Côté, Falaise, St-Onge

Grain

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1 mars 2008
Par Vincenzo Giorgio in Wonderous Stories #12:35 (Italie), 1 mars 2008

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«Un disco davvero bello che […] potrà intrigare parecchio chi si lascia catturare dall’esplorazione di nuovi spazi sonori (sì, è ancora possibile!) all’interno di una persistente struttura “free-rock”.»

Tutto inizia a metà dei novanta, nell’eccitazione creativa della francofona Montreal, quando il contrabbassista Alexandre St-Onge e il percussionista Michel F Côté, assistono ad una performance del chitarrista Bernard Falaise. Il conseguente “colpo di fulmine” produce Klaxon Gueule (nome che sa di alchimia dadaista con quella sua bislacca associazione tra “clacson” e “mascella” o, se volete, “rumore” e “potenza”).

Klaxon Gueule Bavards cd1 47:26, cd2 46:22 Ambiances Magnétiques esce nel 1997 lanciando immediatamente segnali luminescenti: riferimenti jazz rock (c’è chi vi sente l’imprinting di Fred Frith e dei This Heat ma anche di certo free jazz di frontiera) e gusto per l’improvvisazione (anche) estrema. Il concetto di “power trio” viene sistematicamente messo in discussione fino giungere, con Friandise cannibale, al suo definitivo sgretolamento. Eppure due anni dopo le cose cambiano. E di molto. In Klaxon Gueule Muets AM 1999 — 49:59 (che qualche critico esalta come uno dei dischi fondamentali dei Novanta) il suono diventa sempre più essenziale tanto che i contorni tra gli strumenti diventano così labili da risultare magicamente con-fusi. C’è la poetica del “sottovoce” che giustifica pienamente il titolo Muets (=“muti”) tanto che qualcuno azzarda l’equazione Michel F Côté-Jamie Muir arrivando a definire Muets il No Pussyfooting degli Anni Novanta

Con Klaxon Gueule Grain AM 2002 — 43:15 il salto è definitivamente compiuto. Il rock (anche quello sperimentale) è definitivamente alle spalle e con esso ogni tipo di parvenza strutturale. Un “grano” in grado di nutrire nuove ipotesi creative figlie dirette dei grandi autori di fine novecento e una inedita sfida che viene lanciata all’Ascoltatore: dimenticare l’identità della fonte (anche se le note di copertina continuano a riportare i nomi degli strumenti tradizionali) e abbandonarsi al Flusso Indistinto del Suono. Poi la leggenda narra delle “canzoni geneticamente modificate” di Klaxon Gueule Chicken &Records 2004. Chi ha avuto la fortuna di ascoltarlo lo descrive così: “E’ come lasciare per quarant’anni Bob Dylan dentro una stanza di decompressione ad ascoltare Hymnen di Karlheinz Stockausen e Poème électronique di Edgar Varese messe in circolo in eterno loop” (Michele Coralli in Blow Up 82/2005)….

Il silenzio KG viene rotto dal suo percussionista che recentemente pubblica Michel F Côté (juste) Claudette AM 2007 — 38:03. Un disco davvero bello che, se da una parte potrebbe deludere chi ha amato il Culto del Puro Suono praticato dalla band, potrà intrigare parecchio chi si lascia catturare dall’esplorazione di nuovi spazi sonori (sì, è ancora possibile!) all’interno di una persistente struttura “free-rock”. Di fatto il progetto di Côté (qui impegnato non solo alle percussioni ma anche alla pocket trumpet e agli arrangiamenti) propone il trio originario addizionato dallo stralunato organo di Jesse Levine. Tredici tracce di sghembo sapore post-RIO dove la sagace contaminazione elettro-acustica la fa da imperiosa padrona. Ascoltare per credere l’ansimo elettrico di Arms Oil con la chitarra frithiana di Falaise che si fa saggiamente guidare dalle sincopi organistiche (orgasmiche?) di Levine ed anche gros découvert con quella sua ritmica frastagliata dove il contrabbasso di St-Onge e il percussionismo dissociato del leader profondono abbacinanti intuizioni armoniche. Molto bello anche il jazz allucinato di par en avant con quei suoi eccitanti intarsi tra la delicata chitarra dell’immenso Bernard, i tappeti timbrici dell’onnipresente organista e l’aliena sezione fiati architettata dallo stesso Côté. E se (juste) Claudette fosse il My Life in the Bush of Ghosts del decennio?

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1 décembre 2004
Par Alfredo Rastelli in Sands Zine (Italie), 1 décembre 2004

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Tracciare la storia, seppur breve, di una band che in meno di dieci anni e soltanto in quattro dischi ha già dato tanto alla causa ‘musica’ non è la cosa più semplice di questo mondo. Abbiamo però avuto la fortuna di parlarne con uno dei protagonisti, Alexandre St-Onge, cioè 1/3 dei Klaxon Gueule, contrabbassista e sperimentatore d’eccezione della scena canadese, ma meglio sarebbe dire mondiale, che ci ha aiutato a capire meglio come nasce un suono così originale e innovativo (o anche solo a confermare le impressioni che già ci eravamo fatti) e soprattutto come ci si muove all’interno di un’arte su cui sembra sia già stato detto e fatto di tutto. Trascrivere tutta la conversazione avuta con Alexandre è un’impresa titanica e forse alcune cose potrebbero non interessare chi vuol sentire parlare solo di musica. Personalmente ho i miei dubbi: nella musica ritroviamo ogni componente della nostra vita, gli affetti, gli studi, la politica, i film visti, le letture fatte (come vedrete Alexandre si dice influenzato da Bataille); sono tutte cose che arrivano a formare e a guidare la personalità di ognuno nel momento in cui la si esprime, in una band o in qualsiasi altra attività.

I Klaxon Gueule sono Alexandre St-Onge al contrabbasso, Michel F Côté alla batteria e Bernard Falaise alla chitarra. I tre si formano in quel di Montreal, vera a propria fucina di talenti, mai parca di attività, progetti e collaborazioni; merito anche della posizione dominante che esercita sulla città, al pari di una grande madre, un’etichetta rinomata come l’Ambiances Magnétiques che ha fatto scuola e che è ora parte della più grande entità actuellecd.com in cui confluiscono molte delle etichette canadesi come la Alien8, la &records di Fabrizio Gialardino e dello stesso Michel F Côté ed anche la label che Alexandre St-Onge ha messo su con l’amico Christof Migone (un’amicizia solida a cui accennerà più volte, in seguito), ovvero la Squint Fucker Press, di cui proprio nel 2004 abbiamo amato il bellissimo Escape Songs di Migone e Veda Hille. L’unico che ancora non ha messo su un’etichetta è Bernard Falaise il quale, a detta di Alexandre, è più portato a suonare dovunque e con chiunque senza vincoli di alcun tipo.

Queste amicizie e queste collaborazioni vengono instaurate in completa libertà e tendono sempre più a ramificarsi; esemplare da questo punto di vista anche i rapporti col giro Constellation, se vogliamo il circuito più popolare della scena di Montreal: Alexandre è stato ospite infatti nei dischi dei Fly Pan Am ed è frequente collaboratore nonché amico di Roger Tellier-Craig degli stessi Fly Pan Am e Godspeed You! Black Emperor. Le amicizie hanno un grosso peso e ciò lo si evince anche dai riferimenti frequentissimi che Alexandre fa alla sua cerchia di amici nel corso della conversazione: da Migone a Tellier-Craig a Fabrizio Gilardino e Mirko Sabatini. Tantissime, negli anni, le uscite dei dischi solisti e le collaborazioni in cui abbiamo visto agire i tre: quest’anno abbiamo apprezzato molto i dischi della &records, ovvero il ‘solo’ di Michel F Côté (63 Apparitions) e la collaborazione tra Falaise e Martin Tétreault (Des gestes défaits, recensioni entrambe on-line) senza contare, lo scorso anno, il debutto dei Bob che vedeva partecipi tutti e tre i membri dei Klaxon Gueule, insieme ad altri artisti. Impegnandoci di trattare in futuro di queste attività parallele, ci dedichiamo adesso a raccontare dei soli Klaxon Gueule, approfittando del fatto che è appena uscito il nuovo disco, Chicken, bellissimo, licenziato proprio dalla &records, dopo che i primi tre cd erano stati pubblicati dalla Ambiances Magnétiques. Ma andiamo con ordine.

I Klaxon Gueule si formano a metà degli anni ’90 quando io e Michel (che già improvvisavamo per conto nostro) assistemmo ad una performance impro di Bernard in un locale: quando Bernard a sua volta ci vide suonare ci propose di unirci a lui per realizzare insieme qualcosa di interessante. Con queste parole Alexandre St-Onge (incontrato nei primi giorni di dicembre durante un suo passaggio a Napoli, in una delle rarissime sere in cui nella città non è stato ammazzato nessuno) descrive la nascita dei Klaxon Gueule.

Quello di cui scriviamo è un gruppo originalissimo a cominciare dal nome che associa due parole che esprimono forza; Il nome non significa nulla; nasce dall’unione di due sostantivi, klaxon (proprio il clacson delle automobili) e gueule (mascella) che pronunciate insieme confluiscono, dal punto di vista fonetico, una forza maggiore a due parole che già di per se alludono al casino, al rumore, alla potenza e alla durezza. Il nome è stato trovato da Bernard ed è piaciuto subito a tutti noi per via di questo accostamento molto dada. Tutto ciò si traduce in una musica scevra dai compromessi, forse ostica, ma non tale da impedire a chiunque di apprezzarne la qualità, l’originalità e la carica destabilizzante.

Il debutto discografico del trio arriva nel 1997 con Bavards, doppio cd in cui i tre decidono di fare piazza pulita delle loro passate esperienze; il disco infatti segna una rottura con quello che verrà, un punto di non ritorno nella loro carriera, e ciò lo si avverte in modo lampante con l’ascolto dei successivi lavori. Bavards consta di due cd che rappresentano un compendio delle istanze rock di stampo impro tagliente e compatto come certe produzioni di rock-in-opposition e con numerose influenze jazz; nel primo cd l’assetto è quello usuale con Michel F Côté alla batteria, Alexandre St-Onge al contrabbasso e Bernard Falaise alla chitarra; nel secondo cd la line-up si allarga anche al sassofonista Christopher Cauley e il tutto assume un aspetto da free-jazz elettrico con atmosfere oscure e fumose da ghetto metropolitano: sì, Bavards è un punto di rottura con le strutture passate, esso è stato volutamente composto per essere free jazz e suonare potente come un disco di hard-core. In pratica possiamo dividere la storia dei Klaxon Gueule così: c’è Bavards da un lato e poi tutto il resto. Il disco, infatti, pur lasciandosi apprezzare per le indubbie doti tecniche e per la completezza strutturale, risulta datato se confrontato con le vette raggiunte di lì a poco.

Muets, che segue di due anni l’esordio, è ancora suonato in classico assetto rock da power trio (schieramento che verrà mantenuto in tutti i lavori successivi), ma della musica tutto si può dire fuorché sia ‘classica’. Infatti il disco (che, giusto per inciso, è uno dei capolavori degli anni ’90) brilla per originalità delle strutture e limpidezza del suono; arduo riconoscere in questi intrecci sonori il tradizionale suono di chitarra, basso e batteria, piuttosto il tutto sembra essere il risultato di elaborate composizioni elettroacustiche e non invece di spietate improvvisazioni: non so se i miei due compagni la pensino come me ma io mi sento parte integrante di un power trio; noi suoniamo rock anche se è una versione avanzata di esso: c’è una relazione tra il rock e il nostro modo di improvvisare; sono come due piani sovrapposti che si arrivano a tangere. La musica dei Klaxon Gueule è tutta improvvisata; più che altro noi ci lasciamo trasportare da un mood, oppure seguiamo delle coordinate decise in un momento precedente; ad esempio si stabilisce chi sia il primo a suonare e il momento in cui gli altri debbano intervenire oppure viene deciso che uno di noi inizi a suonare nell’istante in cui gli altri abbiano smesso e così via. Alcuni pensano che la nostra musica sia il frutto di composizioni studiate ma in realtà è tutto totalmente improvvisato.

Con Muets i tre fanno esplodere il rock e ne raccolgono i resti, quelli più piccoli e infinitesimali, che vengono poi ricomposti in un puzzle anomalo creando quadretti deformi e tetri ma anche avvincenti. Scompongono cellule sonore per elaborare dna mutanti; aggiungono e sottraggono particolari, utilizzano liberamente frammenti metallici, creano disturbi e disegnano traiettorie errate come macabri scherzi del destino, aprono e chiudono squarci nella pelle come folli scienziati. Ogni tanto una scoria più grande delle altre viene lasciata intatta e possono emergere così reminiscenze di una musica familiare (la chitarra sincopata simil-Starfuckers in th, il tentativo fallito di elettrojazz di ul e eg). Vengono quindi messi da parte i suoni debordanti precedentemente utilizzati a discapito di atmosfere più sottili e insinuanti. Il disco mantiene sì un’impostazione rock ma sfocia in definitiva in intricate trame elettroacustiche che danno vita a piccole sinfonie avanguardiste e minimali. Non vogliamo più suonare jazz, l’abbiamo fatto in passato ma adesso ci va di fare altro; con Bavards volevamo un disco propriamente free jazz e quindi chiamammo Christoper (Cauley, ndr) al sax in modo che suonasse potente come Ornette Coleman o Jimmy Lyons; in seguito abbiamo deciso di essere più sperimentali, alle prese con vere e proprie textures strumentali.

Nell’atto di creazione si combinano fattori contrapposti, l’elettro e l’acustico così come l’analogico e il digitale: Io e Michel siamo soliti trafficare più col digitale e con i computer mentre Bernard è quello più predisposto ad utilizzare apparecchiature analogiche. Ma il suono digitale spesso non è puro perché ci piace anche sperimentare convogliando il digitale in apparecchiature analogiche.

Il successivo Grain, uscito nel 2002 sempre per la Ambiances Magnétiques, mostra dal punto di vista stilistico dei cambiamenti di non poco conto; maggiore è infatti l’uso di elettronica, complice la partecipazione di Christof Migone e Sam Shalabi alle prese con i computer. Il disco è dominato da particelle free di elettronica che proprio non riescono a seguire percorsi lineari (fer (huilé); fonte sur cuivre jaune); ci si perde come in un labirinto senza uscita e così è inevitabile che nel disco si alternino momenti diversi tra di loro: attimi di ironia glitch (fonte sur plomb; fer sur plomb) sono contrapposti a sprazzi di rumore e scorie industrial (fer blanc sur frêne; fer pour bronze): gli ospiti di Grain hanno determinato lo spostamento del nostro suono in una direzione più elettronica; ci è sempre piaciuto suonare con gli amici, soprattutto, per quel che mi riguarda, con Migone e Shalabi che sono i miei migliori amici. Grain suona diverso perché è stato composto in maniera differente da come eravamo abituati: esso è stato prodotto durante una settimana trascorsa in una casa in campagna con gli amici. È più elettronico perché abbiamo voluto trafficare con computer e processing e soprattutto abbiamo lavorato tutti e tre separatamente; uno di noi ha creato un qualcosa che è stato successivamente elaborato da un altro e poi da un altro ancora, al contrario di Muets e Chicken che invece sono suonati totalmente live. Per Muets in particolare abbiamo voluto ottenere un impatto fisico.

E così arriviamo al nuovo disco, Chicken, che segna il distacco dall’Ambiances Magnétiques in favore dell’emergente etichetta che lo stesso Michel F Côté condivide con Fabrizio Gilardino, autore tra l’altro dei bellissimi artwork di tutti i dischi del trio: l’Ambiances Magnétiques sta in giro da parecchio, noi li rispettiamo e siamo sempre grandi amici, ma lavorare per loro significa anche identificarsi con un certo tipo di suono mentre noi cercavamo contesti differenti; non sarebbe stato possibile infatti nemmeno uscire per l’Alien8 che è, se vogliamo, più ‘trendy; ci sentiamo fuori da tutto questo. L’Ambiances Magnétiques avrebbe gradito pubblicare il nuovo disco e per noi non è certo facile privarsi dei servigi di una grossa label ma volevamo provare con una nuova etichetta; ci piacciono le sfide. Non penso che ci saranno degli svantaggi dal punto di vista delle vendite perché anche prima non è che avessimo tutta questa popolarità anzi, non abbiamo mai venduto molto e quindi non ci sono grossi rischi in tal senso; poi, insomma, per farla breve, la &records è la label di Michel e Fabrizio e quindi ci è sembrato naturale pubblicare Chicken per loro. Dopo l’elettronica di Grain, il nuovo disco mostra un ritorno ai suoni di Muets; i due lavori possono infatti considerarsi collegati e non a caso sono anche gli unici lavori dove i tre non si servono di ospiti esterni ma lavorano esclusivamente in proprio. Il metodo di composizione di Chicken è diverso dagli altri anche se ci sono molte similitudini con Muets; Chicken è stato composto con Michel che suonava un piccolo kit di batteria, oggetti e computer, io al canto e al contrabbasso e Bernard con chitarra ed elettronica; il tutto è stato poi processato al computer. Per il futuro abbiamo intenzione di continuare a lavorare in questo modo. Anche questo è un disco suonato live, una dimensione che abbiamo intenzione di esplorare a fondo nel futuro facendo molta attività dal vivo; non è certo facile esibirsi ed avere un buono riscontro di pubblico per chi non è così trendy come gruppi del calibro di Godspeed You! Black Emperor: adesso stiamo organizzando un tour e speriamo che Chicken costituisca un punto di partenza per una intensa attività live.

Chicken è anche il disco in cui fa capolino, per la prima volta, la voce. Prevalentemente è Alexandre St-Onge che si occupa di questo aspetto ma un contributo, seppur in maniera minore, è dato anche da Michel F Côté. Non aspettatevi però una voce e un cantato tradizionale: si tratta piuttosto di aborti di vocalizzi, distorti e filtrati, che si cuciono alla perfezione nelle trame sonore al pari di un vero strumento. Come in Muets anche stavolta ci troviamo di fronte un Frankenstein sonoro con la sola differenza che in questa occasione il suono è leggermente più ‘massimalista’ e ‘rock’del suo predecessore; più nitido il legame con i Starfuckers/Sinistri (a cui li avvicino soprattutto perché considero entrambi i gruppi il top in assoluto) nei momenti dominati dalle chitarre taglienti e dai ritmi singhiozzanti (wawawo). Il disco vive di momenti altissimi come nelle sovrapposizioni tra minimal-batteria, elettronica e riverberi di chitarra (roken dodelijk) o il non-jazz di annie prima o ancora la festa di percussioni in instrumental III.

Chicken è il mio lavoro preferito insieme a Undo (disco in cui Alexandre suona con Christof Migone, uscito nel 2000, per la personale label Squint Fucker press, ndr) e al recente disco di Sam Shalabi, e non lo dico perché è l’ultimo che abbia fatto, come si usa sempre fare, ma perché lo penso realmente. Per quanto riguarda la voce invece: mi piace cantare in un contesto astratto, non come un songwriter classico, ma , ad esempio, come gruppi tipo Wolf Eyes di cui apprezzo moltissimo l’ultimo disco su Sub Pop o i Black Dice; essi suonano come fossero una rock band ma in contesti non usuali per il genere ed anche per questo possono dar vita a pareri contrastanti sulle loro qualità o a creare spaccature nel pubblico. Nel lavorare sulle parti vocali sono stato influenzato anche dai lavori di Pierre Henry e Henri Chopin di cui ho sempre apprezzato la creazione di fragili melodie vocali innestati su contesti di musica astratta. Quella delle influenze è un discorso interessante: difficile rilevarle per chi non sia totalmente dentro la loro musica, e quindi per tutti coloro che sono al di fuori della band. Bataille ha certamente ispirato il mio modo di suonare e credo proprio che il bello dei Klaxon Gueule sia quello di convogliare nei nostri lavori le svariate influenze che ognuno di noi ha nel proprio background; forse è per questo che non si riesce a collegare il nostro suono a qualcosa di preciso; ad esempio, Michel ritiene che nella nostra musica ci sia qualcosa che ricordi i primissimi Residents.

Per finire, il futuro riserva una serie di esibizioni dal vivo, non solo con i Klaxon Gueule ma anche con altri progetti, tra cui uno di questi messo in piedi da Alexandre con Roger Tellier dei Fly Pan Am in cui suonare più rock e con canzoni nel senso tradizionale del termine; poi ancora, c’è da scommettersi, nuove uscite per le loro etichette personali e chissà quant’altro ancora.

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21 janvier 2004
Par John in Zookeeper Online (ÉU), 21 janvier 2004

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«… very well executed, with no trouble maintaining my attention. Great!!!»

From Montréal, Klaxon Gueule are a trio that have roots in free jazz avantgarde and here play improvised ambient noise through sampling unorthodox uses of live instruments and processing those sounds electronically. Textures are minimal but still very interesting, often of the ambient random percussive sound variety. Mood-wise, most tracks are creepy as hell and scare the shit out of me, like I’ve entered an endless field of mutilated dead babies with nothing on the horizon except a sky washed in charcoal. Very fucking cool and very well executed, with no trouble maintaining my attention. Great!!!

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25 novembre 2003
Par François Couture in actuellecd.com (Québec), 25 novembre 2003

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Les Fêtes approchent. Vous vous demandez quoi offrir en cadeau cette année? Vous cherchez le truc original, ce qui étonnera et fera plaisir? Pourquoi ne pas élargir les horizons musicaux d’un être cher, d’une collègue de travail ou d’un cousin que vous n’avez pas vu depuis le dernier Noël. Voici une sélection toute personnelle d’idées cadeaux pour initier quelqu’un (ou vous-même, on peut bien se faire plaisir!) à la musique actuelle.

La chanson

Cela peut paraître un peu simpliste, mais tout le monde apprécie une bonne chanson. Cela dit, nous n’avons pas tous la même définition de ce qu’est une bonne chanson. Et les artistes du catalogue de DAME prennent beaucoup de liberté avec cette forme musicale, c’est d’ailleurs ce qui rend la chose si excitante. Frank Martel et Tomás Jensen sont des chansonniers au verbe ludique et à la musique intemporelle, chacun à sa façon (les amateurs de Richard Desjardins ou d’Urbain Desbois y trouveront leur compte). Et les Chansons d’un jour de Geneviève Letarte plairont à quiconque recherche une chanson au texte poétique et à la mélodie intelligente et accessible. Pour les rockeurs dans l’âme, Locomotive d’André Duchesne (des riffs à fond de train) demeure un classique.

Castor et compagnie de Joane Hétu a déjà un côté plus pernicieux avec ses textes sensuels (voire érotiques) et ses moments de douce folie, une folie qui s’accentue dans le rock déconstruit du groupe féminin Justine: leur premier album, (Suite), tient du rock progressiste, alors que le second, Langages fantastiques, fait plutôt dans la chanson à haute teneur en improvisation. Comme va-tout, la compilation Chante! 1985-2000 offre une vaste sélection de chansons tordues et touchantes.

La fête

Moment de célébration, de carnavalesque, de transgression des interdits, la fête est aussi musicale et donne lieu dès lors à une distorsion des règles couramment admises. L’Orkestre des pas perdus insuffle à la musique de fanfare un air de cirque actuel, un R ‘n’ B (rhythm ‘n’ brass, bien sûr) qui rafraîchirait n’importe quelle parade. Son cousin Les Projectionnistes (les deux projets sont pilotés par Claude St-Jean) remplace le cirque par le rock et de fanfare fanfaronne la section de cuivres se transforme en funk frénétique. Pour sa part, la Fanfare Pourpour troque le caractère officiel des costumes de parade pour la spontanéité d’une fanfare de rue, une musique pour Tout le monde qui ne s’abaisse pas au plus petit dénominateur commun.

Dans le même esprit, mais en ajoutant un côté est-européen et une imagination débridée, le groupe Interférence Sardines (qui compte en ses rangs deux membres du groupe néo-trad Les Batinses) brasse fort. Jean Derome et les Dangereux Zhoms adoptent un angle plus jazz avec un côté frivole qui pousse parfois jusqu’à l’exubérance. Les trois albums du groupe sont hautement recommandables, mais Carnets de voyage demeure un excellent point de départ. On trouve le même esprit de démesure et d’émotion pure dans La boulezaille (Pierre Langevin et Pierre Tanguay) et Plinc! Plonc! (Jean Derome et Pierre Tanguay), des disques où s’entremêlent improvisation, musiques du monde, jazz et fantaisie libératrice.

Et pour aller plus loin

Mais peut-être voulez-vous allez plus loin et donner le goût d’une musique actuelle plus audacieuse et abstraite? Voici quelques suggestions de musiques improvisées et électroniques.

Martin Tétreault est l’un des artistes expérimentaux les plus fascinants en ce moment. Son utilisation du tourne-disque projette 45 questions par minute. Son récent disque Parasites avec Diane Labrosse pose la loupe sur de petits bruits inquiétants. Et sa nouvelle collaboration avec le Japonais Yoshihide Otomo, Studio — Analogique — Numérique, offre une musique de recherche étonnante dans une présentation originale: un coffret de trois mini-disques compacts.

Actif sur la scène des musiques d’avant-garde depuis le début des années 70, Fred Frith demeure le favori de plusieurs amateurs du genre. Les deux albums de son Fred Frith Guitar Quartet (avec René Lussier, Nick Didkovsky et Mark Stewart) sont essentiels. DAME offre aussi les titres de son étiquette Fred Records.

L’un des premiers groupes de l’écurie DAME à s’être tourné vers l’improvisation électro-acoustique, Klaxon Gueule donne dans les textures bruitistes et le plaisir exigeant. Les albums Muets et Grain ont été acclamés par la critique internationale. Mentionnons aussi la compilation Ohmix, un projet électronique audacieux où une brochette d’artistes (dont Martin Tétreault, David Kristian, John Oswald, Terre Thaemlitz et Ralf Wehowsky) remixent les disques de l’étiquette Avatar.

Enfin, au lieu d’envoyer les habituelles cartes de souhaits, je vous suggère les cartes postales sonores de l’étiquette Ouïe-Dire, des cartes accompagnées de mini-disques compacts. Et bon temps des Fêtes!

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1 octobre 2003
Par Luc Bouquet in ImproJazz (France), 1 octobre 2003

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«… une musique mutante, grouillante, parfois imperceptible mais toujours passionnante.»

Après Bavards (AM 052) et Muets (AM 076), voici Grain. D’un trio instrumental classique (guitare, basse, batterie), Klaxon gueule a glissé vers l’électro expérimentale pure et dure. Muets avait, avec timidité certes, brillamment ouvert la voie. Grain le confirme bel et bien: nos trois canadiens travaillent et pétrissent le son dans le silo métallurgique d’une musique contaminée et déchaînée. S’il nous semble percevoir, ici et là, quelques réminiscences instrumentales (une guitare dans Fer-huilé; un slap de basse électrique dans Fer pour bronze), Michel F Côté, Bernard Falaise et Alexandre St-Onge cultivent cet art du grouillant et du chaos, inhérent à ce genre de musique. Mais avant tout existe le mouvement, qu’il soit large, ample ou resserré jusqu’à l’asphyxie. La lenteur est de mise dans Fonte sur cuivre jaune (un son, un seul, troublé par quelques brisures parasites), les machines folles s’activent dans Fer blanc sur frêne, les dispersions métalliques et autres froissements asymétriques s’imposent dans Fonte sur plomb. Bref une musique mutante, grouillante, parfois imperceptible mais toujours passionnante.

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9 août 2003
Par Andrew Magilow in Splendid E-Zine (ÉU), 9 août 2003

Texte

«…just the right combination of quirkiness and meticulous song-sculpting chops to create a remarkable aural treat, impressive to musicians and music fans alike.»

Montréal-based Klaxon Gueule began their radical transformation from free-jazz improvisation troupe to free-form electroacoustic manipulators with 1999’s release of Muets. Grain journeys even deeper into the strange world of Canadian avant-garde, presenting another round of enticing sonic arrangements far removed from conventional music’s standard structures and tempos.

The Klaxon crew chose the unusual surroundings of a Québecan barn in which to record their third release. This organic environment adds a unique element to the music; just as the humble barnyard surroundings seem to contradict Klaxon’s complex music, so too do each member’s particular choices of instruments. Côté, Falaise and St-Onge aren’t huddled around computers and keyboards, creating these strange crackles and eerie hums; rather, the trio employs a traditional ensemble of percussion, guitar and bass to create its electroacoustical pieces. Guests Sam Shalabi and Christof Migone add tastes of true electronics, but they only appear on a few tracks, leaving the ensemble’s core members to create some truly amazing and inspiring sounds with analog instruments we thought we knew.

Gently cascading pieces make up the majority of Grain. Klaxon relies on subtle changes and false security to convey its colorful moods and unique perspectives. In Orme sans enduit’s shimmering opening, a tweaked guitar sets a casual rhythm as ghoulish gasps peek in from behind the high-pitched notes. Close the blinds, turn off the lights and let your mind roam. Orme…’s horror-movie soundtrack sound will leave you at the mercy of your own imagination; try not to freak yourself out too badly.

Fonte sur plomb’s metallic title filters into the music. Sporadic percussion bumps and skronks like a dilapidated subway car crawling down the tracks. Giggling guitar notes are unexpectedly replaced by angry chords, only to rapidly dissipate as the car makes its way into the next tunnel. Like Fonte sur plomb, Fer sur plomb continues the metal motif with a linear progression of rattled percussion, warbling guitar and harrowing crackles. It’s almost impossible to tell what sort of instruments are generating these incredible sounds, which makes the track as much an academic exercise as it is an intriguing manifestation of musical innovation.

Shalabi and Migone make their first appearance on Fer blanc sur frêne, roaring to the forefront with a haywire blast of computer buzzing. Klaxon Gueule is at its most unbalanced and frenetic here, rapidly injecting simultaneous aural stimuli between the bleeping machines. An abrupt stop is met with another round of noisy pollution that spirals the tune toward an explosive ending. The electronic interjections on Fer pour bronze (are you recognizing a pattern to the song titles yet?) are more controlled, suggesting what Current 93 could have become with a more liberal exploration of sound. Migone relies less on abrupt discharges, preferring a more methodical approach that employs some unusual gadgetry to create a post-apocalyptic soundscape. Droning notes slither between snaking guitar lines, eventually coming together into a chaotic climax. Analog and electronic have indeed found a common ground.

Listening to Grain in its entirety is flabbergasting; Klaxon Gueule’s stimulating sounds can be truly inexplicable. The group is adept at gracefully enticing the listener, gently leading the curiosity seeker into the electroacoustic stables. Forget your preconceptions about avant-garde music and shrug off your need for simple rock rhythms; Klaxon Gueule has just the right combination of quirkiness and meticulous song-sculpting chops to create a remarkable aural treat, impressive to musicians and music fans alike.

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Aussi disponible en format numérique (MP3, etc.) auprès de votre détaillant préféré.

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