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30 novembre 2011

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30 novembre 2011
Par Ken Waxman in Jazz Word (Canada), 30 novembre 2011

Texte

«Both the OIO and AIMTO attempt particular sound variations to re-define — or perhaps it’s to define — the parameters of large improvising ensembles.»

Spurred by the world-wide conduction projects of Butch Morris and their results, improvising ensembles in Europe and North America have been organized to advance the concept of playing free music on a larger scale.

Although there are notable orchestras in expected places such as London, New York and Berlin, often the most remarkable, and certainly the most original, large group interpretations come from bands in smaller centres. Working with a group of like-minded musicians in his hometown, for instance, British pianist/electronics manipulator Pat Thomas has composed dissimilar pieces for the Oxford Improvisers Orchestra (OIO) on this CD. Involving voices, non-Western instruments, a tribute to a Jazz master and a literal violin concerto, each moves in a different fashion. Toronto’s AIM Toronto Orchestra (AIMTO) on the other hand plays pieces by four different composers on its seven-track CD. However under the direction of artistic director/soprano saxophonist Kyle Brenders, who penned the two lengthiest pieces, a harmonic uniformity exists.

Odd for someone who studied with Anthony Braxton, Brenders AIM Toronto Orchestra compositions, unlike his Jazz-inflected small group work, appear to avoid Jazz influences in favor of tropes from notated music and elsewhere. For example, a piece such as Thru and Through, shoehorns wordless vocalizing from Christine Duncan, Scruggs-style banjo-picking from Rob Clutton into an exposition initially stated by quivering strings, harmonized woodwinds and stacked brass extrusions. Meanwhile tenor saxophonist Christopher Willis advances the theme as three percussions clank and clip alongside. With brief sequences parceled out among many orchestra members, it’s Simeon Abbott’s piano passages which mark important transitions, making room at different intervals for Steve Ward’s trombone guffaws, Rob Pilonen’s flute harmonies and Nicole Rampersaud’s trumpeting grace notes. As the often polyphonic work advances, it’s the restated solo variants which reference the initial narrative rather than showier tutti passages that impress.

Similarly Follow Line Flow Line Follow is built up from concentric orchestral timbres that foreshadow the contrapuntal divisions among the vocalist’s nonsense syllables plus swelling and vibrating slurs and pumps from the horns. Single variations involve bass clarinet lines, cymbal cracks, bell ringing and tough guitar scrubs, with a later combination finally modulating into a languid climax that trades previously inchoate hocketing and expanding runs for popped vibrations and near silences.

Meanwhile the opening Year of the Boar brings a Jazz sensibility to the proceedings. Yet ironically or not, its composer, guitarist Justin Haynes, isn’t featured on the disc. Operating off a steady vamp with heavy syncopation from dual drummers Nick Fraser and Joe Sorbara, the tune encompasses a swing section, and a lyrical alto solo from Evan Shaw. (…)

Both the OIO and AIMTO attempt particular sound variations to re-define — or perhaps it’s to define — the parameters of large improvising ensembles. Although not everything tried is successful, the spirit of experimentation expressed by both will go far to make similar-sized groups viable as the shape of 21st Century music unfolds.

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30 novembre 2011
Par Maxime Bouchard in Jazz à crédit (Québec), 30 novembre 2011

Texte

«La voix est juste, posée, pénétrante, la musique post-industrielle, rêche… très bon!»

Intrigante proposition que celle-là. Du spoken-word, très proche de la poésie du quotidien, petites vignettes supportées par une orchestration simple de musique électronique et acoustique. La voix est juste, posée, pénétrante, la musique post-industrielle, rêche… très bon!

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29 novembre 2011
Par Guillaume Belhomme in Le son du grisli (France), 29 novembre 2011

Texte

«Les fléchettes que décochent Jean Derome et Lê Quan Ninh délivrent un poison qui saisit en un rien de temps.»

Les fléchettes que décochent Jean Derome (flûte, saxophone alto, appeaux et petits instruments) et Lê Quan Ninh (grosse caisse environnée) délivrent un poison qui saisit en un rien de temps.

Derome avait pourtant prévenu du danger: maugréant d’abord avant de se ranger à l’opinion vindicative de son partenaire: Lê Quan Ninh qui vitupère, frappant fort ou faisant rugir sa grosse caisse à force de caresses multipliées. Ce sont ainsi des râles tenaces et des drones insistants que le percussionniste dépose au second plan.

Contraste: maintenant Derome siffle. À l’alto, il défend une intensité bruitiste qui annule et remplace la gentillesse de son usage des petits instruments, que les graves profonds de Ninh avalent de toute manière. À la flûte, Derome évoque alors Prokofiev avant que sonne l’instant d’une autre saillie: sifflements, grognements que domptera un lot de baguettes sèches. Le bois dont on fait les fléchettes cédera sous les effets de derniers tremblements. Le souvenir, ravissant, est d’engourdissement.

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23 novembre 2011

Nous vous invitons à découvrir Nos enfants par YUL, le plus récent article ajouté à notre boutique.

22 novembre 2011
Par François Couture in Monsieur Délire (Québec), 22 novembre 2011

Texte

«Une œuvre dense, synthétique, mais accessible et qui porte encore ses racines rock-in-opposition.»

Il aura fallu cinq ans à Filature pour passer de la scène au disque. Entretemps, le théâtre sonore de Joane Hétu a poursuivi son évolution vers des formes nettement plus dépouillées. Dans le cheminement qui, à ce jour, l’a mené de Musique d’hiver à La Femme territoire, Filature fait office de point tournant, de carrefour entre plusieurs approches passées, présentes et futures. Elle intègre texte, danse et projection vidéo (ces deux derniers aspects étant absents du disque) — voie que la dame poursuivra ensuite beaucoup plus loin — mais se fonde sur la vie antérieure de l’artiste qui a été tisserande. Le texte raconte cette expérience, expérience qui nourrit la structure même de l’œuvre: un premier mouvement de Chaîne interprété uniquement par les hommes (Del Fabbro, Derome, Guilbeault, Tanguay, Venba); un deuxième mouvement de Trame interprété par les femmes (Auclair, Gignac, Hétu, Labrosse, Roger); enfin, un mouvement de Motif auquel tous participent. Le pendant masculin est métrique, répétitif, “groundé”; le pendant féminin est aérien, créatif, fantasque; le dernier mouvement combine le tout — et semble combiner tout le bagage de Hétu, de Wondeur Brass et Justine à Nous perçons les oreilles, en passant par Musique d’hiver. Une œuvre dense, synthétique, mais accessible et qui porte encore ses racines rock-in-opposition.

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