Robert Marcel Lepage: presse

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Robert Marcel Lepage • résidence: Montréal, Québec

• compositeur • interprète (clarinette, saxophone)

Articles sur Robert Marcel Lepage

Les critiques de disques se retrouvent dans les pages de chaque disque (via l’onglet «discographie»).

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Live Reviews: Guelph Jazz Festival

par Michael Chamberlain in Signal to Noise #44 (ÉU), 1 décembre 2006 |3188|

[…] Three free concerts at the Macdonald-Stewart Art Centre, headquarters for the festival’s colloquium, stood out. The acoustics and sightlines for those not in the first four or five rows at Mac-Stew are problematic. Happily, I was able to find a seat in the front for the concert by Robert Marcel Lepage’s Pee Wee et moi project, a genial tribute to the idiosyncratic clarinetist Pee Wee Russell by the Montreal clarinetist. François Houle, Lori Freedman, and René Lussier stood out, with Freedman — mainly on bass clarinet — sounding especially inspired. […]


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Soundcheck Review

par Andy Hamilton in The Wire #206 (RU), 1 avril 2001 |1507|

«A curiously affecting disc by an unusual talent.»

Clarinettist Lepage has produced music for film, dance, video and multimedia installation. The three compositions here are for videos by Chantal Dupont and Elisabeth Wörle, and feature chambers groups with voices. Du front eenly explores breathy, drawn out sonorities, while Notes pour Chantal et Elisabeth for Lepages’s limpid clarinet, electric guitar and alto is sparer, delicate and trancelike. Ernest add bass, trombone, voices and narrator, plus soundscape elements wich dilute the effect. A curiously affecting dics by an unusual talent.


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Charmes vénéneux

par Serge Truffaut in Le Devoir (Québec), 27 janvier 2001 |1398|

«… les trois musiciens démontrent une maitrise exemplaire de leur instrument respectif comme des subtilités propres à tout exercice d’improvisation.»

Mettons, et non supposons, que le trio formé de Normand Guilbeault à la contrebasse, Bernard Falaise à la guitare et Robert Marcel Lepage à la clarinette ait vu le jour en 1963, lorsque Jimmy Giuffre, qui joue de l’instrument dont joue Lepage, Steve Swallow, qui est propriétaire d’un engin dont Guilbeault est également propriétaire, et Falaise, qui pince des cordes là où Paul Bley intercalait les touches du grand piano, ont injecté une forte dose d’improvisation dans l’univers du jazz.

L’album que propose la troïka Falaise-Lepage-Guilbeault est de la même eau que celui que signa, il y a 37 ans de cela, le triumvirat amené par Giuffre. Les six morceaux conçus par les Montréalais sont autant d’échos aux pièces composées par leurs aînés. Joue Free, titre de l’album qui vient de paraître sur Ambiances Magnétiques, est une exploration, pour reprendre l’expression imprimée au dos de la pochette, du «spleen particulier du jazz de chambre et du folk blues en hommage à son principal instigateur des années soixante, le clarinettiste américain Jimmy Giuffre». En hommage à l’œuvre de l’auteur du célèbre The Train And The River, Guilbeault et ses alter ego ont confectionné un album plein de ces charmes que l’on dit vénéneux parce que déstabilisants, troublants, exigeants. Joue Free a ceci de remarquable qu’il propose beaucoup de profondeurs, un amas de gouffres. Un album qui distribue constamment surprise après surprise. L’ensemble est d’autant plus réjouissant que les trois musiciens démontrent une maîtrise exemplaire de leur instrument respectif comme des subtilités propres à tout exercice d’improvisation. Si la musique de Lepage, Falaise et Guilbeault n’est pas de tout repos, si elle n’est pas une de ces musiques conçues à l’aune de la respectabilité, elle a ceci d’essentiel qu’elle favorise le regard droit devant.

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Critique

par Dominique Nadeau in SOCAN, Paroles & Musique #7:6 (Canada), 1 décembre 2000 |1402|

Le coup de pinceau musical du compositeur Robert Marcel Lepage colore avec justesse les vastes toiles documentaires que sont Histoire d’un Canadien: Maurice Richard, Barbeau, libre comme l’art et Images d’une dictature, pour ne nommer que celles-là. La musique du long métrage Full Blast, du cinéaste Rodrigue Jean, porte également sa griffe.


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Éloge de la musique libre

par Luc Bouquet in Écouter voir #106 (France), 1 octobre 2000 |1573_006|

LEPAGE, Robert Marcel: Les Clarinettes ont-elles une âme?
Clarinettiste et touche à tout de génie, Robert Marcel Lepage s’est construit une identité musicale multiple; le free jazz, le rock, la musique klezmer, le funk et le swing n’ont aujourd’hui plus guère de secrets pour lui. Si cet éclectisme musical lui fut reproché de manière souvent virulente, Lepage fit ce choix de rénover les musiques de ce monde dans un joyeux capharnaüm de couleurs fauves et indomptables. Dessinateur de bandes dessinées, pratiquant extrême de l’autodérision, il s’imagine clarinettiste gonflable ou clarinettiste syndiqué dans le Robert illustré de la clarinette (AM 046B), livre-disque qu’il illustre brillamment de sa plume acide.


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Bonheur de pointe

par Lise Bissonnette in Le Devoir (Québec), 20 juin 1998 |1763|

Les viniers et les plats de croustilles étaient vides, les chandelles s’épuisaient aussi, il fallait se résigner. La soirée Callas que la Cinémathèque de Montréal avait programmée le 9 juin serait reportée (au 26 juin que je vous conseille) pour cause de panne d’électricité dans le quartier. Le climat vaguement surréaliste des lieux se prêtait bien, toutefois, au lancement par la Phonothèque québécoise du disque Callas, la Diva et le Vinyle, tissage sonore indescriptible du clarinettiste Robert Marcel Lepage et de son compère Martin Tétreault qui se définit comme «disc jockey et instrumentiste de la platine». Pas besoin d’Hydro-Québec, ce soir-là, pour qu’il tire d’un vieil enregistrement en microsillon de Lucia di Lammermoor, en y baladant à la main l’aiguille du gramophone, une sorte de «voix d’outre-vinyle» de la Callas qui «passe à travers tout».

Tout en demeurant fort accessibles au commun des mortels, les soirées de ce genre relèvent certes de la culture plus «pointue». Les films que la Cinémathèque vous offrira à nouveau cette semaine et que j’ai eu le privilège de visionner à la maison sont des documents de grand intérêt, mais on peut aimer l’opéra, la Callas et la musique en général sans aller aussi loin. L’un, intitulé Diva Maria, Entretien avec Werner Schroeter, consigne le témoignage du cinéaste allemand qui, au milieu d’une adolescence troublée, découvre la voix de la Callas et s’y attache au point où elle déclenche sa vocation de réalisateur et de metteur en scène d’opéras scéniques. La puissance de la rencontre a été telle, dit Werner Schroeter, qu’elle lui a «sauvé la vie». L’autre film, Écouter Callas, réunit sur un plateau sept experts qui devisent de la discothèque idéale de Callas, échangent leurs connaissances mais aussi leurs jugements sur l’évolution de sa voix, sur les moments divins et les moments ratés, qu’il lui arrivait certes de connaître aussi. Les deux films ont été tournés en une seule soirée dans un studio de télévision à Paris, et programmés sur la chaîne franco-allemande Arte en septembre 1997, pour le vingtième anniversaire de la mort de Maria Callas. Le montage, typiquement français, est plus cérébral que la conversation, souvent passionnante et où s’accumulent mille enseignements. La caméra ne connaît que deux ou trois mouvements, le cadrage est tout croche, certains invités disparaissent derrière une sorte d’écran transparent qui se veut artistique mais ne réussit qu’à être encombrant. Le pari est toutefois tenu, celui de nous amener à «écouter» Callas sans jamais la voir, à partir de disques et non de films, et en nous aidant de conversations qui portent pour l’essentiel sur sa voix plutôt que sur son troublant et fascinant personnage. Et de là, on peut entreprendre d’autres voyages. Sur le plateau, par exemple, on retrouve Réal La Rochelle, le président de la Phonothèque québécoise dont je vous entretenais la semaine dernière, sans doute l’expert entre tous de la discographie de Callas. Étudiant en cinéma à Paris au début des années 60, M. LaRochelle avait eu le culot de lui écrire, tout bonnement aux soins du Covent Garden de Londres, pour requérir le privilège d’assister à un de ses enregistrements en studio, d’autant qu’il lui était impossible de se procurer les billets pour ses prestations publiques. Et il s’était retrouvé quelques mois plus tard salle Wagram, à Paris, à observer son travail en Tosca, ce qui déclencha chez lui un peu comme chez Werner Schroeter une vocation Callas qui l’a mené entre autres à son doctorat et à des publications importantes dont Callas, la Diva et le Vinyle, la POPularisation de l’opéra dans l’industrie du disque, paru en 1988 chez Triptyque, titre repris en partie par le disque de Tétreault et Lepage dont il signe d’ailleurs la présentation. Et plus récemment, mouture revue et augmentée de ce premier ouvrage, les éditions Christian Bourgois ont publié de lui, à Paris, Callas, l’opéra du disque, une merveille de travail savant rédigé de façon très personnelle. Vous y découvrirez, à travers la cantatrice, l’histoire de l’industrie du disque classique durant la deuxième moitié du siècle, un monde que les ventes de la Callas continuent de dominer vingt ans après sa mort. À la différence de tant de gens de culture, Réal LaRochelle ne regarde pas de haut «l’industrie culturelle», ses calculs et ses stratégies; il nous la fait découvrir indispensable, et peuplée de passionnés de leur matière. Si vous habitiez en France, ce mélange d’enseignement et de divertissement de haut niveau vous aurait été accessible en direct de votre fauteuil, par les bons offices de la chaîne Arte qui, le 17 septembre dernier, mettait en ondes pas moins de quatre heures d’émissions regroupées sous le titre Thema Callas, dont certains films présentés récemment dans le cadre de notre vaillant Festival international de films sur l’art (FIFA). La «chaîne culturelle européenne», ainsi qu’elle se définit, présente actuellement à la Cinémathèque, jusqu’à la fin de juin, un échantillon de sa programmation qui ne fait pas rêver mais plutôt désespérer les affamés d’ici. Arte, on le sait, ne s’encombre pas et ne s’encombrera jamais de réclame commerciale, et ses bailleurs publics de fonds, en France et en Allemagne, ne lui font pas grief de sa minuscule part de marché. Conçue un peu comme un volet «recherche et développement» de la culture audiovisuelle, la chaîne n’a pas d’obligation de rentabilité mais en a une de qualité. Elle ne craint pas le «pointu» et a mission d’en offrir le choix au téléspectateur dont le menu habituel, derrière une apparente diversité, est surtout d’une effarante uniformité. Ainsi démontre-t-elle, depuis maintenant six ans, que la démocratisation de la culture est le contraire de sa bêtification, qu’elle signifie rendre le meilleur disponible à tous, et que petit écran peut aller loin. Vous aurez lu quelque part que notre Société Radio-Canada, celle qui s’enorgueillit de préférer le gouret aux livres, celle qui a mis au point le style Snyder et n’a pas connu de plus grand chagrin que son émigration à Télé-Métropole, celle qui entre en indicible jouissance devant les cotes de sa «p’tite vie», celle qui se veut la fille publique de la télévision publique, songe à se dédouaner auprès des désespérés qui l’engueulent dans tous les lieux de culture en requérant du CRTC la permission de créer en parallèle une «chaîne culturelle» analogue à Arte. Bonne nouvelle? Peut-être pas. Dans son récent ouvrage sur la décadence de la télévision publique française, Remontrance à la ménagère de moins de 50 ans (Plon, 1998), l’animateur Bernard Pivot met en garde contre cette relégation des émissions de qualité dans un ghetto dont l’existence donne bonne conscience aux chaînes généralistes, les dégage de toute exigence culturelle et laisse ainsi libre cours à leur appétit de sottises payantes. La culture, se disent-elles désormais, il y a une chaîne pour ça. Mais les regrets de M. Pivot, si nous pouvions un jour les éprouver, seraient un luxe. Car les dirigeants d’Arte, distinction majeure, ne sont pas les mêmes qui ont dégradé la télévision française. Ce qui nous menace, si la SRC obtient le mandat de créer un Arte canadien, c’est d’hériter d’un travesti, où la cote d’écoute continuera à tenir lieu de cerveau, car sa dictature est acceptée chez nous avec enthousiasme, conviction et fierté. L’idée derrière Arte est plutôt celle d’une rébellion continue contre les idées audio-visuelles reçues et d’une foi en l’intelligence et la curiosité des spectateurs. Il faudrait plutôt la confier, de façon autonome, à des gens capables de comprendre que quatre heures d’émissions sur Callas n’épuisent pas le sujet ni l’être humain qui les regarde, et désireux eux-mêmes d’en savoir plus. Ça se trouve, entres autres à la Cinémathèque.

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Robert Marcel Lepage: la polyvalence assuméé. Les musiques de télé

par Alain Brunet in La Presse (Québec), 13 juin 1998 |1842_103|

Associé au monde de la musique actuelle (il se produira bientôt aux côtés de René Lussier dans le cadre de la série Jaz contemporain au Festival de Montréal), Robert Marcel Lepage gagne régulièrement le pari de l’accessibilité. Les musiques de films ou de séries télévisées lui sont fort utiles en ce sens.

«La musique de fllm, précise-t-il, est toujours plus audacieuse. Prenez celle de Penderecki dans Shining; les gens sont capables de prendre une musique résolument contemporaine lorsqu’elle est associée aux images. Ce qui me donne plus de latitude. «D’autant plus que j’ai une connaissance minimale de plusieurs styles. Si on me demande d’exprimer toute la palette d’émotions avec la musique baroque je peux le faire. Je le peux aussi avec du hard rock où du jazz. Et ça me plaît beaucoup de fonctionner ainsi.» Pour Urgence, télésérie «médicale» de Réjean Tremblay et Fabienne Larouche, le réalisateur Gabriel Pelletier avait recruté le compositeur, ce qui l’a conduit à signer les trames musicales de Réseaux la prochaine série de notre Bleuet, qui traitera de la compétition entre les réseaux de télévision. «La musique d’Urgence était le fun, j’avais un bon band de hard rock à ma disposition—Benoît Clément, Rémi Malo, Gilles Tessier etc. Pour Réseaux, je forme un quatuor plus jazzy: piano (acoustique ou électrique), batterie, contrebasse—Claude Castonguay, Claude Lavergne, Normand Guilbeault et moi-même. «Dans le cas d’une télésérie, le compositeur ajoute une tension, une profondeur émotive ou dramatique aux dialogues des acteurs. Alors il y a tout un travail de contraste; par exemple, installer un beat rapide de jazz pendant que deux personnes causent tranquillement. Tu crées ainsi une montée dramatique, tout à coup woops! on change de plan. Tu joues un peu avec les nerfs du public… «Dans un film comme Les enfants du Refus global, par contre, je n’ai pas eu à augmenter la tension dramatique parce que de vraies personnes y ont vécu de vrais drames. J’y ai plutôt collé des références musicales dont l’époque coincidait avec celle de l’histoire. C’est pourquoi, par exemple, j’ai choisi le piano préparé de John Cage.»

Lepage a aussi fait la musique du Mystére de la baleine bleue, réalisé par Alain Belhumeur. Comment s’inspirer, alors? «Le grand rorqual, répond-il, est un animal qui chante tout le temps. Son chant est inaudible pour un être humain; une fréquence trés basse, linéaire, contrairement à celle du rorqual à bosse. Ce dernier est un chanteur de jazz, la baleine bleue est un moine boudste.»

Robert Marcel Lepage, lui, est tout à la fois!


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Compact

par Michael D Hogan in Ici Montréal #1:25 (Québec), 16 avril 1998 |1846|

«Sa livraison la plus facile d’accès à ce jour.»

Il a joué pour le cinéma, pour la danse, pour la radio, mais par dessus tout, il joue pour la clarinette. Sur les ailes de l’humour et en compagnie d’une vingtaine de collaborateurs issus de tous les horizons musicaux (a-t-on déjà vu réunis sur un même disque Rick Haworth et Martin Tétreault?), Lepage nous fait passer par tous les pays, tous les rythmes. On craque pour Rock around the cloche. Sa livraison la plus facile d’accès à ce jour.


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Critique

par Pierre Durr in Revue & Corrigée #33 (France), 1 septembre 1997 |1449|

S’il y a, certes, un son, ou du moins, une approche musicale «Ambiances magnétiques» (et le second recueil/compilation Hourra pour la bastringue le confirme), Robert Marcel Lepage est peut-être le musicien qui s’en éloigne le plus. C’était particulièrement évident avec Les choses dernières, ça l’est encore, de manière différente, avec La Plante humaine.

Musique de film d’un genre un peu particulier (la musique, mais, à vrai dire, le film semble l’être aussi!), dans la mesure où la trace audio, celle dont il est question ici, diffère dans son traitement et son montage de celle qui accompagne la pellicule! La Plante humaine alterne des séquences musicales variées: un rock vigoureux et charpenté peut faire suite à une séquence plus expérimentale, et précéder des emprunts néoclassiques qui eux-mêmes sombrent dans une mixture plus

industrieile… et on pourrait citer d’autres genre musicaux. Mais La Plante humaine n’est pas un simple patchwork le tout s’inscrit dans une trame sonore et mélodique qui rejaillit de temps en temps, un peu comme les nombreuses images surgissant dans la mémoire du personnage du film, Michel (interprété par Michael Lonsdale). Cette (re)construction obeit toutefois davantage à une nécessité d’ordre musical, éloigné des impératifs du visuel propre au cinéaste Pierre Hébert.


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Review

par Chris Kelsey in Cadence #23:5 (ÉU), 1 mai 1997 |1443|

The most interesting thing about this CD of mostly free improvisation is the opportunity it affords us to monitor the artists’ progress from 1984, when the first seven tracks were recorded, to 1996, when cuts 8 through 16 were laid down. In ’84, both Lussier and Lepage were well on their way to developing their own voices, though both were still manifestly groping. Lussier’s style was a mechanistic abstract-expressionism; his timbres were harsh, his lines jagged, his melodies and hammonies of little consequence given his extreme textural freedom. By ’96, the guitarist has his materials under control. The rough edges are leH that way purposely; they are no longer perceived as accidents. Lussier’s increased skills have given his work a more humane cast- ironic, perhaps, given this album’s stated intent, which is as a parody of our mechanized consumer society. Lepage’s development is similar. Where in ’84 he was searching - playing two saxes simultaneously, manipulating his tone and articulating in an extreme and sometimes clumsy manner - by’96 his chops are together. The harshness is leavened by a control that wasn’t there twelve years earlier. The mature Lepage concentrates on clarinet, upon which he has a comprehensive technique; hence, his lines are informed by a melodic sense that was far less pronounced on the earlier date. The duo benefits from the individual evolution of the piayers. Where, in the first recordings, the improvising moves in a more parallel direction - the players’limitations prohibit a more integrated, interactive perfommance - the later tracks are far more well-coordinated. The’84 cuts were made by a pair of talented students; the recent tracks by mature fine artists. Consequently, we have one-half of a very fine album - enough, I think, for me to recommend it.


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Critique

par A R in Octopus #6 (France), 1 avril 1997 |1439_001|

«C’est incroyable comme ses compositions faites de séquences et d’orchestres forment un monde cohérent, en dépit du nombre exponentiel d’idées qui traversent ce disque.»

Vous rêvez de découvrir un compositeur mélant dérision, inventivité et sens de l’orchestration. Vous êtes prêt a passer une petite annonce utopique pour trouver quelqu’un répondant à ce profil rare: un inclassable aux idées larges et au style unique. Vous alliez même engager un chasseur de têtes… êcoutez donc René Lussier. Il campe, sur la photo du livret CD, assis sur un banc à côté de son vélo, prêt â partir. Son sourire est malicieux et plein de sympathie. Fin du travail, c’est le titre de son premier album. C’est incroyable comme ses compositions faites de séquences et d’orchestres forment un monde cohérent, en dépit du nombre exponentiel d’idées qui traversent ce disque. Vous aimez Hugues le Bars, Albert Marcoeur, vous attendiez un renouveau chez Comelade, vous aimeriez que la musique contemporaine fuse en éclats de rire. Ecoutez René Lussier qui campe â côté de son vélo!


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Soundcheck Review

par John L Walters in The Wire #156 (RU), 1 février 1997 |1438_003|

Chants et danses du monde inanimé features Robert M Lepage playing clarinet and alto sax in (I think) largely improvised duos with Lussier’s guitar. There are seven pieces from 1984 and nine from last year with titles such as Tutti frottis and L’art de remplir des boîtes. The lengthy sleevenotes by Lepage look as though they might be very funny, but my French isn’t good enough.


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