouer autant qu’elle le voudrait, et cette frustration lui a même donné ces dernières années l’envie d’arrêter la musique complètement. «Un soir, j’ai eu un flash et je me suis dit que j’allais redevenir tisserande… Mais ce n’était qu’un flash. Cependant, comme je ne passe pas mon temps à imaginer de nouveaux projets musicaux, j’ai le temps de les approfondir et le petit flash, resté dans mon subconscient, est revenu et s’est imposé à mon processus créatif.»

Imaginez un métier à tisser: les fils verticaux sont «la chaîne», les fils horizontaux forment «la trame», et l’entrecroisement des deux compose «le motif». Joane Hétu a utilisé ce modèle pour élaborer le plan de son spectacle: «Et en plus, je l’ai sexué! La chaîne, c’est le quintette d’hommes (Guido Del Fabbro, Jean Derome, Normand Guilbeault, Pierre Tanguay et Nemo Venba) et le danseur; ils jouent tout le temps, des sons tenus, parce que les fils de chaîne sont stables, ils sont attachés au métier et ils doivent être solides. On ne prend pas de la petite fibre de fantaisie pour la chaîne, mais du coton, du lin, de la laine ou de la soie; du solide. Pour la trame, par contre, tu peux utiliser tout ce que tu veux, et le varier. Ma trame, le quintette de femmes (Mélanie Auclair, Claire Gignac, Joane Hétu, Diane Labrosse et Danielle Palardy Roger) et la danseuse, sera donc composée de 25 variétés de «fils» - c’est un jeu complètement différent de l’autre. Dans le troisième acte du spectacle, les deux se rejoignent. Il ne s’agira pas d’une simple superposition, mais c’est l’idée. C’est un spectacle dans lequel il y a très peu d’improvisation, parce qu’on ne peut pas tisser en improvisant…»

Et on retrouvera ça sur disque? «C’est là que passent mes dernières économies! J’enregistre les trois soirs et j’en filme deux, pour un éventuel DVD. Après tout, je n’ai rien sorti depuis quelque temps, et puis… j’ai une compagnie de disques!»

Joane Hétu: «Pour une fois, j’ai l’impression de donner à ma musique les moyens du théâtre».


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Le tissage musical de Joane Hétu

par Frédérique Doyon in Le Devoir (Québec), 15 mars 2006 |80104|

Dans les années 70, avant de devenir la musicienne qu’on connaît, Joane Hétu était tisserande. Une autre vie, qu’elle a longtemps reniée. Dans une période de doute et de désenchantement par rapport aux exigences d’une carrière en musique de création, elle a avancé l’hypothèse un peu farfelue d’un retour au métier de tisserand. Ainsi est née Filature, une oeuvre pour dix musiciens et deux danseurs truffée d’images vidéo et d’éclairages.

«J’ai revécu tous les gestes que je faisais dans le tissage, raconte-t-elle. Dès ce moment, c’est devenu clair que je voulais exprimer le fil qu’on monte sur un métier et celui qu’on passe à travers pour créer le tissu.» Elle a donc créé un théâtre sonore en trois actes -- la chaîne, la trame, le motif --, plus construit, moins basé sur l’improvisation que d’habitude.

«Pour une fois, j’ai eu la volonté de faire comme dans le théâtre : avec plus de répétitions, une conception d’éclairages, deux danseurs. J’ai appelé ça "théâtre sonore" parce que je voulais partir du texte, de la partition musicale; les autres éléments allaient s’y rattacher.»

Joane Hétu évolue sur la scène canadienne des musiques actuelles depuis 25 ans. D’abord versée dans le rock déjanté des formations Wonder Brass, Justine et du trio Les Poules, elle s’est tournée vers un travail de composition plus abstrait, alliant textures sonores, texte et voix. Membre d’Ambiances magnétiques et présidente de la maison de disques DAME, elle a toujours aimé faire interagir différentes disciplines. La compagnie de concerts Productions SuperMusique, qu’elle codirige avec Danielle Palardy-Roger et Diane Labrosse, a notamment conçu en 2002 la superbe fresque multimédia Each… and Every Inch, sur la vie et l’oeuvre de l’écrivaine canadienne Elisabeth Smart. Pour ses 25 ans, SuperMusique a décidé d’accorder une part importante de son budget à la création d’une production plus importante. C’est au tour de Joane Hétu de piloter la sienne…

L’esprit du tissage a ainsi déterminé la structure de Filature. Le premier acte ne met en scène que les créateurs-interprètes masculins -- Guido Del Fabbro, Jean Derome, Normand Guilbeault, Pierre Tanguay, Nemo Venba et le danseur Daniel Soulières; le second acte, que les femmes -- Mélanie Auclair, Claire Gignac, les trois codirectrices de l’Ensemble SuperMusique et la danseuse Séverine Lombardo.

«Le fil de chaîne se doit d’être noble, il faut que la fibre soit solide, rappelle la tisserande. Le fil de trame peut être de toutes sortes de qualité, métallique, en velours, etc. J’ai répertorié 25 textures que j’ai transposées musicalement.» Tout ce beau monde se retrouve au troisième acte pour mettre en scène cet entrelacs de générations d’artistes, de musiques, de voix (des chansons écrites par Joane Hétu), de mouvements et d’images signées par le réalisateur Pierre Hébert.

La vie est ainsi faite de hauts et de bas qui se nourrissent mutuellement. Quand le fantasme d’abandonner la musique a effleuré son esprit, Joane Hétu y a puisé l’essence même du plus imposant projet de sa carrière. «C’est quelque chose d’avoir une aussi grosse équipe. Ça arrive à point dans ma carrière. C’est la pièce qui représente le plus mon univers musical.»


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Joane Hétu’s Filature: Theatre of Sound

par Paul Serralheiro in La Scena Musicale #11:6 (Québec), 1 mars 2006 |3041|

«Musique actuelle is a hybrid form, born of mixing disparate things. Weaving has similar principles — the craft involves mixing various threads to create a pattem…»

The role of music in the theatrical arts is usually a secondary one, used to highlight dramatic action or inspire a choraographer’s vision. Music seems mone abstract than words or gestures to most people. With her latest creation, Filature, premiered this month at Usine C, musique actuelle composer, vocalist and improvising saxophonist Joane Hétu sets out to show the theatrical potential of music and how other arts can be put to its service.

During a recent conversation held at the offices of Ambiances Magnétiques, of which she is the label’s chief adminstrator, Hétu explained her vision as being inspired by the art of weaving, once an occupation of hers. “Musique actuelle is a hybrid form, born of mixing disparate things. Weaving has similar principles — the craft involves mixing various threads to create a pattem, a pleasing artistic form.”

In this “Théâtre sonore” of hers, the threads are the instrumental “voices” of the musicians, with counterpoint provided by a pair of dancers, and important visual components including costumes, lighting and video projections. Still, the musicians are at the heart of this project, a point Hétu further elaborates upon. “I have to know who I’m writing for. I’m not just writing for a particular instrument — it starts with a particular musician.” The work is dividad into three acts, each based on a principle of weaving: Act I is titled Chaîne, Act II Trame and Act III Motif, weaving terms that translate as “warp”, “weft” and “weave”. “In the opening act, male musicians are on stage with a male dancer, followed by an all-female cast in Act II and all 10 musicians share the stage in Act III, their lines interweaving with each other’s. Most importantly, everything grows out of the music.”

Even if there are improvised parts, Hétu hastens to add, “The music is mostly written, with the visuals borne out of the music.” In this way, the contributions of video artist Pierre Hébert, lighting designer Guillaume Bloch, costume designer Louis Hudon and sound engineer Bernard Grenon are all in keeping with the music. “So this is a turning of the tables, at least with respect to what usually happens with music and other performing arts,” explains Hétu.

The musical component will be handled by some of musique actuellets best know characters, among them Jean Derome, Diane Labrosse, Pierre Tanguay and Normand Guilbeault, the featured dancers being Daniel Soulières and Séverine Lombardo. “We’re working with textures,” Hétu reminds us, “but the underlying structure behind these are the music. Always.”


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Célébration de la voix, de l’improvisation et du corps

par Éric Norman in JazzoSphère #27 (France), 1 janvier 2006 |2994|

«Vocaliste et saxophoniste au parcours atypique, elle est à la tête de DAME et organise concerts et événements…»

Joane Hétu est une personne-clé de la musique improvisée à Montréal. Vocaliste et saxophoniste au parcours atypique, elle est à la tête de DAME et organise concerts et événements tantôt sous l’égide des Productions SuperMusique, tantôt dans la spontanéité des MercrediMusic.

Bonjour Joane. Tout d’abord, peux-tu nous faire un bref résumé de ton partours pour nos lecteurs?

Autodidacte, j’ai d’abord pratiqué, à l’aube des années 80, la chanson au sein des groupes de rock actuel Wondeur Brass, Justine et Les Poules, dont le rock ravageur d’avant-garde m’a fait connaître un peu partout en Amérique et en Europe. Ensuite avec mon propre groupe Castor et compagnie, j’ai proposé une réinvention de la chanson sensuelle à travers la musique actuelle.

J’ai délaissé le rock depuis, mais n’ai pas entièrement abandonné la chanson, comme en témoigne mon projet Nous perçons les oreilles avec Jean Derome, dans lequel nous explorons cette région ténue entre le rire et les pleurs.

Depuis le milieu des années 90, je me suis peu à peu tournée vers un travail de composition plus abstrait, alliant texte, texture et expérimentations vocales. On trouve cette recherche au centre de mon disque solo Seule dans les chants et du triptyque Musique d’hiver, dont le premier volet (Musique d’hiver) est paru sur Ambiances Magnétiques, le second (Nouvelles musiques d’hiver) a été présenté sur scène en mars 2003 et le dernier volet reste à paraître. Au cours des dernières années, je me suis intéressée de plus en plus à la composition de canevas d’improvisation, que j’ai présentés en Italie et au Canada, avec l’Ensemble SuperMusique dont je suis membre ou encore avec de petits groupes d’improvisateurs. À l’hiver 2006, je présente à Montréal mon projet d’envergure intitulé Filature qui fait appel à la musique, la danse et la vidéo expérimentale.

La voix semble avoir toujours eu pour toi un rapport étroit avec la corporalité, avec les limites du corps: soit par la violence des effets à l’époque plus rock de Justine; par les thématiques sexualo-amoureuses de Castor et cies; mais surtout par la nature physique de ton chant, plus proche du grain que du mot. Comment envisages-tu cette pratique?

J’aime la chanson mais je n’aime pas beaucoup chanter de la chanson. Par ma démarche en musique actuelle et mon approche d’instrumentiste (le saxophone alto), je ne me suis jamais sentie chanteuse dans le sens traditionnel du terme. Je suis plus attirée par la texture sonore et l’apport de la voix dans l’orchestre - au même titre qu’un instrumentiste - que par étre une chanteuse accompagnée d’un orchestre. Ma collaboration avec Diane Labrosse qui, dès la fin des annses 80, travaillait déjà à l’échantillonneur m’a amenée à m’intéresser aux sons digitaux et à explorer la voix dans le même sens que les textures sonores répétitives et bruitistes qu’elle produisait avec ses machines.

Ainsi, depuis une quinzaine d’annces, j’ajoute à mon catalogue vocal plein de sonorités inhabituelles pour la voix. J’aime qu’on sente bien que mon instrument (lorsque je chante) est mon corps, un corps qui vibre, qui bave, qui crie, qui fait de la salive, ce qui apporte un côté animal et corporel à ma pratique, un aspect chamanique du chant qui m’attire énormément Je trouve ça assez amusant que mes recherches acoustiques, qui s’apparentent souvent à des textures électroniques, soient faites uniquement par la voix d’une femme. J’aime le contraste qui existe entre le fait que je sois seule debout avec un micro sur scène tandis que les autres musiciens recourent à leurs effets, leurs fils, leurs consoles, leurs objets. Et pourtant nous arrivons à des résultats souvent similaires. Je pense que c’est très intéressant comme dualité et complémentarité.

Comment perçois-tu le lien entre improvisation et tradition orale dans divers folklores?

La tradition orale folklorique est un leg de chansons, de mots, de comptines, d’histoires soutenus par un air, une mélodie qui traversent le temps grâce à une mémoire collective passée d’une génération à l’autre tandis que l’improvisation est une proposidon musicale instantanée, une composition musicale en temps réel en relation avec les autres musiciens présents. Donc, à mon avis, il n’y a pas beaucoup de liens entre les deux.

J’ose imaginer que même pour les musiques dites populaires, il y a un certain aspect rituel dans la démarche des artistes. Il est vrai, qu’en improvisation, sans rituel, il n’y a pas de musique donc c’est partie prenante de la démarche. Cependant, comme je l’ai déjà dit, je pense que c’est la même chose pour les musiques populaires, à plus faible dose.

Quelles ont été tes grandes révélations musicales?

J’ai régulièrement de grandes révélations musicales. La musique est la chose qui m’intéresse le plus au monde (à part l’amour) et c’est d’une ampleur incroyable. Je n’aurai jamais assez de toute ma vie pour en faire le tour. Mais je veux bien faire l’exercice de répertorier quelques «révélations musicales» que je garde en mémoire.

En 1984, à Paris, au 4e Congrès international Femmes et musiques, le concert de Jöelle Léandre et Annick Nozati. Une révélation, des femmes improvisatrices et engagées, nous n’étions donc pas les seules au monde. Dans les années 80, au Festival International de musique actuelle de Victoriaville, le concert solo de Fred Frith, qui jouait avec des objets et presque jamais de la guitare comme de la guitare. Un moment de liberté incroyable… Je me suis dit que je voulais faire de la musique dans cet esprit. En 1992, au Théâtre La Chapelle à Montréal, la première série de concerts de Jean Derome et les Dangereux Zhoms. Une musique qui swingue, des thèmes incroyables, des improvisateurs hors pairs, de la vraie musique quoi! En 2005, au Festival International de musique actuelle de Victoriaville, le groupe Hubbub. Un moment de grâce, la salle au complet flottait dans l’espace. Réussir à avoir un jeu si minimaliste et original, tout en gardant une musicalité et une intensité, c’était grandiose! Et tout de suite après, Anthony Braxton avec son ensemble. Réussir à jumeler improvisation, écriture, direction d’orchestre, complexité rythmique, spontanéité et virtuasité: une grande leçon de musique actuelle. En 2005, au Festival de jazz de Guelph, le solo de Lori Freedman, qui était retransmis simultanément sur Radio-Canada et que son pére mourant écoutait à l’hôpital, était d’une intensité, d’une limpidité, un vrai hommage à son père et un spectacle tellement puissant: quand la musique vaut mille mots.

Rapidement, ce sont des concerts qui m’ont bouleversée mais à vrai dire je pourrais en nommer tellement. Si je continue l’exercice, des concerts que j’ai donnés qui ont été pour moi des «révélations musicales».

En 1993, le premier concert de Nous perçons les oreilles à la Casa Obscura à Montréal, lors du vernissage de l’artiste Pierre Dumont. Première apparition en public de notre travail d’intimité et de partage entre Jean et moi et qui fut un réel moment d’euphorie musicale. En 1996, l’un des derniers concerts de Castor et compagnie, lors d’une tournée européenne, en Suisse. Nous avons touché à l’essence de notre groupe. Nous n’arrivions même plus à reconnaître les pièces mais nous étions tous ensemble. En 2005, dans le cadre de la série Volapük à Montréal, Les Poules qui reviennent de Russie et qui donnent l’un de leurs melleurs concerts, une espèce de musique de jazz électronique actuelle, de la grande improvisation, une complicité légendaire. Et pour terminer si je parlais de quelques disques ou pièces majeurs de ma vie:

  • Igor Stravinski - Symphonie de psaumes
  • Luciano Berio - Folks music
  • Gustave Malher - tous ses leiders
  • Duke Ellington - Brown and beige suites
  • Germaine Montero qui chante Mère courage
  • John Cage et David Tudor

Quels sont tes projets pour 2006?

Je fais une liste:

  • Présentation de Filature à l’Usine C - une pièce pour dix musiciens, deux danseurs, une cinéastre
  • Atelier de musique improvisé à Rimouski avec le GGRIL (grand groupe régional d’improvisation libérée);
  • Concerts de ma formation Les Poules à Montréal;
  • Composition d’un troisième volet de Musique d’hiver;
  • Préparation d’un troisième album pour Nous perçons les oreilles;
  • Production sur disque compact du deuxième volet de Musique d’hiver;
  • Présentation d’une série de concerts avec L’Ensemble SuperMusique et la troupe de danse Danse-Cité;
  • Concerts de ma formation Les Poules avec trois trios d’improvisateurs différents;
  • les mercredimusics;
  • toutes les choses que je ne sais pas encore.

Bref continuer à faire de la musique et diriger DAME du mieux que je peux.


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Intervista a Joane Hetu

par Francesca Odilia Bellino in All About Jazz Italy (Italie), 1 décembre 2005 |2949|

Joane Hétu, nata a Montréal nel 1958, è vocalist e sassofonista. Suona dal 1980 e da allora è uno dei pilastri dell’avanguardia canadese. È autrice, compositrice ed improvvisatrice. È stata membro dei gruppi Justine e Wondeur Brass. Nel 1992 ha creato un proprio ensemble, Castor et compagnie, che realizza le sue canzoni, dai toni spinti e di indubbio fascino. La sua ultima discografia include dischi come Musique d’hiver (2001), Seule dans les chants (2000), con Castor et compagnie Mets ta langue (1995-98), Nous perçons les oreilles (2002, 1998), Langages fantastiques et (Suites) (1990-95).

Per quest’occasione abbiamo incontrato la Hétu in veste di direttrice di DAME (Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera) e di co-direttrice di Productions SuperMusique e membro dell’etichetta Ambiances Magnétiques.

•All About Jazz Italia: Hai iniziato a fare musica nel 1980 e da allora sei diventata uno dei pilastri della musica canadese contemporanea. Sei stata tra le fondatrici dei collettivi creativi Justine e Wondeur Brass. Dal 1982 hai diretto un tuo ensemble, Castor et Compagnie, che canta canzoni. Con un background così ricco, perché e in che momento della tua vita hai deciso che volevi mettere in piedi un’etichetta e incominciare il lavoro di direttrice di DAME e membro della produzione?

Joane Hétu : Fin dall’inizio della mia carriera di musicista ho preso parte a delle strutture di diffusione della musica. Nel 1980 sono diventata co-direttrice di una organizzazione senza fini di lucro che si occupava di programmare i nostri concerti e dei tour, questa organizzazione esiste ancor oggi e si chiama Productions SuperMusique (all’epoca si chiamava Productions SuperMémé). Non ho fondato io Ambiances Magnétiques, ma sono stati nel 1983 René Lussier, Jean Derome, e André Duchesne Robert Marcel Lepage. Nel 1985 Wondeur Brass è stato invitato a unirsi al gruppo e così io, Diane Labrosse e Danielle Palardy Roger siamo diventati tre nuovi membri del collettivo. Qualche anno piùtardi Michel F Côté e Martin Tétreault si sono uniti al gruppo.

A partire da questa adesione al collettivo, ho impiegato parecchio tempo, come tutti i suoi membri, per l’organizzazione dell’etichetta. Lentamente mi sono ritrovata ad avere ogni giorno sempre un pò più di responsabilità: la contabilità, la posta, gli ordini. Ero la persona più costante. Tutti si defilavano, ma io ero la persona che più sovente si trovava là. Il gruppo Ambiances Magnétiques cresceva e il funzionamento del collettivo diventava sempre più difficile da gestire e, a mio avviso, piuttosto inefficace.

Nel 1990 abbiamo stampato 15 vinili e un primo titolo in compact disc, un cambiamento epocale. Alla fine di quell’anno, ho messo al mondo mia figlia Léa. Nell’aprile del 1991 ho fondato da sola DAME secondo le modalità di una "azienda a scopo di lucro" della nostra provincia e ho deciso di prendere definitivamente in mano le redini della gestione dell’etichetta avendo in mente di estendere ad altre etichette e musicisti i nostri servizi di diffusione con il nome di Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera, acronimo di DAME. Quindici anni dopo, Ambiances Magnétiques ha un catalogo di circa 150 titoli (135 dalla fondazione di DAME) e DAME amministra in un tutto un catalogo di 425 CD provenienti da diverse etichette di musica contemporanea [musique actuelle], inclusa Ambiances Magnétiques.

Tutto questo preambolo per dire che, all’inizio della mia carriera di musicista, ho diviso il mio tempo tra la musica e la sua gestione. Sicuramente con l’arrivo di una figlia, mi sono sentita un po' superata dalla mia vita di musicista improvvisatrice e ho pensato che sarebbe stato difficile mantenere un buon ritmo di concerti e tour avendo una figlia piccola e un marito, anche lui musicista. È con questo spirito che ho deciso di mettere più energie nella gestione dell’etichetta che nella carriera di musicista, il tutto cercando di conservare un certo equilibrio. È una scelta di cui mi pento ora? No, a che pro!

•AAJ: Quando hai cominciato a suonare cosa ti ha avvicinato alla musica (improvvisata) e sono quelle le stesse cose che continuano oggi a guidarti?

•J.H.: Essenzialmente sì. Il gusto del rischio, della sorpresa, dell’arte della comprensione e dell’autenticità del linguaggio. Il mio amore adolescenziale è stato il jazz, ma quando sono diventata musicista ho virato verso il rock. Wondeur Brass è stato una "band di figli del rock". Del rock non commerciale, intendiamoci, del rock in opposizione (termine di Chris Cutler). Spingevamo verso l’improvvisazione nel senso che c’era una sorta d’atelier, e improvvisando tutti insieme scrivevamo noi la nostra musica. Ma poi, in concerto, suonavamo i pezzi quasi sempre nello stesso modo. Lentamente, in contatto, gli uni gli altri, con musicisti come Fred Frith, Jean Derome, Joëlle Léandre, siamo stati attirati da un altro modo di fare. Una certa stanchezza ha preso piede e l’idea di essere relegati ad un repertorio e al suonare sempre la stessa cosa, poco importa il luogo e l’ora, non mi interessava più.

Alla fine degli anni Ottanta, abbiamo cambiato nome, da Wondeur Brass a Justine e abbiamo cambiato anche il nostro modo di fare, privilegiando e integrando le nuove tecnologie alla nostra musica: batteria elettronica, sintetizzatori, moduli d’effetti (modules d’effets). E così, l’universo della musica improvvisata si è insediato nella mia musica ed è ora la pietra angolare del mio approccio musicale.

Penso che i musicisti improvvisatori siano musicisti straordinari. Essere un improvvisatore richiede, a mio avviso, un livello d’ascolto periferico (un arte dell’intelletto), una capacità di adattamento a tutte le circostanze e una personale ricerca musicale. è la musica più viva che io conosca ed anche la più interessante.

•AAJI : Qual è il tuo approccio alla musica degli altri, tanto come vocalista e sassofonista, che come direttrice di DAME?

•J.H.: Come direttrice di DAME, sono al servizio dei musicisti e delle musiciste. Probabilmente al contrario della regola che vige nell’industria musicale, intervengo pochissimo nella direzione musicale dell’etichetta. Tutti i membri fondatori di Ambiances Magnétiques hanno il privilegio di produrre ciò che vogliono e, per gli altri, c’è un misto di amicizie, di affinità e di musica. Se un musicista veramente si sente bene con il nostro modo di fare e si sente parte in causa del nostro universo, questo è già un grande passo per essere distribuito da noi. Bisogna dire che a priori sono gli artisti che investono economicamente nella produzione del loro disco.

Per quello che riguarda le altre etichette che si trovano in DAME, io lavoro in collaborazione con i direttori di ciascuna di queste etichette e sono loro che hanno l’ultima parola. Amo lasciare una possibilità al "corridore" e le mie critiche musicali le applico alla mia musica, lasciando che gli altri facciano la loro.

Ma può anche darsi che la questione si riferisca più alle altre musiche nel senso dello stile. Ebbene, in DAME ora abbiamo un’etichetta di contemporanea, Collection QB, una serie di Ambiances Magnétiques Jazz e un’etichetta di musica più popolare con Monsieur Fauteux m’entendez-vous?. Qui si apre un nuovo terreno di esplorazione.

Come musicista, amo principalmente la musica improvvisata in concerto; per quanto riguarda la musica che ascolto, è molto variegata, dalla classica alla contemporanea, etnica, jazz e per contro molto poca musica improvvisata. È così. Bisogna dire che non ho poco tempo per fare e ascoltare la mia musica.

•AAJ: Senti che ricevi qualcosa in cambio nella tua ricerca personale dal lavoro con altri musicisti e dal lavoro come produttrice?

•J.H.: Come musicista, apprendo sempre da altri musicisti, dalle loro capacità, dalle loro idee musicali, dalle loro tecniche. Amo sempre di più suonare con nuovi musicisti, anche se provo sempre un grande piacere a suonare con Jean Derome e Diane Labrosse con i quali lavoro da più di 25 anni.

Come produttrice, sono contenta di aiutare i musicisti a realizzare i loro sogni, aiutarli a diffondere la loro musica, ma pochi musicisti m’ispirano veramente a livello della loro visione del mondo della musica perchè - regola generale - non pensano che a loro e sono più o meno riconoscenti nei confronti del mio lavoro. Evidentemente, ciascun musicista crede di meritare di più e non comprende che noi vendiamo così pochi dischi. In fondo, è abbastanza ingrato come lavoro a livello umano: mi fa piacere pensare che non sto promuovendo solo la mia piccola persona, la mia piccola musica, ma ho l’impressione di avere un impatto sociale, probabilmente minimo, ma in ogni caso un certo ruolo sociale nell’incoraggiare questi musicisti e queste musiciste.

•AAJ: Potresti illustrare in poche parole i differenti stadi della tua ricerca musicale in relazione ad Ambiances Magnétiques?

•J.H.: Mi sono formata in Ambiances Magnétiques. È la mia principale scuola di pensiero, il mio modo di fare, di intendere. L’evoluzione di Ambiances Magnétiques mi assomiglia. Trovo che sia una etichetta formidabile e non sono attirata da nessuna altra etichetta. Bisogna dire che di carattere sono una fedele. Sono con lo stesso uomo da più di ben 25 anni, abito nella stessa casa da 17 anni e sono sempre nell’avventura Productions SuperMusique e DAME/Ambiances Magnétiques. Questo potrebbe dare l’idea che ho una vita ben noiosa, ma non è così!

•AAJ: Potresti dire qualcosa su cosa significa esattamente "ambiances"? Sono interessata in particolare a questo in relazione alla storia della musica elettro- acustica canadese. Pensavo che "ambiances" potesse riferirsi alle ricerche di Murray Raynold Schaffer sul paesaggio, con un chiaro approccio innovativo e contemporaneo.

•J.H.: Il nome Ambiances Magnétiques è stato trovato si può dire nel 1982 ed era il titolo di uno show di Jean Derome e René Lussier. L’aneddoto che Jean racconta a proposito è questo: preparando il volantino e il programma di un concerto, stavano redigendo la lista degli strumenti che avrebbero suonato, così aggiunsero alla lista il termine Ambiances Magnétiques per descrivere le musiche che stavano per essere diffuse su nastro magnetico durante il concerto. Un anno più tardi il termine Ambiances Magnétiques è stato ripreso per dare il nome all’etichetta.

Per quanto riguarda il legame con la musica elettro-acustica e contemporanea, devo dire che all’epoca era molto sottile, perché non c’era molta fusione tra i differenti mondi musicali. Noi lavoriamo in modo molto isolato, credendoci praticamente soli al mondo, come tutta la gioventù, dico questo senza presunzione. La gioventù con la sua foga e la sua energia ma anche la sua ignoranza.

•AAJ: Com’è produrre al tempo stesso jazz, musica improvvisata, musica per ensemble, musica per bande, new rock, libera improvvisazione, elettronica, noise, canzoni e poesia? Quali sono le vostre "linee guida" - se ci sono - in Ambiances Magnétiques?

•J.H.: Per descrivere la nostra musica usiamo il temine musica attuale. In altri paesi usano il termine musica di creazione o nuova musica o musique de Traverses o musique-Action o musica…

La definizione che noi usiamo più frequentemente si può riassumere in tre punti:

1. il compositore deve essere anche interprete della propria musica

2. deve avere una parte d’improvvisazione

3. deve avere una proposta di metissage sia a livello della strumentazione (strumenti acustici + strumenti elettronici), che dello stile musicale (melange di country + rumorismo, ad esempio) o del genere artistico (poesia + free jazz).

Ma la cosa più bella di questa musica, è che giustamente non è ancora definita, dobbiamo lasciarla vivere e farla sbocciare, senza soffocarla con delle regole. Certe volte, queste tre regole si presentano e a volte no: da qui la diversità di stili.

•AAJ: Dalla diffusione del CD in poi, siamo stati testimoni di una crescita esplosiva ed esponenziale nelle produzioni tecnologiche della musica. Sto pensando ora ai supporti, ma anche a tutti quegli strumenti e attrezzature necessari per fare la forma nuova, la cosiddetta musica elettro-acustica. Cosa ne pensi?

•J.H.: Non sono un’esperta di musica elettro-acustica, ma penso che questa non sia una nuova forma, ha già qualche decennio. L’uso del laptop come strumento di musica mi sembra più recente ed è molto popolare. Contribuisce a movimentare molto le regole della musica. Regola generale, mi stufo ai concerti di musicisti di laptop, ma se viene utilizzato come fosse un nuovo strumento da includere nell’orchestra, lo trovo molto interessante. Amo l’apporto dell’elettronica nella musica ma a piccole dosi. Nei miei progetti, chiamo regolarmente Diane Labrosse al campionatore e Martin Tétreault ai giradischi e non potrei più farne a meno. L’effetto di novità e una parvenza di facilità che apporta il computer è molto stimolante e ci sono sempre eccellenti musicisti, ma esiste oggi un lancio di questa corrente musicale a livello di marketing. Francamente, trovo che ci siano musicisti molto interessanti che emergono in questa sorta di nuova liuteria.

•AAJ: Quanto è importante il supporto economico delle istituzioni in un lavoro come il vostro?

•J.H.: È molto importante. Il Canada ha un sistema di sovvenzioni molto ben articolato con degli organismi che sono il Conseil des Arts du Canada e Patrimoine Canadien. Questo sistema di finanziamenti funziona da ormai più di cinquanta anni. Essendo vicini agli Stati Uniti, posso dire che senza questo sostegno, noi saremmo già stati completamente assimilatati, cosa che non è ancora accaduta. Anche in Quebec c’è un sistema di finanziamenti ma che si articola principalmente attorno al francese, dunque canzoni, teatro e cinema, arti parlanti insomma. La musica di Ambiances Magnétiques è percepita dai sovvenzionatori del Quebec non come veramente "quebecchese", forse per il suo lato sperimentale e anche perché è quasi esclusivamente strumentale. Noi siamo sostenuti dunque più a livello canadese che quebecchese.

Il supporto economico delle istituzioni è importante ma rimane ancora minimo per musiche come la nostra. Ci permette appena di sopravvivere. Tutti i progetti che noi realizziamo non sono necessariamente appoggiati da questi programmi, ma è impossibile realizzare in seguito più progetti di grande portata senza sostegno. Penso di vendere della poesia in un certo senso o dell’arte contemporanea e secondo le leggi del mercato non è redditizio, dunque senza alcuna sovvenzione questo sarebbe impossibile.

•AAJ: Sono convinta che una etichetta abbia molto a che fare con la memoria - anche se non in un modo diretto. Grazie a poche etichette abbiamo memoria di esperienze musicali favolose che (fortunatamente!) non sono scomparse senza lasciare tracce. In qualche modo una etichetta ha la funzione di una memoria collettiva (una sorta di biblioteca). Cosa ne pensi?

•J.H.: Sono molto fiera di dire che quasi tutti i titoli di Ambiances Magnétiques dal 1983 sono ancora disponibili. Io credo nella necessità della storia. È importante per comprendere il lavoro di un musicista ascoltare parecchi suoi dischi e opere successive nel tempo. Non spingo unicamente delle novità, anche se il mercato stesso le richiede, non chiede solo queste. Sento che DAME funge da granaio, da memoria collettiva, anche se su piccola scala, ma a volte il prezzo da pagare è enorme. Ho due magazzini di dischi da gestire e devo assicurarmi che la cosa non finisca mai. E poi, oltre ad offrire i dischi degli artisti della nostra etichetta, voglio anche offrire i titoli che l’artista ha prodotto su altre etichette di modo che possa dare al melomane tutto Jean Derome o tutto Martin Tétreault. Non ci sono ancora riuscita del tutto, ma sto lavorando in questo senso. Date un’occhiata a www.actuellecd.com.

•AAJ: Puoi indicare alcune etichette che consideri degne di nota e perché?

•J.H.: In questo momento ci sono poche etichette che davvero mi prendono. La Tzadik negli anni Ottanta è stata portatrice di una quantità fenomenale di produzioni e del grande successo che è Masada. Mi piace la Hat Hut ma la loro produzione è molto più limitata ora; la Winter & Winter offre buone registrazioni ma il lusso che racchiude le loro cover non mi piace neanche un po'. Se no, ci sono una tonnellata di piccole etichette, ma veramente una tonnellata di piccole etichette; a volte ci sono dei piccoli bijoux che per quanto tempo ancora ci saranno? Due anni, tre anni?! Ambiances Magnétiques esiste da più di venticinque anni e DAME da ben quindici. Bisogna prendere in considerazione la longevità di una piccola etichetta per apprezzarla. Credo nello stesso lungo termine se la nostra vita è così effimera.

•AAJ: Alla fine, quale dovrebbe essere una buona critica? I critici sono solo una sorta di necessario diavolo?

•J.H.: Noi siamo sempre alla ricerca della critica, questa dovrebbe essere dunque necessaria! Lo sguardo altrui sul nostro lavoro è importante. Ma onestamente, devo dire che non leggo quasi mai le critiche a proposito dei miei dischi o di quelli che produco. So che per avere dei contratti, delle sovvenzioni, della visibilità, bisogna che si parli di me nei media. Le critiche non sono indirizzate a me, ma al melomane!

•AAJ: In conclusione…:

•J.H.: Come musicista, devo continuare il mio lavoro il più coscientemente possibile, a volte faccio dei buoni colpi, altre no. È così! Io non sono alla ricerca del capolavoro, che farei dopo?! Amo enormemente la musica, non potrei vivere senza. È un bisogno vitale. È nella musica che sono più in armonia con me stessa e con l’ambiente che mi circonda.

Al momento lavoro alla composizione di un teatro sonoro intitolato Filature che sarà presentato a Montreal il prossimo marzo e interpretato dall’Ensemble SuperMusique. Accetto tutti gli inviti a concerti di musica improvvisata e vorrei di nuovo suonare in Italia. Spero di fare musica ancora a lungo, fino alla fine dei miei giorni…

Per quel che è di DAME, offriamo una ventina di novità per anno e sempre delle novità dei nostri artisti e di etichette affiliate. Su quale supporto troveremo la nostra musica tra cinque anni? Probabilmente non più su compact, ma poco importa, DAME sarà sempre lì a favorire la diffusione di queste musiche!


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Sonic Voyageurs

par Alex Varty in The Georgia Straight (Canada), 20 octobre 2005 |6068|

«… the Montreal-born idiom known as musique actuelle really is capable of embracing almost everything from the minimalist gestures of Babin and Hétu to the ear-scorching aural firestorms of Dontigny and d’Orion.»

Montréal is just a five-hour flight away, but the cultural capital of Francophone Canada can sometimes seem as remote as Antarctica. West Coast residents know the city as the home of relaxed liquor laws, good restaurants, and great delis, but we’re rarely exposed to the music that’s made there—and that’s almost entirely because most of it, whether pop, rock, or contemporary classical, is not sung in English.

North America’s largest French-speaking city is home to a thriving music industry and a club scene that we can only envy, but connecting with them seems difficult, thanks to the barrier of language. It’s ironic, then, that one of Montréal’s lesser-known contributions to the world of sound might end up being Vancouver’s entrée to Quebec’s musical life. Musique actuelle—a hybrid style that emerged in Montréal during the mid-1980s—is a largely instrumental form, so unilingual Vancouverites need not be scared off by incomprehensible texts. And although the idiom is so all-embracing that it’s hard to define, it’s animated by the kind of exploratory spirit that’s drives Vancouver groups like Talking Pictures and the Hard Rubber Orchestra. So it shouldn’t be that difficult for B.C. ears to appreciate Montréal’s sonic explorers, and we’ll get a chance to do just that this week, thanks to the Vancouver New Music Society’s Interférence: Statique X Statique festival.

Although the event, which runs at the Scotiabank Dance Centre until Saturday (October 22), features non-Francophone artists such as the U.K.’s Fred Frith and Janek Schaeffer, most of the performers hail from Quebec, and many of them, like Diane Labrosse, are 20-year veterans of the musique actuelle scene. Nonetheless, the otherwise charmingly articulate keyboardist still finds it difficult to explain what it is, exactly, that her chosen style includes—and that, it seems, is not only a linguistic issue.

“It’s a hard thing to do, describing a music that’s so broad,” Labrosse says, on the line from her Montréal home. “Of course at first there was progressive rock, and then improv came along, and then came the idea of putting together different styles of music. Some musicians began to draw on the roots of jazz, and also using more traditional or folkloric stuff, and then putting all of this together to make a new hybrid of music, which we called musique actuelle. We even find these different direct references within the same piece.”

The style’s name, like the music itself, contains a wealth of inferences and possibilities. Its sounds are “actuelle” because they’re real music made by real musicians, as opposed to machine-made, bottom-line-driven pop, but also because they reflect the kaleidoscopic reality of today’s media environment. The argument Labrosse makes is that few people confine their listening to just one genre, so why should musicians suffer self- imposed limitations on what they play?

Her own career reflects this wide-open attitude. She’s written scores for dance, penned twisted avant-pop tunes, worked extensively with sample-based music, and performed with a global array of free improvisers. And in her Thursday-night concert at the Dance Centre, she’ll move a step or two toward abstract sound, in the company of multimedia artist Jean-Pierre Gauthier.

“Jean-Pierre is more known in the visual arts,” Labrosse notes. “He started out as a sculptor, a visual artist, and then he started to make some sound sculptures. This is where we got involved together quite a few years ago, maybe in 1998 or 2000 or whatever. We did a project where he was working with rubber tubes and compressors and bird whistles, things of that nature, so it was a noisy kind of culture. That started him doing shows, or doing performances; before that he was more of a sound installer, working in galleries and things like that. But he’s always done very fine work, juxtaposing visual and audio stuff.”

Labrosse reveals that she doesn’t yet know what Gauthier will be bringing to their Interférence show. “He told me that it’s very small, and that it’s something that he’s made, and that it varies from one performance to another.”

With that in mind, she’s readying herself for a performance that will be improvised from start to finish, as will several of the other bookings that Vancouver New Music artistic director Giorgio Magnanensi has arranged for his festival. Following Labrosse on Thursday will be the cross-country quartet of Pierre Tanguay, Bernard Falaise, Dylan van der Schyff, and Ron Samworth, a group she describes as well worth hearing.

“It’s a double-duo sort of thing: two drummers that work in a similar fashion, and two guitarists that also work in a similar fashion,” she explains. “But everybody’s very different and has a real personality. I saw this band in Montréal, and it was quite a nice concert.”

Friday night (October 21) features performances by sound artist Magali Babin and saxophonist Joane Hétu, followed by Klaxon Gueule, a trio that includes guitarist Falaise, percussionist Michel F Côté, and pianist Alexandre St-Onge. Like Labrosse’s collaboration with Gauthier, both of these ensembles patrol the grey area between sound sculpture and more conventional forms of improvisation, a zone that increasingly draws practitioners of musique actuelle.

“You start with finding new sounds on your guitar or your bass or your drums,” Labrosse notes. “And you move from there to adding effects, and then to [computer-based] processing, or even to building your own instruments.”

Fittingly, then, Interférence’s musique actuelle survey will conclude on Saturday with Morceaux_de_Machines, an abrasive and intense collaboration between sound designers Aimé Dontigny and Érick d’Orion that has earned comparisons to noise innovators Einstürzende Neubauten and Otomo Yoshihide.

It seems that the Montréal-born idiom known as musique actuelle really is capable of embracing almost everything from the minimalist gestures of Babin and Hétu to the ear-scorching aural firestorms of Dontigny and d’Orion. Close observers of the Vancouver scene will note that our own creative musicians are capable of a very similar range of styles; perhaps the gulf between East and West, between Francophone and Anglophone, is narrowing at last.


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Son en tête

par Pascale Guéricolas |2906|

«Elle-même, par sa double carrière d’artiste et de gestionnaire culturelle, contribue à faire entendre la musique au féminin.»

Pour mieux faire connaître les musiciens de concert, souvent oubliés des médias, le Conseil québécois de la musique a décidé d’en donner en « adoption ». C’est une musicienne profondément originale que la Gazette des femmes a choisie pour « fille »: Joane Hétu. Qui d’autre aurait fondé des groupes aussi éclatés que Wondeur Brass, Les Poules, Castor et compagnie, Nous perçons les oreilles ? Pas étonnant que cette artiste de 47 ans soit considérée comme l’un des piliers de la musique actuelle québécoise.

D’abord attirée par les sonorités rock, cette amoureuse du son a plongé ensuite dans l’improvisation, l’instrumental, le bruitisme (musique inspirée des sons de l’environnement). Depuis, son saxophone chante comme le vent dans les branches aux côtés du piano ou de l’échantillonneur, à la recherche de l’émotion par le son. La compositrice ne dédaigne pas intégrer parfois des bouts de textes à ses œuvres. En ce moment, elle travaille sur La filature, un projet de théâtre sonore mené par l’Ensemble SuperMusique, important rassemblement de musiciens actuels. Dans ce spectacle, qui sera présenté à l’Usine C en mars prochain, la vidéo, la danse et l’éclairage seront au service du son, un renversement total par rapport aux conventions habituelles.

Complètement libre dans ses compositions et ses improvisations, la musicienne a néanmoins les deux pieds sur terre lorsqu’elle porte sa casquette d’administratrice. En 1991, elle fondait la compagnie de disques DAME (Distribution Ambiances Magnétiques Etcetera). Son catalogue contient maintenant près de 140 disques en musique actuelle, souvent vendus directement au consommateur via Internet. «Je n’ai jamais cru au père Noël; je préfére m’occuper moi-même de mes affaires, explique-t-elle. Le genre de musique que je pratique a besoin de structures souples qui encouragent la création.» Parallèlement à la composition et aux concerts, elle mène aussi un combat pour la reconnaissance de la musique actuelle, avec ses complices de toujours, Danielle Palardy Roger et Diane Labrosse. Encore trop peu de femmes dirigent des groupes, se préoccupe Joane Hétu, qui se dit toujours persuadée de la nécessité du féminisme. Elle-même, par sa double carrière d’artiste et de gestionnaire culturelle, contribue à faire entendre la musique au féminin.


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Joane Hétu’s Diverse Musical Missions

par François Couture in Musicworks #92 (Canada), 1 juin 2005 |2855|

«Equally performer and business-woman, her work in both roles bas been enriching the Montreal new-music scene for the past twenty-five years.»

Joane Hétu packs an amazing amount of energy into her short, small frame — energy she willingly shares through her smile, passion, music, and determination. It keeps her busy as a saxophonist, vocalist, improviser, songwriter, composer, record-label owner, co-director of a concert production company, and mother of one. Equally performer and business-woman, her work in both roles bas been enriching the Montreal new-music scene for the past twenty-five years. As a member of Wondeur Brass, Justine, Castor et compagnie, and Nous perçons les oreilles, as part of the Ambiances Magnétiques collective, as head of the distribution company and record label DAME, and as co-director of Productions SuperMusique, Hétu has an impressive track record and now — after a difficult period of neglecting her own music in order to keep DAME afloat — she is more active than ever.

S’improviser

Born in 1958 in Montreal, Joane Hétu took a few piano lessons as a child but did not get seriously involved in music until the age of twenty. Coming late to her vocation? “No way!” she asserts.“Being twenty doesn’t make anything ‘late’! I started playing music when I reached adulthood, and a certain level of maturity.”

She may not have been playing an instrument seriously in her teens, but she was already developing strong individual tastes in music. “In my circle of friends, I was the only girl who had a decent stereo system. At fourteen, I heard John Coltrane’s A Love Supreme at a friend’s house. I immediately thought “Yes, I’ve found what I’ve been looking for.” I soon started visiting small record shops and listening to Frank Zappa and the Scandinavian jazz on the ECM label.”

While studying pure sciences in college, Hétu met and fell in love with the pianist Pierre St-Jak. “My whole life turned upside down. Pierre shared my tastes in music and he introduced me to a circle of musicians.” A member of the avant-garde jazz group Nébu, which included saxophonist Jean Derome, St-Jak played with the people whose activities revolved around Conventum, L’Enfant-Fort and La Pouet Pouet Band, all cooperative groups sharing views on musical experimentation and coflectivist, communal values. “It was the late ’70s,” says Hétu. “The Parti Québécois was in power, the first referendum had yet to shatter dreams; it was a time when you could accomplish something without knowing how to do it.”

Soon, Hétu had dropped out of school and moved in with St-Jak. For a while, she earned a living weaving by day and waiting tables by night at La Grande Passe, a bar on the corner of Ontario and St-Deriis that presented improvised nitisic on Tuesday nights. St-Jak and his friends, such as Jean Derome, René Lussier, and Daniel Heïkalo, performed regularly there. At some point, one of those friends left a soprano saxophone at the couple’s apartment. “It was just lying there,” recalls Hétu. “After a few days of looking at it, I picked it up and started playing.” Six months later she gave her first public performance, as a member of Wondeur Brass. In French, to say that someone suddenly becomes something (such as an improviser), the reflexive verb s’improviser is used. In this case, Hétu literally improvised herself

The adventures of Wondeur Brass

In 1980, eleven female musicians, professionals and amateurs alike, came together to organize benefit concerts to celebrate the fifth anniversary of Montreal’s women’s bookstore, Librairie des Femmes. These were important events for Hétu. She met two members of the traditional music group Arcanson, pianist Diane Labrosse and drummer Danielle Palardy Roger. The three women formed a trio and soon founded the company Productions SuperMémé-SuperMusique (later shortened to Productions SuperMusique, or PSM), in order to produce their own shows. The concerts that all eleven musicians gave for the Librairie des Femmes gave rise to an important and influential ensemble. The first concerts, in October and November, 1980, showed more good intentions than good music, but soon a group identity began to jell. The result was Wondeur Brass, the name both a cheeky cross-lingual pun on the brand name of a certain women’s undergarment, and an accurate description of the groups instrumentation: all brass (including a valve bass in the early days), except for the piano and drums. “The schedule was punishing,” Hétu recalls. “We were literally learning to play music together, eight to ten hours a day. I was happy to leave my weaving days behind, but some of the other girls had other plans.” Diane Raymond and Geneviève Letarte soon left the group, the latter to become a fine novelist, only returning to music — this time as a songwriter and singer — a full decade later.

In the spring of 1981,Wondeur Brass presented its first stage show, Anna Thème et Constance Urbaine, complete with costumes, theatrical elements, and original songs. They performed sold-out shows for three weeks at the Clochards Célestes (which would become Montreal’s alternative nexus a few years later, changing its name to Les Foufounes électriques).” It was madness. The crowd was going nuts, the place was packed. I would never know that much popular success afterward,” says Hétu. The mainstream pres